Искусство Франции

Эдгар Дега. Мисс Лала в цирке Фернандо. 1879
Клод Лоррен (1600–1682) Отплытие святой Урсулы и одиннадцати тысяч дев 1614. Холст, масло. 11 2,9×149

Клод Лоррен (настоящая фамилия — Желле или Желе) — французский живописец и гравер пейзажей.

Святая Урсула — легендарная мученица, которая была убита вместе с одиннадцатью тысячами своих спутниц. Житие Урсулы имеется в «Золотой Легенде» Якова Воррагинского, откуда художники черпали подробности обстоятельств ее жизни и смерти. Сюжетом картины Лоррена служит один из последних эпизодов жития — отъезд святой из Рима после паломничества к Папе Римскому Кириаку. Это объясняет многолюдность сцены и присутствие в свите одних дев. Сама Урсула изображена с традиционным атрибутом — белым знаменем с красным крестом Воскресения. У дев другой атрибут — лук и стрелы, «инструменты» мученической смерти святой. Здание слева является архитектурным мотивом, определенно указывающим на Рим, — это часовня-ротонда Тьемпетто ди Сан-Пьетро, памятник Донато Браманте. Таким образом, можно утверждать, что Лоррен изобразил паломниц отправляющимися в свой последний путь, в Кёльн, где их ждала смерть.

Никола Пуссен (1594–1665) Поклонение золотому тельцу 1633–1634. Холст, масло. 153,4×211,8

Никола Пуссен — французский живописец, основатель стиля «классицизм».

«Поклонение золотому тельцу» было задумано художником как парная картина к «Переходу через Черное море» (1633–1634, Национальная галерея Виктории, Мельбурн). Обе они были написаны для Амадео даль Поццо, кузена Кассиано даль Поццо — главного римского покровителя художника. До 1945 работы висели вместе, пока Национальная галерея не приобрела более позднюю.

Золотой телец — в Ветхом Завете золотой (либо позолоченный) идол быка, поставленный Аароном по требованию народа, обеспокоенного долгим отсутствием Моисея, говорившего с Яхве на Синайской горе. Золотому тельцу поклонялись либо как воплощению самого Бога, либо как культовому животному, служившему своеобразным троном для Бога. Возможно, рассказ о гневе Яхве и низвержении золотого тельца Моисеем отражает реальную борьбу с культом. В новоевропейской культуре золотой телец — символ наживы, власти денег, богатства, алчности.

Как и другие картины Пуссена, «Поклонение золотому тельцу» наполнено множеством персонажей, все они вовлечены в действие, а композиция составляет единое целое. В этом Пуссен был непревзойденным мастером и использовал свои находки в полной мере, воплощая их в разных композициях и контекстах. Обнаруживать такие параллели очень увлекательно. Так, танцующую перед тельцом группу художник заимствовал из более ранней работы — «Вакханалия перед статуей Бахуса» (1632–1633, Национальная галерея, Лондон), обратив ее… на 180 градусов! Неизвестно, думал ли живописец, что зритель этого не заметит, или, наоборот, рассчитывал на его проницательность?

Жан Антуан Ватто (1684–1721) Песня о любви 1715–1718. Холст, масло. 50,8×59,7

Жан Антуан Ватто — французский живописец и рисовальщик, основоположник и крупнейший мастер стиля рококо. С 1712 Ватто стал вхож в Академию живописи и ваяния, основанную в Париже в 1648, но еще долгое время не состоял в ней. Парадоксальность ситуации была в том, что его картины не вписывались ни в какие академические жанры. Художнику пришлось представить еще ряд полотен, пока за «Паломничество на остров Киферу» он наконец в 1717 не был избран полноправным членом.

Круг образов, которые занимали Ватто, был уже необычайно популярен в парижском высшем свете и владел творческими умами: нет почти никакой разницы между, например, сюжетами картин автора и названиями клавесинных пьес Франсуа Куперена («Колокола Киферы» из сюиты XIV, 1722). Основным жанром творчества живописца являлись «галантные празднества»: аристократическое общество, расположившееся на лоне природы, занятое беседой, танцами, музицированием и флиртом. Картина «Песня о любви» — одна из награвированных Ле Басом и включенных в публикацию произведений Ватто, которую друг художника, Жан де Жульенн, издал в 1736. В ней работа была названа «Гамма Любви» и стала очень популярна.

Марсель Пруст так охарактеризовал Ватто: «И любовь, и удовольствия на его полотнах полны грусти. ‹…› он первым изобразил современную любовь — имеется в виду: любовь, в которой беседа, вкус к разного рода жизненным удовольствиям, прогулки, печаль, с какой воспринимается преходящий характер и праздника, и природных явлений, и времени, занимают больше места, чем сами любовные утехи, — то есть, что он изобразил любовь как нечто недостижимое в прекрасном убранстве».

Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) Руджиеро, освобождающий Анжелику 1819–1839. Холст, масло. 47,6×39,4

Жан Огюст Доминик Энгр — французский живописец, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века.

Полотно «Руджиеро, освобождающий Анжелику» — поздняя уменьшенная версия картины, написанной художником для Людовика XVIII в 1818, ныне находящейся в Лувре.

Анжелика — дочь катайского царя в «Неистовом Роланде» — романтической эпической поэме итальянского поэта Ариосто (1474–1533) о войне христиан с сарацинами во времена Карла Великого. В героиню были влюблены несколько рыцарей — христиан и язычников. Среди них помимо героя поэмы Роланда был Руджиеро, один из языческих рыцарей-победителей. Далее сюжет очень похож на тему Персея и Андромеды. Анжелика прикована цепями к скале на морском берегу, на нее готово напасть морское чудовище. Рыцарь, приехав на гиппогрифе (мифологическое животное, наполовину — конь, наполовину — грифон), ослепил монстра волшебным мечом и надел на мизинец Анжелики магическое кольцо, которое будет ее защищать. Руджиеро освобождает девушку от оков, они садятся на крылатое животное и вместе уносятся вдаль.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) Портрет Инесс Муатесье 1856. Холст, масло. 120×92,1

Жан Огюст Энгр прославился как портретист, хотя сам считал портрет низшим жанром в сравнении с исторической живописью. С 1806–1824 он жил в Италии и изучал античное искусство и творчество художников Возрождения.

Когда банкир Сигисберт Муатесье заказал Энгру портрет своей жены, Марии-Клотильды-Инесс, он отказался от работы, но позже, увидев молодую женщину, был покорен ею и взялся за картину. Можно предположить, что Муатесье представлялась ему олицетворением классической красоты. Однако произведение не было закончено сразу: мастер дописал портрет через семь лет.

Судя по всему, создавая этот холст, Энгр вдохновлялся образцами Ренессанса: поза модели очень близка положению богини на римской фреске в Геркулануме. По первоначальному замыслу автор хотел запечатлеть и дочь Инесс, Катерину, но к моменту завершения портрета она повзрослела, и Энгр отказался от неизбежного анахронизма.

Прежде чем был закончен этот, Энгр создал другой портрет Инесс (1861, Национальная галерея искусств, Вашингтон). На нем она изображена в рост и также представлена как идеал античной красоты (но модель пополневшая).

Гюстав Курбе (1819–1877) Девушки на берегу Сены До 1857. Холст, масло. 96,5×130

Жан Дезире Гюстав Курбе — французский живописец, график, скульптор, общественный деятель, один из последних мастеров романтизма, представитель и теоретик реализма.

Картину «Девушки на берегу Сены» большего размера Курбе выставил в 1857 в Салоне в Париже. Сейчас она хранится в собрании, экспонирующемся во французской столице в Малом дворце. Сохранилось довольно много этюдов к ней, и данное лондонское полотно считается одним из них.

Выставленная работа вызвала острую полемику, литератор Т. Готье писал о ней: «"Девушки на берегу Сены" (какое странное название, между прочим) возвращают нас к тому экстравагантному жанру, которому художник обязан своей известностью. Это звучный удар по там-таму общественного мнения, цель которого заставить обернуться невнимательную толпу. Две толстые девицы, для которых была бы слишком велика честь, если бы их назвали лоретками, растянулись на траве на берегу реки, одна животом вниз, другая — на боку, нелепо наряженные в безвкусные туалеты… Из-за дерева, листья которого кажутся вырезанными из зеленой бумаги, виднеется в глубине полотна вода, голубизна которой напоминает скорее Неаполитанский залив, чем Сену. Все это вместе образует довольно фантастический пейзаж, который можно увидеть в провинциальных трактирах. Что касается девицы, лежащей на животе, то, если бы она захотела встать, снять одежды на берегу и окунуть в воду кончик ноги, как античная нимфа, она не произвела бы того впечатления рельефности, как Венера на выставке в Мон-Плезир. Никакие формы не выступают под платьем. Г-н Курбе все израсходовал за один раз. И все же есть в этой нарочито гротесковой картине великолепные по цвету куски, настоящее чудо, как вышитая шаль. На вульгарном лице второй спящей чувствуется биение жизни и легкая испарина сна. Руки, шея, щека первой девицы очень верны по тону, они так тонко и крепко написаны, что редко можно встретить у других».

Эдуард Мане (1832–1883) Музыка в Тюильри 1862. Холст, масло. 76,2×118,1

Эдуард Мане — французский художник, один из родоначальников импрессионизма.

Сад Тюильри в самом центре Парижа — излюбленное место отдыха горожан в XIX веке. Десятки, сотни свидетельств этому содержатся в произведениях литературы, живописи и музыки. Как Садовое кольцо в Москве когда-то действительно являлось садовым, так и Тюильри был садом (сейчас это скорее сквер). Можно понять, почему это место было столь привлекательным, особенно для прогулок с детьми, которые у Мане изображены на переднем плане. Вспоминается пьеса М. Мусоргского «Тюильрийский сад» («Ссора детей после игры») из цикла «Картинки с выставки», возможно, лучший музыкальный образ Тюильри. Художник в названии картины прямо указывает на то, что в нем звучит музыка: видимое воодушевление толпы — ее следствие. Среди персонажей Мане изобразил себя и свое семейство, а также Ш. Бодлера, Т. Готье, Ж. Оффенбаха.

Это произведение — первая большая работа художника, отображающая современную городскую жизнь. Он купался в этой атмосфере, делал зарисовки, уже вынашивая план большого полотна, показывал их друзьям, встречая одобрение и восторги. Наконец оно было написано. И каков эффект? Салон его отверг. Даже друзья не поняли, что же хотел изобразить художник. На защиту встал молодой Эмиль Золя. Он заявил, что «когда-нибудь поймут, наконец, какое место Эдуард Мане занимает в той переходной эпохе, которую переживает сейчас французская школа живописи. Он останется в ней как характерное и наиболее индивидуальное явление». Позже Золя напишет роман «Творчество», прототипом героя которого станет Мане.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Зонтики 1881–1886. Холст, масло. 180,3×114,9

Пьер Огюст Ренуар — французский живописец, график и скульптор, один из представителей импрессионизма.

…Шумная многолюдная парижская улица. Дождь. Множество зонтиков. Оригинальная мысль: передать суету, сутолоку и, как всегда у Ренуара, французские и даже чисто парижские очарование и шарм (мастер далек от психологизма) через скопление и толкотню… зонтиков. Художника занимает идея запечатлеть краткий миг, сиюминутное событие. Для этого, кажется, ничего не нужно — ни выстраивать сцену, ни заботиться о действиях и взаимодействиях персонажей. Нужно лишь ухватить момент. Картина воплощает идеал устремлений двух искусств — живописи и фотографии: от первой — одухотворенность восприятия, от последней — «моментальность» (художник даже отсекает фигуры по краям, как бывает на фотоснимках).

Но при всей «моментальности» события само полотно было написано не одномоментно (судя по дате создания). Ренуар обращался к нему дважды на протяжении своей карьеры. Начал его, будучи «чистым» импрессионистом, но вскоре стал испытывать разочарование в этом стиле. На живописца оказало сильное влияние впечатление от путешествия в Италию, в результате чего он обратился к более старым художественным методам, в частности к искусству Ж. О. Энгра, в картинах появился отчетливый контур фигур. Вернувшись через несколько лет к этой работе, Ренуар переписал фигуру слева.

Быстрые перемены, происходившие во французской моде, позволили исследователям датировать картину — второе обращение мастера к ней произошло в 1886.

Камиль Жакоб Писсарро (1830–1903) Кот-де-Бёф близ Понтуаза 1877. Холст, масло. 114,9×87,6

Камиль Жакоб Писсарро — французский живописец, один из первых представителей импрессионизма.

На данной картине изображен склон холма в окрестностях так называемого Эрмитажа, который примыкает к Понтуазу. Писсарро жил в этих местах большую часть времени — в период с 1866 по 1883. Здесь он познакомился и близко сошелся с П. Сезанном, оказав на него заметное влияние. Тесные отношения сложились с П. Гогеном, который несколько лет был его учеником.

Художник замечательно передал меланхолическое настроение осени: деревья стоят уже почти голые, трава пожухла, нет признаков человеческой деятельности. Лето прошло…

Мастер писал свои картины в мягкой сдержанной гамме. В отличие от большинства импрессионистов он тяготел к законченному и ясному построению композиции, большей пластической определенности форм.

В год создания работа была представлена на выставке в Париже, которая теперь известна как Третья выставка импрессионистов. Живописец очень гордился этим произведением, и оно оставалось во владении его семьи до 1913.

Клод Оскар Моне (1840–1926) Вокзал Сен-Лазар 1877. Холст, масло. 54,3×73,6

Клод Моне — выдающийся французский живописец, главная фигура импрессионизма.

Возвратившись из Лондона, куда Моне вынужден был уехать после трагических событий Франко-прусской войны 1870–1871, он обосновался под Парижем, на берегу Сены. В январе 1877 художник вернулся в небольшую квартиру и студию поблизости от вокзала в Сен-Лазаре. Неожиданным образом темой нескольких картин стал этот индустриальный район. На Четвертой выставке импрессионистов, которая открылась в Париже в апреле того же года, он представил семь работ на тему… железнодорожной станции.

Казалось, что может быть общего между импрессионизмом и паровозами на вокзале? Оказывается (Моне показал это чудесным образом), самые что ни на есть прозаические вещи могут заключать в себе удивительную поэзию. Следовательно, все зависит не от объекта изображения, а от субъекта, пишущего его, не от того, что выбирается для изображения, а от того, кто на это смотрит и как это воплощает. Примечательно, что почти в это же время другой великий творец — Ж. Бизе — писал оперу «Кармен», местом действия которой оказалась… табачная фабрика.

Нужно признать, что паровозы на этих картинах Моне выглядят не как монстры, а, можно сказать, грациозно, хотя всех в то время захватывало ощущение силы, мощи и скорости этих исполинских машин. Неслучайно одно из ранних произведений — картина У. Тернера «Дождь, пар и скорость» (см. стр. 22) — было также вдохновлено этим образом и кругом мыслей. Тем не менее как во времена Тернера, так и при Моне общество считало, что данная тема далека от искусства. Зритель по прошествии полутора столетий, вероятно, в большей степени в состоянии оценить их художественную ценность, чем современники мастера.

Жорж Сёра (1859–1891) Купание в Аньере 1884. Холст, масло. 201×301

Жорж Сёра — французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель метода живописи, получившего название «дивизионизм» или «пуантилизм».

Сёра во многом оказался чужд течению импрессионизма. Никому из импрессионистов не пришло бы в голову «дорабатывать» картину, написанную на пленэре, в мастерской. Все их достижения заключаются в способности поймать и передать само состояние природы — ее воздуха, освещения, неуловимых перемен от воздействия атмосферы. Сёра работает не так. Притом что он писал множество этюдов на пленэре (так было и при создании этого холста), мастер «прогонял» их через критический отбор в студии. В большей степени, чем у любого другого художника его времени, у Сёра чувство подчинено рассудку. В сущности, иначе и не могло быть при избранном им техническом методе пуантилизма. Волшебное впечатление от картин, созерцаемых на известном расстоянии, только с которого отдельные мазки чистых красок соединяются в тончайшую гамму оттенков (суть пуантилизма именно в этой иллюзии), не могло быть создано по наитию. У живописца имелась своя концепция сочетания отдельных чистых тонов. Рассматривая произведение близко, можно понять, как из отдельных мазков слагается волшебный образ.

Винсент ван Гог (1853–1890) Подсолнухи 1888. Холст, масло. 92,1×73

Винсент Ван Гог — выдающийся нидерландский художник-постимпрессионист.

Подсолнухи имели для мастера особое значение. Он написал два цикла картин с ними: парижский (1887, две картины с лежащими цветами) и арльский (1888, четыре работы с цветами в графине). Затем живописец сделал несколько вариантов этих произведений. Все они до сих пор вызывают дискуссию в кругах искусствоведов и стали своего рода «брендом». «Подсолнухи» Ван Гога имеют такое же значение в его творчестве, как «Джоконда» для Леонардо, «Сикстинская Мадонна» для Рафаэля, «Черный квадрат» для Малевича. Эти полотна в определенном смысле являются «синонимами» художников.

Арльский цикл, в который входит лондонская картина, предназначался для украшения комнаты друга живописца, Поля Гогена, в так называемом Желтом доме в Арле, на юге Франции, которую Ван Гог арендовал. Оба художника творили там вместе в октябре — декабре 1888.

В работе над циклами Ван Гог применил особую технику письма — импасто. Ее суть в том, что краски наносятся очень густым слоем и применяются не только традиционные кисти, но еще и нож. Так создавалась особая шероховатая поверхность, рельефный рисунок.

«Подсолнухи» не раз копировали (подделывали), зачастую преуспевая в техническом отношении, но никогда — в «личностном».

Эдгар Дега (1834–1917) Расчесывание волос Около 1896. Холст, масло. 114,3×146,7

Эдгар Дега — французский живописец, один из видных представителей импрессионизма. Произведения Дега невозможно спутать ни с чьими другими. Это следствие не только манеры письма, но, быть может, в первую очередь совершенно необычного круга тем художника, во всяком случае, зрелого периода творчества.

Данная картина относится к позднему периоду, она основана на нескольких этюдах и одной более ранней пастели. С точки зрения живописи полотно очень смелое, поскольку Дега задался целью создать его в одной цветовой гамме. Своеобразная трактовка сюжета и монохромность письма являются характерной особенностью почерка мастера этого времени.

Возвратившись во Францию после поездки в Америку, Дега начал посещать танцевальные классы, проявляя интерес к закулисной жизни балерин. Появилось множество работ на тему их репетиций, профессиональных привычек, нравов и быта. Все это «звучало» абсолютно по-новому в сравнении с представлениями о «парадной» стороне профессии (у живописца есть и такие картины). И хотя представленный холст, сюжет которого повторяется у Дега не раз, не относится к жизни именно балетных артисток, он свидетельствует об увлечениях художника. Его волновала женщина всецело — ее настроение, действия, поступки. Об этом говорил сам мастер.

Поскольку Дега изображал своих моделей, ничуть не приукрашивая их, если не сказать, демонстрируя в видах, которых сами они постарались бы избежать (живописца в гримерных балерин принимали как совершенно своего человека и не обращали на него никакого внимания, он никого не смущал), бытовало мнение, что он был женоненавистником. Художник не был женат и не имел детей, но к женщинам относился с благоговением.

Картина «Расчесывание волос» некоторое время принадлежала Матиссу.

Поль Сезанн (1839–1906) Большие купальщицы Около 1894–1905. Холст, масло. 127,×196,1

Поль Сезанн — французский живописец, представитель постимпрессионизма, который в натюрмортах, пейзажах и портретах стремился с помощью градаций чистого цвета, устойчивых композиционных построений выявить неизменные качества предметного мира, его пластическое богатство, логику структуры, величие природы и органическое единство ее форм.

Сезанн выработал свою систему единообразных прямоугольных мазков, спускающихся по диагонали полотна (обычно от верхнего правого угла к нижнему левому) и покрывающих весь холст. Он менял направление мазка не только в разных работах, но и на разных участках одной картины, при этом всегда строго следил за тем, чтобы внутри каждого участка мазки сохраняли одинаковую форму и ложились строго параллельно. Такая техника придает его живописи сходство с тканой или даже ковровой поверхностью и ощущение ритмического движения.

Идеей, занимавшей Сезанна в конце жизни, было написать большое полотно с обнаженными фигурами купальщиц. К ее воплощению художник шел долго и создал ряд картин на эту тему. Одну из версий приобрел П. Пикассо, А. Матисс тоже имел этюд. Посылая его в дар парижскому музею Пти-пале, он написал: «Этот холст был моей собственностью на протяжении тридцати семи лет. Он поддерживал меня в критические моменты моего творческого пути, я черпал в нем мою веру и стойкость».

Среди множества этюдов и эскизов выделяются три большие работы, относящиеся к последним годам жизни художника. Это данная картина, а также «Большие купальщицы» из Художественного музея в Филадельфии и произведение под таким же названием, принадлежащее фонду Барнса в Марионе в США. Один из крупнейших исследователей творчества Сезанна Т. Рефф резюмирует значение упомянутых полотен: «В гораздо большей степени, чем его последователи, Сезанн со своими поздними "Купальщицами" стоит на переломе европейского искусства, ностальгически оглядываясь на старую традицию и предсказывая новую».

СЛЕДУЮЩИМ ТОМ:

Музей д'Орсе представляет одно из интереснейших собраний изобразительного и прикладного искусства, крупнейшую в мире коллекцию французской живописи и скульптуры, охватывающую сразу несколько направлений: от неоклассицизма и романтизма до импрессионизма, экспрессионизма и стиля модерн (ар-нуво). В экспозиции музея — знаменитые полотна Мане, Энгра, Делакруа, Моне, Дега, Гогена, Тулуз-Лотрека, Ван Гога и других.

Загрузка...