Национальная галерея Австралии

Австралийское искусство XIX века

Джон Уэббер родился в Лондоне, образование получил в Швейцарии, живописи учился в Париже, после чего состоял официальным художником в экспедиции, отправленной в кругосветное плавание под командованием легендарного капитана Джеймса Кука. В этом путешествии мастер не только сделал массу зарисовок и картин, но и участвовал в вооруженных столкновениях, а когда капитан Кук погиб на Гавайских островах, именно Уэббер оказался первым европейцем, вступившим в контакт с аборигенами.

Вернувшись в Англию, художник выставил в залах Королевской академии более 50 своих работ и вскоре был избран членом Королевской академии наук и искусств. Большинство картин мастера — это пейзажи, но есть и портреты, в том числе тех, кого он повстречал в этом долгом и опасном плавании.

«Портрет Поедуа, дочери Орио, короля Улиете, острова общества Таити» живописец создал за три дня. В это время беременная женщина, ее муж и брат находились в заложниках у капитана Кука, который заставлял таким образом ее отца, короля острова, выдать британцам двух их дезертировавших моряков.

Холст имеет историческую и художественную ценность и является образцом колониального искусства Англии.

Художника Джона Гловера, выходца из Англии, прославили австралийские пейзажи. Поклонник классических произведений, он много путешествовал по Италии, и многочисленные альбомы с зарисовками и эскизами послужили ему подспорьем для сюжетов будущих картин. Так, в 1830, переехав жить в Тасманию (ранее называвшуюся Землей Ван Димена), он создал серию работ, в которых отразил свое романтическое представление об этой местности. Практически во всех его австралийских пейзажах прослеживается влияние классических итальянских полотен.

«Дом господина Робинсона на Деруэнте. Земля Ван Димена» — одна из лучших картин Гловера, самое раннее и прекрасное изображение загородного особняка. К голубому безоблачному небу тянутся огромные эвкалипты, прикрывая своими кронами от палящего солнца пойменный луг. На нем отдыхает стадо тучных коров, вдалеке бежит речка, на ее противоположном берегу вздымается гора. На фоне всего этого великолепия на соседнем холме представлен уютный двухэтажный особняк. Оттуда словно струится солнечный свет, который, спускаясь к серебристой реке, блестит на траве и листьях. Природа будто пропитана влагой и теплом и сонно застыла в блаженном умиротворении. Сцена напоминает классическое изображение Аркадии — мифической страны счастья, где нет тьмы и холодов, все люди бессмертны, а вокруг Килленской горы на пышных лугах в избытке пасется скот. Так художник показывает, что очарован новым краем, в котором не бывает суровых зим, обширные поля и густые леса еще, собственно, не тронуты человеком и сохраняют девственную красоту.

После того как трое сыновей Гловера переехали работать в Тасманию, он тоже купил на этой благодатной земле ферму и вместе с женой покинул Англию. Однако его австралийские пейзажи особенно восторженно были приняты в Лондоне, жители туманного Альбиона завороженно рассматривали виды далекой, заморской страны, мечтая счастливо жить, как аркадцы, в благоденствии на лоне пышной природы.

Художник Джон Гловер родился в Великобритании в графстве Лестершир, но историки искусства считают его «отцом» австралийской пейзажной живописи. Будучи известным мастером и признанным галеристом Лондона, он вслед за сыновьями покинул Англию и перебрался жить в австралийский штат Тасманию. На новом континенте уже разразился колониальный бум. Англичане с большим интересом наблюдали первобытную жизнь аборигенов, которой пока еще не коснулись индустриальные достижения и новшества Европы. Гловер зарисовывал коренных обитателей Австралии и ее удивительные пейзажи, находя природу материка девственно-прекрасной. Художник идеализировал и мифологизировал эту землю, сравнивая ее с древнегреческой Элладой. Так родилось полотно «Купальня Дианы. Земля Ван Димена».

Картина выполнена в стиле классицизма: витиеватые раскидистые деревья, зеленый травяной ковер, покрывающий крутые скалистые склоны, которые окружают тихую прозрачную реку. Красивое таинственное место словно специально создано для того, чтобы богиня охоты Диана могла с наслаждением искупаться. Казалось бы, сюжет романтический, но в нем присутствует реалистический мотив. На одном берегу можно разглядеть группу обнаженных аборигенов, наблюдающих, как один из их соплеменников плавает, а второй только заходит в воду. На противоположном берегу третий коренной житель континента восторженно потрясает копьем, а за его спиной, подняв хвост, стоит собака. Мастер дает понять, что примитивная жизнь аборигенов до появления на их земле европейцев была идиллической, счастливой и отнюдь не лишенной гармонии и романтики. Живопись Гловера занимает особое место в австралийском колониальном искусстве.

Конрад Мартенс родился в Лондоне в религиозной семье. Его отец, немец по происхождению, изначально был купцом в Гамбурге, но позже его назначили австрийским консулом в столицу Великобритании, там он женился на англичанке. По истечении срока службы Мартенсы остались жить в Лондоне. Трое их старших сыновей стали художниками, неудивительно, что и Конрад получил профессиональное образование в пейзажной мастерской. После смерти отца семья переехала в Девоншир, там Мартенсы продолжали заниматься живописью.

В 31 год Мартенс принял приглашение от капитана королевского судна, собиравшегося в кругосветку, заменить приболевшего корабельного художника. За трехлетнее плавание он побывал в Индии, Латинской Америке, Патагонии и на Огненной Земле. Мастер являлся членом экспедиции Чарльза Дарвина и зарисовывал животных, а также составлял для офицеров топографические карты местности. К концу путешествия он оказался на земле Австралии и Новой Зеландии. Вскоре Океания стала Мартенсу домом. Он купил особняк в Сиднее, женился на уроженке Австралии и обзавелся детьми. Пейзажи мастера стали иметь стабильный успех у зрителя только в его зрелые годы. С приходом старости художник был вынужден оставить живопись, поначалу он занимал должность библиотекаря, потом писал труды по юриспруденции и астрономии. Его полотна можно увидеть в галерее Диксон публичной библиотеки штата Новый Южный Уэльс, в Национальной галерее искусств Виктории и во многих известных частных коллекциях.

«Вид с берега Роз» — один из самых красивых пейзажей Мартенса, в котором наиболее полно прослеживается влияние итальянских мастеров. Поначалу живописец пытался правдиво отобразить вид из колониального особняка на Вуллумулу Хилл, который когда-то утопал в розах. Но в тот период в Сиднее уже вовсю кипела стройка. Появление в стране золотодобывающих шахт резко изменило облик городов, стали быстро появляться банки, офисы и лавки. Мартенсу пришлось фальсифицировать уже изменившийся, некогда прекрасный вид, восстановив его детали по памяти. Поэтому данная картина в большей степени представляет собой прекрасный итальянизированный пейзаж, чем вид на столицу, хотя в ней сохранены некоторые реальные топографические объекты.

Джон Уилсон Кармайкл родился в Северо-Восточной Англии в городе Ньюкасл. С раннего возраста родители заметили способности сына к живописи, и он стал обучаться ей у разных художников. Больше всего мальчик любил рисовать морские пейзажи и вскоре добился в этом значительных успехов. В 38 лет Кармайкл стал известным по всей стране, он участвовал в конкурсе картин, который проводило Королевское общество британских художников, и несколько его полотен были выкуплены Королевской академией искусств. Мастер создал множество произведений на морскую тему. Из родного города он переехал жить в Лондон, а в 45 лет был назначен официальным художником Королевского флота. Помимо прочего живописец участвовал в боях на борту кораблей английского флота во время Русско-турецкой войны 1853–1856.

В 1834 британское судно «Чарльз Итон» возвращалось из Австралии и разбилось в Торресовом проливе возле острова Новая Гвинея. Поначалу считалось, что весь экипаж погиб, но спустя два года стало известно, что с корабля сумели спастись юный сын капитана — Уильям Д'Уали и юнга — Джон Айрлэнд. Они были обнаружены на Торресовых островах, где находились в рабстве. Из Лондона на помощь молодым англичанам тут же отправилась экспедиция.

Кармайкл никогда не был ни в Торресовом проливе, ни на островах Новой Гвинеи, но, тем не менее, написал картину, которая на многие годы во Франции стала символом триумфа в бедственной ситуации.

«Спасение Уильяма Д'Уали» представляет собой тропический пейзаж золотистого цвета, центральную часть которого занимают две плывущие одна за другой шлюпки, переполненные воинственными людьми. Они направляются в сторону берега, в то время как два парусника, откуда, очевидно, и спустили их, застыли на зеркальной глади спокойного моря. Туманное розово-голубое небо, мерцающая золотисто-зеленая вода, экзотическая растительность и горы, а также сам сюжет холста очаровали британскую общественность XIX века.

Абрахам Соломон — один из немногих художников еврейского происхождения, который был награжден серебряной медалью Британского общества искусств. Его, как и всех небогатых англичан, стремившихся изменить собственное финансовое положение, интересовала возможность эмиграции в колонии своего государства. Еще с начала 1800-х правительство Соединенного Королевства всячески поощряло отъезд граждан на заработки в Австралию. Для большинства людей это была вынужденная мера: уезжала, как правило, молодежь, желавшая добиться успеха, а их престарелые родители оставались на родине в одиночестве. Подобный сюжет в литературе и живописи Европы тех лет имел не только политический, но и сентиментально-драматичный аспект. Соломон создал несколько полотен, где показал англичан, путешествующих первым и вторым классом.

На данной картине мастер изобразил вагон поезда второго класса, в котором мать и сестра провожают молодого человека. Он отправляется в далекий путь — об этом свидетельствуют многочисленные котомки, брошенные рядом на лавках, а также рекламные и пропагандистские плакаты и афиши на стене вагона, сообщающие о наборе шахтеров на рудники Австралии и рабочих в порт Сиднея. Сестра, сняв шляпку и не отрывая взгляда от брата, прижимает к лицу платок, а мать с нежностью обнимает сына, совсем еще мальчика, который через несколько часов должен отправиться за океан на поиски лучшей жизни. Вернется ли он на родину? Увидят ли его еще родные? Драматичный момент в жизни семьи интересует и их случайных попутчиков — кавалера и его даму, которая, испытывая смущение, отводит глаза в сторону.

Это произведение Соломона должно было задеть за душу каждого британца среднего класса, но на тот момент, когда художник закончил картину, в Австралии обнаружили золото, и эмиграция на новый континент стала носить не вынужденный, а лихорадочно-алчный характер. К тому же транспортировка неимущих граждан за счет государства практически прекратилась, и туда отправлялись только авантюристы-золотоискатели. Ныне данное полотно относится к жанру живописи Англии и Австралии, представляющему жизнь свободных переселенцев и эмигрантов, ищущих счастья вдали от родины.

Луис Бювело был известным европейским и австралийским живописцем. Одинаково умело работавший как с масляными красками, так и с акварелью, он предпочитал писать пейзажи и почти никогда не создавал портретов. В его работах всегда можно увидеть эффекты света, топографическую точность и почувствовать атмосферу небольшого сельского поселения. Многие картины мастера критики сравнивают с произведениями французской барбизонской школы, хотя прямых контактов у Бювело, долгое время проживавшего в Париже, с барбизонцами не было. Страсть к изображению небольших пасторальных сцен в реалистичной местности он привез в Австралию из Швейцарии, откуда был родом. В своем творчестве художник старался избегать литературной сюжетности или романтических настроений, но сумел добиться ощущения простой поэзии тихих неприметных уголков.

Усадьба «Гора Фаянс» — реальная ферма в Западной Австралии, принадлежавшая братьям Каммингам, эмигрировавшим из Шотландии. На плоской вершине холма, между высокими деревьями, в окружении сочных зеленых лугов с овцами и коровами, видны несколько домиков. Большую часть полотна занимает голубое бескрайнее небо с легкими облаками. Оно рождает ощущение влажной свежести, которое подчеркивается серебристым водоемом, располагающимся в центре композиции. Высокие камыши, занимающие левый первый план, и пасущийся вдали скот создают атмосферу правдивости изображаемого места.

Работы Луиса Бювело наиболее полно и точно отражают реальность жизни австралийцев XIX века. Некогда покинувшие Европу в поисках лучшей жизни, они селились в пустынных уголках страны и превращали их в сады и процветающие фермы. Вскоре все это коренным образом поменяло облик находящейся на задворках Австралии, сделав ее государством с богатой культурой. Ее составляют как оригинальные, удивительные произведения аборигенов, так и шедевры, корни которых — в традициях всех мировых религий и многовековой истории европейского искусства.

Луис Бювело родился в швейцарском Морже в семье почтового служащего. Юноша учился в рисовальных школах в Лозанне и Париже. Он сразу же зарекомендовал себя мастером пейзажной живописи, которую создавал в духе барбизонцев, однако серьезного дохода семье продажа картин не приносила. В начале 1840 Бювело эмигрировал в Бразилию, у его дяди в штате Байя находилась плантация кофе. Но очень скоро художник оставил занятия сельским хозяйством и переехал в Рио-де-Жанейро, где обзавелся семьей. Спустя десять лет он вернулся в Швейцарию и представил на выставке в Берне свои новые произведения, за которые получил сразу несколько серебряных медалей.

Будучи на родине именитым мастером, 50-летний Бювело эмигрировал в Австралию, желая поправить здоровье в теплом океаническом климате. В Мельбурне никому не известный живописец работал фотографом, через пять лет Национальная галерея Виктории выкупила у него две картины, после этого творец стал известным человеком. Бювело пригласили работать в комитет при ней. Местные мастера прислушивались к мнению англичанина и даже подражали ему. В дальнейшем именно Бювело заложил фундамент реалистической пейзажной живописи в Австралии.

Картина «Сарай для стрижки овец в усадьбе „Гора Фаянс“ (близ Кампеду)» отличается тонкими тональными отношениями. Темно-бурая земля и черные камни на первом плане постепенно переходят в зеленовато-коричневые рыхлые склоны, на плоской вершине которых простирается травяной ковер. Он в свою очередь заканчивается светлой прозрачной гладью озера, отделяемого от горизонта тонкой темной полосой далекого кустарника. Бледное голубовато-розовое небо с легкими облаками золотится в предвечернем солнце, что придает всему произведению лирическое звучание. Отара овец и пастухи на лошадях вносят определенную ноту патриархальности в удивительную красоту этой скудной природы.

Эмма-Минни Беккет, в замужестве Бойд, родилась в городе Колинвуд, Новая Зеландия, в обеспеченной семье и с детства увлекалась рисованием. В 1960-х Беккеты приобрели имение неподалеку от города Бервик и навсегда переехали в Австралию. После окончания женской гимназии девушка стала успешно заниматься в школе дизайна при Национальной галерее Виктории, в Мельбурне. Туда Эмму-Минни отправил отец, восхищавшийся ее способностями. Она была мастером морских пейзажей, и их охотно покупали любители живописи.

В 28 лет девушка вышла замуж за приехавшего в Австралию художника Артура Бойда. Они стали работать сообща и вскоре отправились в Англию, чтобы получить образование в Королевской академии в Лондоне. После пара посетила Париж, где продолжила знакомство с европейским искусством. Вернувшись в Австралию, супруги обзавелись тремя детьми, которые впоследствии продолжили династию живописцев. Домашние хлопоты забирали у женщины много времени и сил, но она все-таки периодически участвовала в групповых выставках мельбурнских и сиднейских художников, и профессиональная критика всегда квалифицировала работы Эммы-Минни выше творений ее мужа.

Картину «Охотник на перепелов» мастер создала еще до знакомства с Артуром, прогуливаясь в имении отца, а затем в студии, закончив ее по эскизам. Она написана в серебристо-голубых, коричневых холодных тонах и представляет собой осенний пейзаж с полем и редким лесом на горизонте. На первом плане видны низкорослые кустарники с уже облетевшими листьями и высокие сухие травы на фоне темно-синего мрачного, облачного неба. Вдали — одинокая фигура охотника, которая вовсе не доминирует над местностью, а, скорее, наоборот, является обычной частью этой бескрайней аскетичной природы.

Бойд была одной из самых влиятельных женщин-художниц Австралии конца XIX века, ее работы оказали огромное влияние на развитие изобразительного искусства страны.

На этой картине знаменитого австралийского художника Фредерика Маккаббина изображена лесистая местность глубокой осенью, когда травы и листья уже пожелтели, а небо все чаще закрывают хмурые тучи. Мастер тщательно выписал кору и ветки тонких эвкалиптов и других молодых деревьев, представленных на первом плане. Замечательно передана атмосфера унылой, влажной, но теплой австралийской осени. Художник специально использовал узкий холст, чтобы не изображать лес широким и дремучим, каким он может показаться в сумраке, и минимизировать небо. Этим Маккаббин пытался добиться натуралистичности сюжета и передать игру света и тени.

Пейзаж был показан на первой ежегодной выставке Ассоциации австралийских художников в Галереях Бакстона в Мельбурне. Картина была высоко оценена профессиональной критикой и зрителями, а через три года живописец получил всеобщее признание соотечественников.

Том Уильям Робертс родился в английском городке Дорчестер, там же получил начальное образование, а после смерти отца с семьей эмигрировал в Австралию. В одном из пригородов Мельбурна уже проживали родственники молодого человека, и ему пришлось помогать им в бизнесе. Позже страстно желавший стать художником юноша стал обучаться живописи у одного из известных швейцарских творцов, также переехавшего в Австралию. Затем он начал ходить на вечерние занятия в школу при Национальной галерее и посещать лекции по анатомии в Мельбурнской больнице и Университете Мельбурна. В 24 года Робертс уже был членом Викторианской академии искусств. Он обзавелся собственной мастерской и лавкой по изготовлению багета для картин. Образование признанный в Австралии живописец закончил в Лондоне, в Королевской академии художеств.

Основной жанр произведений творца — сельские пейзажи, также он отличался любовью к миниатюрам, но есть и огромные полотна, одиночные и групповые портреты, в том числе созданные по государственному заказу. В юности художник испытывал влияние импрессионизма, однако главным направлением его работ остался реализм.

Данная картина наглядно демонстрирует не только любовь автора к теме искусства, но и мастерство передачи фактуры вещей. Основное место в ней занимает почти законченный скульптором барельеф, выполненный на мифологическую тему. Робертс достоверно передал не только серый гранит, из которого он изготовлен, но и складки на одеждах античных персонажей, а также тяжелую ткань драпировки, спадающей снизу, различные бытовые предметы, такие как корыто, валяющиеся обломки гранита. На фоне барельефа стоит сам ваятель, представленный со спины, и рассматривает свою работу. Справа изображена сидящая на возвышении обнаженная женщина — модель. Зритель видит ее вытянутые руки и ноги, а по тому, как устало она склонила голову, понимает, что натурщица давно находится в мастерской и ее уже утомила собственная неподвижность.

Том Робертс по праву считается и английским, и австралийским художником. В годы Первой мировой войны он работал в Великобритании, помогал в одном из госпиталей Лондона. Семья живописца жила в Мельбурне, там он скончался после войны.

Фредерик Маккаббин родился в Мельбурне в семье пекаря. И хотя его детство и юность были связаны с хлебной лавкой, молодой человек всю жизнь мечтал посвятить себя юриспруденции и некоторое время подрабатывал помощником адвоката. В 15-летнем возрасте он стал посещать вечерние занятия живописью и вскоре устроился учеником в художественную мастерскую, занимавшуюся росписью экипажей. В 17 лет Маккаббин поступил в школу дизайна при Национальной галерее Виктории, слушал лекции в Академии искусств Виктории, а также участвовал в ежегодных выставках, на одной из которых ему удалось продать свою первую картину. Это окрылило юношу, он всерьез задумался о карьере художника. Спустя пять лет умер его отец, и молодому человеку пришлось взять ответственность за семейное дело. Однако он продолжил обучаться живописи, поражая педагогов талантом. Позже Маккаббин получил место преподавателя в Школе дизайна Национальной галереи Виктории и стал одним из основателей Ассоциации австралийских художников. Спустя несколько лет после того, как Ассоциация и Академия искусств Виктории объединились, образовав Общество художников Виктории, живописец был избран его президентом.

Данное полотно относится к произведениям, написанным мастером с натуры в доме, где прошло его детство, и старой пекарне. На первом плане картины представлен закрытый черный вход в небольшое помещение, справа, в глубине двора, перед освещенным прилавком, на скамейке сидит девочка. Несмотря на то что стены пекарни обшарпаны, а доски старого забора кое-где подгнили, за дверным стеклом видна белая занавеска. На ребенке, предположительно, помогающем здесь, — тоже белый передник. Общий унылый фон стен, булыжной мостовой и мрачного неба контрастирует с зеленой веткой дерева у крыши. Какой бы ни была ненастной погода на улице, там, где выпекается и продается хлеб, всегда светло и уютно.

Маккаббин — один из тех чутких художников, кто внимательно наблюдал за повседневной жизнью и мастерски отображал ее, противопоставляя тональную смесь серых оттенков будней теплым светлым областям, связанным с деятельностью человека.

Чарльз Кондер родился в Тоттенхэме, северном районе Лондона. Его отец — инженер-строитель — получил работу в Индии, и будущий художник до 13 лет прожил в этой южной колониальной стране. После смерти матери подростка отправили обратно в Англию, где следующие два года он проучился в школе-пансионе. Когда юноше исполнилось 15 лет, отец решил самостоятельно обучать его инженерному делу, но большого успеха Кондеры в этом не добились. В 17 лет молодой человек эмигрировал в Австралию, дядя его жил в штате Новый Южный Уэльс и работал землемером. Чарльз с неохотой помогал родственнику, а все свободное время рисовал. В конце концов он нашел работу художником в одной из местных газет и оставил все занятия землей и строительством. Постепенно Кондер познакомился со многими живописцами Мельбурна и Сиднея, а также со всеми злачными местами этих городов. Приятели, случайные художники-гастролеры — носители новых европейских веяний и местные именитые творцы с консервативными традициями на много лет вперед определили его оригинальный язык, а разгульная жизнь сказалась на самочувствии Кондера. Он снимал мастерские со многими молодыми и известными живописцами, участвовал в различных выставках. В 1890 творец уехал в Европу, где провел остаток жизни. Он побывал во Франции, в Париже познакомился с Анри Тулуз-Лотреком, но его здоровье было окончательно подорвано алкоголем и венерическими заболеваниями. И хотя за несколько лет до смерти Кондер женился в Лондоне на одной богатой вдове, он скончался в санатории для психически больных, страдая от белой горячки и последствий прогрессивного паралича, вызванного сифилисом мозга.

«Горячий ветер» — одна из самых известных аллегорических картин Кондера. Обесцвеченная, мерцающая тональность пейзажа, отображающего австралийскую пустыню, подчеркивает беспечную обреченность рыжеволосой красавицы, лежащей прямо на горячем песке. Сухой ветер раздувает в своеобразном мангале огонь, а по песку, словно вторя развевающимся на ветру рыжим волосам, извиваясь, ползет змея. Занятая жаровней девушка не замечает приближающейся кончины, и от этого создается эффект неотвратимости смерти и пустоты человеческого бытия.

Психологичная и символистическая живопись Чарльза Кондера является национальным достоянием и Австралии, и Великобритании. Произведения мастера повлияли на творчество таких выдающихся живописцев, как Камиль Писсарро и Эдгар Дега.

Артур Эрнест Стритон является одним из крупнейших представителей реалистического течения в австралийской живописи конца XIX века. Художник родился в пригороде Мельбурна в семье учителей. Подростком он подрабатывал в конторе, занимавшейся импортом алкогольных напитков. С 15 лет юноша начал посещать вечерние занятия в школе дизайна при Национальной галерее Виктории, где одним из его учителей был знаменитый художник Фредерик Маккаббин, однако молодой человек так и не получил профессионального образования. После того как Стритон устроился на работу литографом, он стал самостоятельно заниматься живописью. В этом ему помогал все тот же Маккаббин, благодаря мастеру юноша принял участие в одной из выставок Общества художников Виктории. У него купили две картины, одна из них впоследствии даже экспонировалась в Королевской академии художеств в Лондоне, а затем была отмечена на парижском Салоне. После этого Стритон смог заниматься только творчеством и переехал жить в Сидней. В дальнейшем в разных городах Австралии у него проходили персональные выставки, мастер получил возможность путешествовать и побывал в Лондоне, Каире, Неаполе и Венеции. Несмотря на то что он имел множество заказов и был известен не только на родине, но и в лондонских художественных кругах, в 1915 Стритон записался в австралийские медицинские войска и два года отслужил военным живописцем. Незадолго до смерти он был возведен в рыцарское достоинство.

На картине «Золотое лето. Иглмон» зритель видит бескрайнее поле, залитое солнечным светом. Справа заметны длинные тени от не вошедших в композицию деревьев, в этой части маленький пастух в белой рубашке и красной шапочке пасет стадо овец, которое, видимо, возвращается на виднеющуюся вдали ферму. И хотя небо еще беспечноголубое с небольшими прозрачными облаками, земля у линии горизонта уже окрашена в темно-синие тона, что свидетельствует о стремительном наступлении сумерек. Эта светлая, мажорная по духу работа наполнена чувством благополучия и процветания и до сих пор признается ценителями искусства одним из самых эпических и одновременно поэтических живописных шедевров Австралии.

Томми МакРей — один самых удивительных художников Австралии. Он родился и вырос в городке Олбери и с детства наблюдал быт аборигенов. В дальнейшем мастер объездил все, даже наиболее отдаленные районы континента, зарисовывая различные сюжеты из жизни коренных обитателей джунглей и прерий. Многим он был известен как Томми Барнс или Маккрэйр. Его альбомы наполнены изображениями аборигенов в их привычном виде и европейской одежде, сцен охоты, ритуальных танцев и даже историческими сюжетами, в которых запечатлены конфликты колонистов и местных жителей. Рисунками МакРея сразу же заинтересовались многие любители искусства. В начале 1860-х их стала собирать австралийская художница Тереза Уокер, и в это же время мастер познакомился с мировым судьей, виноградарем и владельцем телеграфов Родериком Килборном, который на многие годы сделался для него другом и покровителем. Именно благодаря этому человеку о МакРее быстро узнала вся Австралия. Его работы начали печатать местные газеты, у него появились заказы, возможность путешествовать и даже (одним их первых) фотографировать отдаленные уголки континента.

На данной картине запечатлена сцена ритуального танца, который исполняют аборигены перед тем, как вступить в войну. Они размахивают короткими копьями из хлопковых прутьев, а над головой держат бумеранги — самое распространенное оружие коренных жителей Австралии. С поднятыми прутьями, телами, раскрашенными символичными геометрическими рисунками, и свисающими с пояса листьями изображенные выглядят устрашающе, а их движения ритмичными.

МакРей никогда не подписывал свои рисунки и в большинстве не давал им названия. Надписи и обозначения появлялись позже, их добавляли новые владельцы альбомов, иногда после объяснений художника, а порой и без них. Труды мастера пользовались у австралийцев популярностью. Все произведения живописец демонстрируют не только врожденный талант автора-самоучки, но и своеобразно отображают историю развития отношений между колониальными и коренными жителями Австралии и Океании.

Джон Питер Рассел родился в Сиднее в семье инженера, эмигрировавшего в детстве из Шотландии. Мальчик с малых лет наблюдал, как отец постоянно делал нужные для работы чертежи. Рассел-старший не препятствовал увлечению сына рисованием, но был уверен, что тот пойдет по его стопам, однако сам юноша мечтал стать художником.

Отец скончался раньше, чем молодой человек объявил семье, что намерен учиться в Лондоне в Школе изящных искусств при Университетском колледже. Там он провел три года, после отправился в Париж, где еще полтора частным образом занимался у знаменитого живописца Фернана Кормона. Позже, посетив Испанию и изучив ее национальное искусство, он познакомился с живописцем из Австралии Томом Робертсом, они стали друзьями на всю жизнь. Вернувшись во Францию, мастер вскоре женился и переехал жить в Бель-Иль в Бретани. Рассел познакомился с Клодом Моне, Анри Матиссом и Огюстом Роденом, последний также стал ему другом.

Живописец создал картину «Вид Антибы», когда отдыхал со своей супругой на Лазурном Берегу. Золотистое пустынное побережье с невысокими пушистыми кустарниками, серебристо-синее море и далекая, будто призрачная горная гряда, чьи вершины покрыты легкими снежными шапками, контрастируют с зеленоватым небом. В поисках собственного стиля мастер часто использовал элементы импрессионизма, создавая картины на пленэре, но заканчивал он их чаще всего в студии. Это было связано с тем, что живописец использовал технику, при которой темпераментно и внахлест накладывал широкие мазки, таким образом, живопись дольше высыхала и время работы над полотном увеличивалось, однако тонкая атмосфера и непосредственное восприятие пейзажа сохранялись.

Уолтер Герберт Уитерс родился в Хэнсворте, Стаффордшир, Англия, в семье обычного служащего. С детских лет мальчик обладал отличными навыками рисования, но, несмотря на это, его отец был против того, чтобы сын становился профессиональным художником. В 28 лет молодой человек покинул Англию и прибыл в Австралию с твердым намерением работать на местных фермах. Однако после полутора лет этой деятельности Уитерс нашел место чертежника в издательстве и помимо прочего стал создавать портреты углем. Одно из произведений даже было выкуплено Галереей Старой академии Мельбурна, это подвигло его получить художественное образование. В 33 года Уитерс прибыл в Париж и начал обучение в Академии Жюльена. Через несколько месяцев он вернулся в Мельбурн и стал трудиться уже профессионально.

Работа «Копатели» представляет собой пейзаж, в котором мастер отобразил деятельность авантюристов, разыскивающих в недрах австралийской земли золотоносные жилы. Двое мужчин под эвкалиптом, отбросив в сторону сито, устроили себе перерыв. На переднем плане зритель видит стволы этих деревьев с треснувшей корой, окруженные острыми скалами, а вдали большой отвал.

В музее хранится полотно Миллера Маршалла «Искатели золота», которое фактически является повторением данной работы, так как оба друга-художника писали сюжет одновременно.

Австралийский художник Руперт Банни, как и многие его европейские коллеги в конце XIX — начале XX века, часто использовал в своих произведениях аллегории и символы. Особенно эстетичным живописец считал образ воды, которую можно увидеть на многих его полотнах. Как он сам признавался в письмах и мемуарах, это связано с его воспоминаниями. В раннем детстве на него произвела сильное впечатление бредущая по берегу моря группа странных мокрых людей. Как оказалось, они только что совершили таинство крещения и теперь чувствовали себя счастливыми. А в 19-летнем возрасте Банни сопровождал своего умирающего отца в поездке на Карлсбадские воды. Это оставило у него тягостное впечатление на всю жизнь.

На картине «Морская идиллия» живописец представил берег, где в закатных лучах солнца расположились полуобнаженные нимфы и тритоны. Они играют на музыкальных инструментах, поют, собирают цветы и нежатся в траве и теплой воде. Те существа, что сидят поодаль, приложили ладони к ушам, чтобы лучше слышать мотив, одна из нимф томно опустила голову на плечо полуобнаженного тритона. Музыка и ее атрибуты в живописи, как правило, означают романтичность и утонченность, а красные маки, символизирующие сладкие мечты, расположенные в центре картины ярким пятном, создают зримый образ изысканной красоты и мечтательности.

Наброски к этой работе мастер сделал еще во время путешествия по французской провинции Бретань. В его альбоме среди рисунков древних каменных столбов, крутых утесов и волн есть изображение обнаженной женщины, ноги которой переходят в русалочий хвост. Атлантическое побережье Бретани известно своими мифами и легендами, и Банни, вдохновленный розовато-серебристым цветом вечернего океана, а также символистской живописью швейцарского художника Арнольда Беклина, создал серию романтических произведений, среди них и «Морская идиллия». Также в работах австралийского творца можно ощутить влияние прерафаэлитов и модерна.

Том Робертс является одним из основателей так называемой школы Гейдельберга. Это направление в австралийском искусстве конца XIX века впервые было описано мельбурнским критиком Сиднеем Дикенсоном. Группа молодых художников, в их числе были Артур Стритон и Вальтер Холка, долгое время встречалась в районе озера Гейдельберг и с упоением работала на пленэре, подражая французским импрессионистам. Позже термин «школа Гейдельберга» получил более широкий смысл и его стали применять к творчеству многих австралийских живописцев, даже никогда не посещавших район Гейдельберг, но работавших в импрессионистской традиции и создававших пейзажи, основанные на каком-либо сюжете. Так, произведения мастеров школы помимо художественной ценности несут в себе и исторические события из жизни Австралии.

На данной картине изображено реальное место в Новом Южном Уэльсе, где река Макинтайр делает поворот, образованный мощной скалой. Здесь в 1870 прятался Тандерболт со своими «лесными жителями». Этот отважный разбойник был беглым каторжником. Он использовал место возле реки для перевалочной базы, отсюда с другими преступниками осуществлял вылазки и грабил проезжающие экипажи.

Художник изобразил момент, когда уже почти закончилась полицейская операция по поимке опасных разбойников. Рассеивается дым от оружейных залпов, вспышка последнего еле заметна в левой части картины. Наверху, на валуне, лежит солдат, а справа тянется к воде лошадь. Поблескивает река, в которой отражаются гигантские камни, все вокруг словно застыло, и от этого создается ощущение отнюдь не героизма, а простого удовлетворения от проделанной работы. Правдивая и непосредственная сцена бытия, где главным персонажем является не человек, а природа, молчаливая и незыблемая.

Пейзажи Робертса оказали огромное влияние на творчество практически всех молодых художников Австралии.

Сидней Лонг родился в небольшом австралийском городке Голберн, знаменитом тем, что в нем почти с самого его основания находилась одна из крупнейших тюрем страны. Будущий художник с детских лет увлекался рисованием и очень скоро примкнул к живописцам школы Гейдельберга. В 19 лет он уже являлся членом Художественного общества Нового Южного Уэльса, а спустя четыре года у него была куплена первая картина для Художественной галереи штата. Творчество Лонга всегда вызывало неоднозначную реакцию у критиков, и ни одна работа не оставалась незамеченной. Произведения мастера были совсем непохожи на пейзажи других участников школы, отличаясь изяществом и сентиментальностью образов. Большая часть картин мало имела отношения к реалистичной передаче окружающей природы, при этом сюжеты часто были насыщены мифологией, эротизмом и романтизмом.

Лонг много работал, чтобы иметь возможность получить образование в Англии. Только к 39 годам он смог накопить деньги и отправиться в Лондон. Довольно быстро живописец стал сотрудником Королевского общества художников и граверов, но это далось ему не без зависти и скандалов со стороны английских коллег. Творчество мастера пошло на спад, он продолжал работать, однако поздние произведения критика считала очень слабыми, особенно по сравнению с картиной «Дух прерий», которая принесла автору настоящий успех и международное признание.

Полотно выполнено в декоративном стиле и представляет собой миф о сотворении природы Австралии, но сочиненный самим художником. В приглушенных металлических коричнево-розовых тонах, словно сквозь романтическую дымку, вдалеке проступают эвкалиптовые деревья. По поляне движется обнаженная черноволосая девушка — лесная нимфа. Она играет на маленькой свирели, и за ней, танцуя, следуют птицы — изящные австралийские журавли. Мистическое действо окружено тайной. Произведение является не только олицетворением мифологического языка Австралии, но и символизирует собой все самобытное изобразительное искусство страны.