Национальный музей дизайна Купер-Хьюитт Нью-Йорк

XX век

Перед зрителем — золотая пряжка в виде большого стилизованного жука; его спинку образует большой овальный опал, окруженный причудливым переплетением лапок, в которое вкраплены жемчуг и гранаты. Автор этого эффектного украшения — немецкий архитектор и дизайнер, представитель стиля модерн Эдуард Колонна. Он получил архитектурное образование в Бельгии, но 1882 уехал в Нью-Йорк, где первое время работал в фирме Луиса Тиффани — в то время ведущего декоратора Соединенных Штатов. Позже художник в течение ряда лет был главным дизайнером и проектировщиком интерьеров в компании «Барни и Смит» — крупнейшего производителя железнодорожных вагонов в стране. В 1889 он переехал в Монреаль, где работал как архитектор и дизайнер железнодорожных поездов и станций для ряда ведущих канадских компаний, а также выполнял частные заказы на проектирование домов. Помимо деятельности архитектора и оформителя интерьеров Колонна увлекался прикладным творчеством и в том числе ювелирным мастерством. В 1898 он вернулся в Европу, где сотрудничал с крупными художественными галереями.

Эжен Самуэль Грассе — французский и швейцарский художник, скульптор, график и иллюстратор, яркий представитель стиля модерн. Грассе получил архитектурное образование в Цюрихе в 1861–1863. В 1871 он переехал в Париж, где увлекся эстетикой французского ар-нуво, а также открыл для себя японское искусство. Как преданный последователь идеалов модерна, Грассе проявил себя в самых разных областях творчества. Он был архитектором, живописцем и иллюстратором, выкладывал мозаику и собственноручно изготавливал скульптуру и рельефы для фасадов зданий, разрабатывал эскизы для производителей мебели и гобеленов, ювелирных украшений, плакатов, афиш и почтовых марок. С 1890 и вплоть до своей смерти Грассе был профессором в крупных художественных школах в Геренье и Эстьенне.

Перед зрителем — рисунок гребня изящной удлиненной волнистой формы, в верхней части украшенного композицией из золота и эмали, изображающей выныривающую из волн обнаженную нимфу.

Этот крепкий дубовый, стилизованный под Средневековье стул с высокой спинкой и кожаными подушками с кистями выполнен американским дизайнером-краснодеревщиком Чарльзом Рольфсом. Он родился в Бруклине в семье эмигранта-мебельщика из Германии и получил в Нью-Йорке образование дизайнера. Рольфе был на редкость разносторонней личностью, и поначалу сфера его занятий была самой широкой — от изготовления чугунных печей и моделей для литья до работы актером в шекспировских пьесах. Ремеслом мебельщика Рольфе увлекся, когда убедился, что не может найти в магазинах ничего подходящего для обновления интерьера собственного дома в Буффало. Его верным помощником и соавтором многих работ была жена — автор детективных романов, поставлявшая идеи для мебельных форм и орнаментов. Когда соседи, восхищенные мебелью Рольфсов, стали просить сделать что-то и для них, Чарльз открыл мастерскую. Для его изделий характерны строгие и изящные линии, сочетание резного дуба, металла и кожи, ремесленной рукодельной добротности и утонченного эстетства, смелое смешение стилей — от средневековых и ренессансных мотивов до азиатских влияний и современного ему ар-нуво.

Дизайнерское творчество Рольфса охватывает около десятка лет, в течение которых он создал несколько сотен вещей. Рольфе предпочитал работать с дубом — материалом отнюдь не легким для резьбы, но очень фактурным, вдохновлявшим его на необычные декоративные решения. «Посмотри на следы бури и затишья, зефира и бриза в натуральном дереве: ты увидишь, что дерево — это запись их музыки», — писал мастер. Его вещи экспонировались на выставках, в том числе на Международной экспозиции современного декоративного искусства в Турине в 1902, и высоко ценились критиками. Это была именно художественная мебель — слишком сложная в изготовлении и изысканная по форме, чтобы иметь массовый спрос. В 1907, когда в Америке разразилась биржевая паника и начался кризис, мастерскую пришлось закрыть, Рольфе переключился на социально-политическую деятельность. Однако в истории он остался именно художником-мебельщиком, создателем уникальных по форме элегантных столов, стульев, светильников и интерьеров.

Представленное бюро было выполнено в мастерских известного итальянского производителя мебели рубежа XIX–XX веков — Карло Дзена, владельца крупнейшей в Милане фабрики, славившейся изысканностью и качеством продукции. Будучи профессиональным краснодеревщиком, в своем производстве мастер использовал самые дорогие породы дерева, а также ручную работу — резьбу, инкрустацию металлом, перламутром, латунью, листовым золотом, превращая предметы бытовой среды в высокие образцы художественного творчества в соответствии с программными идеалами модерна. Мебель фирмы «Дзен» представляла характерное для Италии его флореальное направление. Наряду с Карло Бугатти Дзен считался крупнейшим представителем либерти — национального варианта стиля модерн.

Изделия фабрики регулярно выставлялись на национальных, региональных и международных выставках, в том числе на Международной выставке декоративного искусства 1902 в Турине.

Тонкие изогнутые, раздваивающиеся книзу и сливающиеся с подставкой ножки напоминают лапки насекомых, по боковине бежит изящный и хрупкий, подобный легкому росчерку, флореальный рисунок, напоминающий знаменитый мотив «удар бича» Германа Обриста, ставший своеобразным международным фирменным знаком стиля модерн.

Представленный кувшин органической формы с широким горлом, стилизованным под большой лист, и ручкой, напоминающей изогнутый стебель, выполнен на заводе Жолнаи в период процветания эстетики стиля модерн. Фабрика Жолнаи — старейшее венгерское производство по изготовлению керамики и фаянса. Она была основана в городке Печ в 1853 Миклошем Жолнаи и его сыном Игнацем как маленькое семейное предприятие и лишь после вступления в дело в качестве управляющего младшего сына Миклоша, Вильмоша, стала стремительно развиваться. На заводе начались эксперименты с новыми высокотемпературными способами обжига и приемами окраски. Изучая опыт средневековых керамических и майоликовых мастерских итальянского города Губбио, применяя и комбинируя различные составы глин в качестве сырья, Вильмош смог создать особый вид редукционной глазури — эозиновую, которая после обжига в печи дает сочный цвет с ярким металлическим отблеском. В зависимости от используемого температурного режима, химического состава и толщины глазури-основы окончательный декоративный эффект может быть чрезвычайно разнообразным. В первых серийных изделиях жолнайские мастера использовали багрянокрасные оттенки, но позднее фарфоровые изделия начали окрашивать в золотисто-зеленоватый цвет с бронзовым отливом, который стал визитной карточкой керамики Жолнаи.

Работы завода получили признание в 1873 на Всемирной выставке в Вене, за которым последовала золотая медаль на Всемирной выставке в Париже 1878 и персональный крест Почетного легиона Вильмошу от французского правительства за изобретение эозиновой глазури. Далее — орден венгерского императора Франца Иосифа и звание Почетного гражданина города Печ. К концу XIX столетия изделия мануфактуры Жолнаи пользовались огромным успехом как в Австро-Венгрии, так и за рубежом.

После смерти Вильмоша в 1900 фабрика продолжала славные традиции высококачественного керамического производства, успешно работая в стиле модерн. В 1948 завод был национализирован и переименован в фарфоровый завод в Пече, став частью государственного конгломерата по производству керамической продукции.

На представленном принте — образец рисунка обоев, которые выпускала фирма «Джефри и Ко» в начале XX века. Изображена детская игра «Апельсины и лимоны», каждый ее кон длится до тех пор, пока звучит куплет старинной английской песенки. В центре композиции — два дерева, апельсиновое и лимонное, с налитыми плодами на ветвях, по свободному полю разбросаны цветущие маргаритки. Дети в разноцветных одеждах образовали хоровод, старшие мальчик и девочка в центре берутся за руки на фоне сплетающихся ветвей деревьев. Дизайн принта характерен для стиля компании «Джеффри и Ко», всегда сочетавшего структурную ясность со сложными смыслами символизма и сохранявшего тесную связь с лучшими образцами современного искусства.

Компания по производству обоев машинной и ручной печати «Джеффри и Ко» была основана в 1836. В начале 1860-х она стала младшим партнером фирмы «Метфорд Уорнер», а с 1869 Уорнер, будучи единственным владельцем и руководителем «Джеффри и Ко», добился положения одного из ведущих производителей обоев в мире. Продукция «Джеффри и Ко» всегда соответствовала самым высоким стандартам качества, однако главной особенностью компании была установка на высокий уровень дизайна выпускаемых изделий, что позволяло ей не только входить в число самых успешных производителей, но и оказывать определяющее влияние на целые поколения дизайнеров. В соответствии с идеалами теоретиков эпохи модерна, что в искусстве нет прикладных сфер и главная его цель — создание высокохудожественной среды, окружающей человека, Уорнер активно привлекал для сотрудничества лучших дизайнеров, художников и архитекторов своего времени. Особую известность фирме принесло многолетнее сотрудничество с ведущим художником и идеологом модерна Уильямом Моррисом, по рисункам которого «Джеффри и Ко» выпустила целую серию обоев, являющихся образцами изделий ар-нуво и воспроизводимых по сей день.

Автор представленного эскиза — знаменитый французский архитектор, скульптор, дизайнер, яркий представитель стиля модерн Гектор Гимар. В конце XIX века и до Первой мировой войны он был одним из самых популярных французских декораторов, его стиль восходит к образцам флореального модерна бельгийской школы и, прежде всего, к искусству Виктора Орта. Для собственной манеры художника, известной как «стиль Гимар», был характерен акцент на тонком, асимметричном рисунке, соединившем в себе влияния неоготики, рококо, японского искусства, а также увлечение художественной ковкой и стеклом. Творческая амплитуда мастера чрезвычайно широка, модный архитектор, он прославился новаторским оформлением станций парижского метрополитена и редким по тонкости декором мебели, светильников и всевозможных предметов интерьерного убранства, воплощая собой программную мечту модерна о синтезе искусств и художнике-универсале.

На данном рисунке изображен фасад шестиэтажного многоквартирного дома с характерным декором в стиле модерн. На фоне крупной каменной кладки особенно изысканными кажутся тонкие стилизованные орнаменты из кованого металла балконов, верхней балюстрады и входной двери. Композицию завершает четкий геометрический рисунок каминных труб и слуховых окон мансардного этажа.

Представленный стол лаконичен, но при этом чрезвычайно эффектен. Его круглая столешница покоится на восьми стилизованных под слоновьи хоботы ножках, которые наверху переходят в полукруглые рога-консоли, образующие фриз. Ножки «одеты» в сапожки из латуни, из этого металла выполнен и обод вокруг столешницы. Геометризм форм — круг столешницы повторяется полукружьями консолей и изгибом ножек, в то время как в центре стола сияет радужной желтой поверхностью квадратная вставка — в сочетании с красотой дорогих материалов создает эффект ясности и изящества. Автор этого элегантного мебельного предмета — Адольф Лоос — австрийский архитектор и публицист, один из пионеров рационализма в европейской проектной культуре, оказавший огромное влияние на развитие теории дизайна в Европе и Америке.

В довоенный период он специализировался в основном в области интерьера частных квартир в доходных домах репрезентативного типа и лишь с 1910 начал проектировать и строить здания. Уже первые интерьерные работы мастера показывают стремление к строгой простоте, сочетающееся с высокой культурой детали и подлинным пониманием свойств материала. Художник руководствовался принципом безорнаментальности, его привлекали простые геометрические формы, все, что не имело функциональной роли, представлялось ему излишним. Свои взгляды Лоос сформулировал в работе «Орнамент и преступление» (1908), чей критический пафос был направлен против орнаментального формообразования стиля модерн. Мастер предвосхитил появившиеся десятью годами позже творения конструктивистов и функционалистов, лозунгом которых стала его знаменитая фраза: «Функция определяет форму». Ле Корбюзье писал: «Лоос расчистил почву под нашими ногами», признавая тем самым его роль как предтечи новой архитектуры. Наиболее благодарных последователей идеи Лооса нашли в Германии, где под их влиянием возник Немецкий Веркбунд (первый союз промышленников и художников).

Тони Сарг — известный американский иллюстратор детских книг, а также реставратор и разработчик марионеток кукольных театров. В конце жизни он еще занимался анимацией. Тони был единственным сыном немецкого консула Фрэнсиса Чарльза Сарга, но с детства серьезным дисциплинам предпочитал мир кукол и сказок. Дед научил его вырезать человечков из дерева, а бабушка оставила ему в наследство великолепную коллекцию кукол, животных, игрушечных домиков и кукольных аксессуаров, которую он хранил до конца своих дней. Несмотря на то что в 14 лет по настоянию отца юноша поступил в немецкую военную академию, все его интересы лежали в области рисунков для детских книг и кукольного театра. Неудивительно, что уже в 24 года он делал иллюстрации для известных английских журналов (в том числе для обложки «Ивнинг пост»), разрабатывал дизайн тканей для детской одежды и игрушек, а чуть позже стал выступать с собственным шоу марионеток.

В 1914 вместе с семьей Сарг переехал в Америку, сначала в Цинциннати, затем — в Нью-Йорк, где открыл студию, получившую большую популярность. Мировую известность ему принесли иллюстрации известнейших детских книг, таких, как «Алиса в Стране чудес», «Бременские музыканты», «Робин Гуд», «Али-Баба», «Синдбад-мореход».

История компании «Вестклокс», одного из крупнейших производителей часов в мире, начинается в конце XIX века с образования фирмы «Юнайтет Клок». Пережив бурную историю слияний и банкротств, торговая марка «Вестклокс» приобрела свое окончательное имя в 1910. Огромную популярность компании принесла линия производства будильников «Биг-Бен», налаженная в 1909 и пользовавшаяся неизменным успехом на протяжении многих десятилетий.

Не меньшую популярность имело другое направление деятельности фирмы — так называемые часы за доллар, рассчитанные на самого широкого потребителя. Эти карманные или наручные часы изготавливались из дешевых материалов, но всегда отличались самым современным и модным дизайном, что позволило линии просуществовать с 1899 по 1990. Прекрасным образцом подобной стильной и при этом предельно демократичной продукции является представленный экземпляр. Это простые и одновременно эффектные наручные часы круглой формы с гладким голубым корпусом и белой сердцевиной, украшенные лишь желтой латунью каймы циферблата и заводного колесика.

Юван Фэй Джонс — американский архитектор и дизайнер, представитель органического направления в искусстве. В Университете Оклахомы, где Джонс преподавал, он познакомился с уже прославленным к тому времени архитектором Фрэнком Ллойдом Райтом — основателем направления органической архитектуры. Побывав в знаменитой школе-мастерской Райта «Талиезин Вест» в пустыне Аризоны, где тот провел последние годы своей жизни, Джонс решил целиком посвятить себя органической архитектуре, став его преданным учеником, другом и последователем. Вскоре Джонс создал собственную частную практику в Озарке — горном местечке на северо-западе Арканзаса, параллельно учась на факультете архитектуры в арканзасском университете. Идеалы органической архитектуры и дизайна, исходящих из естественного слияния человека и природы, отвечали уединенному характеру Джонса, который предпочитал отшельническую жизнь в горах шуму больших городов. Игнорируя модные архитектурные тренды, он сосредоточился на собственной эстетике естественных материалов и традиционных для этих мест формах строительства. Несмотря на уединенную жизнь, Джонс сумел прославиться частными домами и церквями, построенными из дерева, из которых самой знаменитой является часовня Тронкроу в Эврика Спрингс.

Также большой популярностью пользовался уникальный дизайн мебели и предметов быта Джонса, показательным образцом которого является представленный табурет. Он состоит из плоских, уложенных один в другой ящиков-кювет из сосновой клееной фанеры, которые по желанию можно добавлять и вынимать для регулировки высоты. Верхний имеет большую площадь и вместе с хорошо подогнанной, вынимающейся подушкой служит сиденьем. Единственным декором табурета являются выступающий карниз сиденья с боковыми накладками из пяти вертикальных полос и геометрические насечки в углах основания.

На представленных принтах — работы знаменитого американского художника, мастера журнальной карикатурной графики, коллажа и инсталляции Сола Стейнберга. Стейнберг (Саул Якобсон) родился в Румынии и поначалу изучал социологию и психологию в Бухарестском университете и архитектуру в миланском Политехническом институте. В этот период проявилось его дарование карикатуриста: юмористические и сатирические рисунки под названным псевдонимом публиковались в миланском журнале «Бертольдо», латиноамериканских изданиях «Сомбра» (Бразилия) и «Каскабел» (Аргентина). В них ощущалось влияние графики известных модернистов: X. Миро, П. Пикассо и особенно П. Клее (так называемое движение линии), однако рисунок Стейнберга с самого начала выделялся самостоятельным стилевым решением, оригинальностью сюжета и композиции. В 1942 художник переехал в Нью-Йорк и с 1947 регулярно работал с журналами «Нью-Йоркер» (где стал ведущим карикатуристом), «Вог», «Лайф», «Харпере базар» и другими. «Нью-Йоркеру», который он звал своей «отчизной», Стейнберг отдал почти 60 лет жизни, и статусом лучшего иллюстрированного журнала издание обязано именно ему.

По поручению «Нью-Йоркера» Стейнберг объехал с блокнотом и пером полмира, создав богатейшую пародийноюмористическую панораму современной ему жизни Европы и Америки. В его ироничном, образном рисунке присутствуют элементы поп-арта, сюрреализма, приемы коллажа, шаржирования и гиперболизации. Художник утверждал, что его произведения (первоначально это были исключительно рисунки пером и карандашом) лишь «замаскированы под карикатуры». В своих работах он достиг особой, прихотливо-капризной свободы линии, она будто сама собою творит росчерки и виньетки, из которых складываются фигуры и пейзажи, виды городов, зданий и интерьеров, сюжетные зарисовки, запечатлевающие веселые и грустные события жизни людей. Сейнберг прославился художественными экспериментами: он создавал пейзажи из отпечатков пальцев, изображал небоскребы вырезанными из бумаги в клетку прямоугольниками, рисовал на нотной бумаге, делал коллажи. Его смелые, не знающие ограничения фантазии оказали большое влияние на развитие поп-арта.

Слева — рисунок для ширмы, черным контуром на белом фоне дана фантазия на тему Парижа и его памятников, узнаваемы и Лувр, и Нотр-Дам и Эйфелева башня. На принте справа художник запечатлел групповой свадебный портрет — жениха и невесту в окружении друзей, родственников, священника, представителей полиции, городских властей, соседей и уважаемых людей. В общем, перед зрителем — веселое изображение маленького провинциального городка с его смешными и трогательными идеалами, ценностями и предрассудками.

Перед зрителем первый в истории портативный компьютер (ноутбук) «GRiD Compass», который был выполнен в 1979 по заказу NASA — Национального управления США по аэронавтике и исследованию космического пространства — и использовался астронавтами шаттлов в 1980-1990-х. В 1982 «GRiD Compass» поступил в розничную продажу.

Идея создания портативного компьютера принадлежала известному изобретателю Алану Кею, заведующему исследовательской лабораторией американской компании «Xerox PARC». В 1968 он представил компьютерному сообществу концепцию портативной вычислительной машины, которая имела бы размер не больше блокнота, плоский экран, подключалась к беспроводным сетям, могла хранить всю необходимую пользователю информацию и к тому же была бы доступна по цене каждому. Хотя еще в начале 1970-х проекты Кея выглядели фантастическими, уже в 1979 его коллега Джон Элленби основал компанию «GRiD Systems», первым продуктом которой и стала модель «GRiD Compass» — аппарат, воплотивший замысел Кея настолько точно, насколько позволяли технологии того времени.

Элленби видел портативный компьютер «машиной, дающей возможность менеджерам среднего и высшего звена работать там, где они нужны». Он нанял эксперта по дизайну Уильяма Моггриджа, чтобы тот «помог ему втиснуть все хорошие идеи в один корпус». Моггридж и стал изобретателем модели «GRiD Compass», сумев разработать машину, которая помещалась в «половине портфеля», включая сравнительно большой складывающийся экран. «Grid Compass» имел плоскую клавиатуру, запоминающее устройство на цилиндрических магнитных дисках с огромной по тем временам емкостью 340 килобайт и был упакован в штампованный корпус из магниевого сплава. В откидную крышку был встроен электролюминесцентный графический дисплей. В компьютере использовался процессор Intel 8086, который позволял работать на тактовой частоте 8 мегагерц. Машина обладала впятеро меньшей массой, чем любая модель с эквивалентной производительностью. Существенным недостатком «GRiD Compass» являлось отсутствие автономного питания. Стоил первый портативный компьютер 8150 $ — фантастическая для того времени сумма. Позднее в интервью Моггридж описывал свое творение: «Он идеально подходил военным — очень прочный и такой страшный, что отпугнул бы любого противника».

Тем не менее дизайн «GRiD Compass» оказался настолько удачным, что компания «GRiD Systems» долгое время продавала его по лицензии другим производителям портативных компьютеров.

На представленном принте изображен фрагмент обоев, созданных дизайнерами компании «Тимороус Бистис». Рисунок в виде белых асимметричных, закручивающихся линий на темно-бордовом фоне был навеян изобарой — линией диаграммы погоды или иных барометрических показаний.

Компания «Тимороус Бистис», специализирующаяся на производстве обоев и текстиля с помощью ручной печати и машинного производства, была основана в 1990 Алистером Макоули и Полом Симмонсом. Эпатажное название (дословный перевод — «трусливые звери»), взятое из стихотворения Роберта Бернса «К мышке», передает демонстративно сюрреалистический, провокационный стиль этой фабрики, меняющий устоявшиеся взгляды на дизайн.

Диапазон тем дизайна компании чрезвычайно широк — от ранних натуралистических изображений насекомых, растений и рыб до жесткого современного графического стиля, исследующего социальные и политические аспекты современности. Сочетая утонченную изысканность и высокий профессионализм с эпатажем, фирма «Тимороус Бистис» сумела создать неповторимый бренд, который был многократно отмечен самыми престижными дизайнерскими премиями. Компания имеет салоны в Глазго и Лондоне и экспортирует продукцию по всему миру.

Национальная галерея Шотландии — один из крупнейших художественных музеев мира, а ее коллекция картин, скульптуры и мебели является наиболее полным собранием в Великобритании. Здесь хранятся шедевры выдающихся живописцев, среди которых полотна С. Боттичелли, Рафаэля, Тициана, Тинторетто, Эль Греко, Д. Веласкеса, Ф. Халса, П. П. Рубенса, Н. Пуссена, Я. Вермера, К. Лоррена, Рембрандта, Ж. А. Ватто, Д. Рейнолдса и многих других, а также работы шотландских мастеров, французских импрессионистов и постимпрессионистов.