Новая пинакотека Мюнхен

Живопись второй половины XIX века

Французский художник Александр-Габриэль Декан был учеником знаменитого живописца, основоположника романтизма Эжена Делакруа. Под влиянием наставника он стал одним из лидеров романтической пейзажной живописи во французской Академии изящных искусств, испробовал широчайший круг тем, среди любимых — пейзажи, изображения животных, батальные сцены.

Особое место в творческом наследии Декана занимают сюжеты из путешествий по Востоку. В них ему удалось соединить романтическую страсть к экзотическим странам, авантюрный дух странствий во время военных походов французов и любовь к разнообразию быстро запечатленных сценок из повседневной жизни. Манера художника характеризуется острыми композициями, драматичными, метко подмеченными сюжетами и мастерским владением цветом.

Картина дает представление обо всех названных особенностях творчества мастера. На ней изображена сценка военных действий во время египетской экспедиции французских войск в 1789–1799. Обращают на себя внимание эскизный характер этой небольшой работы, переданное впечатление стремительного потока событий, где из пыли и огня быстро возникают фигуры мчащихся всадников, раненые и убитые солдаты. Цветом выделены акценты, усиливающие атмосферу стремительного, жаркого боя. Художник совмещает точность в передаче военного обмундирования с общей эмоциональностью повествования.

Известный немецкий мастер Мориц фон Швинд создал уникальное произведение искусства большого формата — панно с живописными сценами из сказки о Золушке. Это было новым художественным жанром, рассчитанным, прежде всего, на круг образованной буржуазии. Швинд очень интересовался фольклором, народными традициями и мечтал возродить их в академической живописи. В то время сказки в изложении братьев Гримм были наиболее популярны.

Панно состоит из четырех больших вертикальных сцен, сюжетно и композиционно их сопровождают еще 15 небольших круглых, квадратных и прямоугольных вставок. Художник изобразил не одну сказку, а три: о Золушке, Купидоне и Психее и Спящей красавице. Интересно, что он соединил в каждой из них несколько разных версий, создав обобщенное авторское повествование. На больших панно последовательно изображено, как Золушка работает на кухне, а мачеха с сестрами уезжают в королевский замок; Золушка является на бал и ослепляет всех своей красотой; далее идет сцена после полуночи, когда чары рассеиваются, а принц и его слуги разыскивают прекрасную незнакомку; четвертое панно — приезд принца в дом, где живет Золушка. На вставках параллельно повествуется миф о Купидоне и Психее и даются сцены из немецкой сказки о Спящей красавице. Остроумное объединение знакомых сюжетов, стремление передать национальные черты и традиции средневековой Германии, придать этим рассказам классические черты античных сюжетов по праву сделали это произведение классикой жанра. После того как в 1855 панно было выставлено и получило высокую оценку критиков, сказки стали популярным сюжетом живописи, а самого Швинда в 1860-х пригласили оформить этим циклом бальную залу. Он приобрел славу лучшего художника сказочной тематики.

Адольф фон Менцель — один из важнейших художников-реалистов Германии XIX века. Творческое наследие плодовитого мастера велико, он работал в разных жанрах, техниках, стилях. Наибольшую популярность еще при жизни Менцель получил благодаря своим полотнам, передающим реалии и дух времен короля Пруссии Фридриха II Великого. Живописному таланту художника сопутствовал пристальный интерес к немецкой истории. Еще в начале своей творческой карьеры Менцель выполнил около 400 иллюстраций к книге «История Фридриха Великого». Именно этот период XVIII столетия, просвещенного абсолютизма и начала немецкой государственности, стал центральным в полотнах мастера. С него начался интерес к истории и реалиям того времени: достоверной передаче костюмов, униформы, архитектурных и декоративно-прикладных деталей городской и повседневной жизни. Картины поражали скрупулезной документальностью, которая соединялась с тонким художественным чутьем Менцеля. Для современников мастера одними из наиболее привлекательных и востребованных черт стали, безусловно, теплота и особая сдержанная лиричность его манеры с несомненным талантом к созданию монументальных, торжественных, парадных полотен, будто действительно вышедших из славных времен Фридриха Великого.

В данной картине характерно проявление интереса художника к точной передаче интерьеров церкви, светотени, внимание к простым сюжетам и обыденным сценам. В целом получилась торжественная картина, которая воссоздает атмосферу старой церкви, ее благоговейную тишину и состояние молитвы.

Крупнейший немецкий художник-реалист XIX века Адольф фон Менцель знаменит своими работами на исторические темы. Данная картина представляет один из эпизодов войны с Наполеоном. Объединенные прусские и английские войска 18 июня 1815 победили его в знаменитой битве при Ватерлоо (Бель-Альянс). На этом полотне показан важный момент встречи двух генералов, которые совместными силами своих армий окончательно разгромили французского императора. Миссией живописца в данном случае было не создание парадного торжественного полотна, а наиболее наглядная и точная передача этого события как одного из ключевых моментов победы над общим врагом Европы. Менцель изобразил прусского генерала Блюхера и английского Веллингтона, когда они пожимают друг другу руки, поздравляя с успехом. Художнику удалось показать общую рутинную занятость, постоянное движение солдат на поле битвы, а оригинальная полукруглая форма картины была призвана символически выделить это событие, она позволяет автору остроумно обыграть мотив встречи двух генералов как соединение двух полушарий земли. Вся перспектива построена именно по законам сферического пространства. Это придает рукопожатию двух военных, которое образует смысловой и композиционный центр, особую энергичность.

На картине знаменитого немецкого художника-символиста Арнольда Бёклина изображен Пан, древнегреческий бог, один из его излюбленных персонажей. Он олицетворяет дикую природу, плодородие, живые силы окружающего мира, также считается богом пастушества и скотоводства. Существует несколько похожих полотен живописца, где он ищет подходящий образ, варьируя нюансы композиции, колорита, масштабов. Бёклин дает понять, что Пан почти неотделим от окружающей его природы, равное значение имеет как сама фигура бога, так и солнечный блик в траве. Цветовая гамма работы очень характерна для этого периода в искусстве как самого Бёклина, так и его учителей, в частности Ансельма Фейербаха. Художник предпочитает теплые оттенки коричневого, почти черного и голубоватозеленого. Стальные и сизые тона облаков и ветер в траве передают ощущение движения воздуха, заставляя зрителя чувствовать, как пространство картины увеличивается у него на глазах.

Швейцарец Арнольд Бёклин — один из самых влиятельных живописцев, графиков и скульпторов символизма. Это направление в художественной культуре развивалось в последней четверти XIX — начале XX века.

Представленная картина относится к мифологическому циклу. Известен еще один вариант этой работы, который хранится в Нижнесаксонском муниципальном музее Ганновера. Фавн — популярный образ в искусстве, бог полей и лесов, пастух и покровитель животных. Он изображен в идиллическом слиянии с природой, подпевающим дрозду — христианскому символу соблазнов плоти. С помощью подобных романтических пейзажных аллегорий художник стремится показать тайные силы природы, энергию, исходящую от нее и ощущаемую людьми. Взаимосвязь мифических и живых существ, которая питала фантазию мастера, наполнила его творчество особыми мистическими нотками. Тщательный рисунок, благородство и гармония цветов, реалистическая манера живописи, соединенные с неожиданно сильными символико-мистическими аллюзиями, сделали Бёклина одним из самых популярных художников рубежа XIX–XX веков.

Француз Оноре Домье знаменит рисунками, графикой, живописью и скульптурой. Он создал более четырех тысяч литографий, тысячи гравюр на дереве и более пятисот живописных полотен. Домье — самый яркий представитель искусства политической, социальной карикатуры. Его острые работы до сих пор не потеряли актуальности, творения великого мастера отличаются самым актуальным звучанием. Они грубоватые, ироничные, всегда попадающие в точку. Художник создал многочисленные изображения простых людей без малейшей идеализации. Он был против монархии и сословных привилегий, сопереживал бедным, униженным и первым в мире стал затрагивать темы, которые даже сейчас, спустя более чем век, кажутся смелыми: равенство, проблема беженцев, права женщин и другие.

На данной картине изображен простой люд в театре. Несомненно, полотно является иллюстрацией тезиса «хлеба и зрелищ» — лозунга так называемого мещанского сословия. Помимо узнаваемых типов, остроумно, сатирически представленных, можно отметить умение изображать живую, очень динамичную реакцию публики на сценическое действо. Домье всегда оставался настоящим художником, которого интересуют проблемы композиции, колорита, образности. Здесь он ищет выразительность в смелых ракурсах и освещении. Величайший талант мастера проявился в том, что при почти монохромности этого произведения зритель сталкивается с целым букетом эмоций и движений. Герои созданы точными, лаконичными мазками, по праву закрепив за Домье славу рисовальщика и живописца.

Француз Оноре Домье — величайший мастер XIX века, художник, график, ваятель, один из тех, кто своим творчеством подготовил импрессионизм в живописи и скульптуре.

Дон Кихот — устойчивый образ, любимый герой Домье в его необозримом, богатейшем творческом наследии. Это очень экспрессивная, выразительная работа, одна из изюминок коллекции Новой пинакотеки. Композиция проста, использование цвета очень лаконично, фигура движется почти по пустыне, кажется, что в пустоте. Эффект усиливает полное отсутствие портретных черт, вместо лица — пятно. Это аноним, безымянный всадник в безымянной местности. При жизни художника данная картина не была оценена, только после его смерти стали признаны ее оригинальная манера исполнения и эмоциональная острота.

Немецкий художник Карл Шпицвег создал более тысячи картин. Диапазон его творческих интересов был чрезвычайно широк: карикатуры, идиллии, портреты, экзотические сценки, жанровые зарисовки, социальная сатира, горные пейзажи и многое другое. Манера и сюжеты менялись постепенно, от позднего романизма к бидермейеру и почти до импрессионизма. Шпицвег был знаменит созданием большого количества жанровых, поэтически тонко и точно подмеченных сценок.

Сюжет представленной картины прост, как и свойственно работам в стиле бидермейер: воспитанницы монастыря в сопровождении двух сестер совершают неспешную прогулку за городом. Художник мастерски передает настроение выходного летнего солнечного дня и небольшие подробности из жизни простых людей, обращая внимание и на фактурность проезжей дороги. Композиционно в центре внимания автора три группы: школьницы в центре, крестьянская семья слева и влюбленная пара справа, удаляющаяся в лес. Воспитанницы, их строгая, темных тонов монастырская одежда противопоставляются привольному летнему дню, трапезе крестьян и беззаботному отдыху влюбленных. Одна из девочек немного отошла от группы собрать букет, играющие деревенские дети с интересом смотрят на нее. Фигурка маленькой школьницы, ее движение в сторону отдыхающих придают картине особую жизненность и свежесть восприятия.

Карл Шпицвег, немецкий живописец романтизма, приобрел большую популярность в своей стране благодаря полотнам с жанровыми сценками в стиле бидермейер. Несмотря на то что автор был выходцем из среднего городского сословия и сам выучился живописному мастерству, ему было принципиально важно получить признание высших художественных кругов. В 1868 он добился этого и стал почетным членом Мюнхенской академии художеств. Добротность, граничащую с духом образцовой академичности и профессионализма, Шпицвег удачно сочетал с близкими сердцу простого горожанина небольшими сценками, наполненными теплотой и легким юмором.

На небольшой картине изображена остроумная сценка: мужчина провожает оценивающим взглядом молодых девушек, которые кажутся увлеченными лишь прогулкой. Название полотна моментально проясняет всю ситуацию: пожилой богатый вдовец в поисках новой супруги — ироничная, но, тем не менее, жизненная история. Особую пикантность ей придает окружение — великолепный старый тенистый парк со скульптурами.

Представленная картина Карла Шпицвега — одна из целой серии работ, изображающих часового в разных архитектурных и пейзажных декорациях. Она дает возможность живописцу проработать чисто художественную задачу изображения источника света в темноте. Поэтическая красота этого маленького по формату произведения заключается в контрастном сочетании атмосферы ночной улицы и образа стоящего на страже часового. Зритель даже ощущает специфическую тишину и сонный покой улочки, а одинокая фигурка солдата, стерегущего покой жителей, вызывает сочувствие. Название картины, указание на то, что и солдат зевает, придает этой сценке особую прелесть.

В позднем творчестве немецкий мастер Карл Шпицвег все больше приходит к предымпрессионистической манере письма. Обилие рисовального и живописного опыта, их жанровая направленность, умение разглядеть интригующие детали или яркие сюжеты в обыденной жизни позволили художнику развить подобную стремительную, легкую манеру письма. Картины Шпицвега пользовались большой популярностью среди бюргеров, для его творчества характерны остроумно поданные сюжеты, очень простые по содержанию и запоминающиеся по своему настроению.

Атмосфера представленной работы пронизана музыкой, молодостью и вдохновением. Дамы дарят певцу за исполнение песни лавровые венки победителя. Классицистический сюжет триумфа и аллегорических изображений муз, который любили высокообразованные художники-академисты, в условиях новой городской культуры получает иное, близкое к человеческой обыденной жизни звучание.

Художник понимал настроение молодого класса немецких горожан, так как свой путь начал аптекарем. Он до конца жизни сохранил свежесть восприятия, часто соединяя иронические нотки с меланхолией и тоской по традиционному, доиндустриальному общественному укладу. Первая профессия Шпицвега была связана также с химической наукой, что сделало его одним из самых искушенных знатоков и ценителей колористики его эпохи. Он сам смешивал краски, составлял новые оттенки. В позднем творчестве, в котором живописец очень близко подошел к мироощущению импрессионизма, талант Шпицвега проявился в полном объеме.

Камиль Коро — один из главных представителей французской барбизонской школы середины XIX века, отличающейся ярко выраженным стремлением к реализму в рамках романического направления. Авторскую манеру Коро характеризуют мягкие тона и сглаженные формы, свободная работа кистью. Живописец известен, прежде всего, своими пейзажами, но также создал большое количество портретов. В них царит лирическое настроение, подчас даже несколько пасторальная атмосфера. Как передовые художники того времени, Коро рисовал с натуры.

Представленная работа входит в серию похожих портретов («Еврейка Алжира», «Девушка-гречанка» и другие). Женские образы художника очень поэтичны, что только усиливается неоклассической гармонией цветов и почти неприхотливой простотой позы и общего настроения.

Густава Курбе традиционно относят к реалистическому направлению во французском искусстве середины — второй половины XIX века. При жизни художника реализмом считались и социальная критика, доходящая до едкой сатиры, и увлеченность низкими жанрами, и, как в случае Курбе, нежелание ассоциироваться с любым из установившихся и признанных академических направлений.

Мастер по праву является одним из родоначальников пейзажной живописи XX века. Данная картина представляет собой лирический пейзаж, который призван не только запечатлеть местность, но и выразить атмосферу тех дней, а также чувства самого художника. Пейзаж как лирическое отображение умонастроения творца именно со второй половины XIX века стал одним из главных средств самовыражения в живописи. Техника пейзажей Курбе авторская, он использовал множество приспособлений и инструментов: затирал тряпками, губками, мастихином (шпательным ножом) и пальцами красочный слой картины, применяя эти средства наряду с традиционными инструментами для придания особой художественной выразительности и неповторимой фактурности своим полотнам. Новаторским считается и отказ от симметрии, уравновешенности композиции в пользу «случайности» выхваченного фрагмента. Основной темой в творчестве мастера были пейзажи Восточной Франции. О художественных вкусах и предпочтениях эпохи красноречиво говорит тот факт, что природную «дикость» работ Курбе парижская публика находила шокирующей и дерзкой. Сам мастер основой творчества считал личные впечатления, его принципом было не считаться с мнением масс и модой. Для каждой картины он выбирал индивидуальную, особую только для этого произведения и обстоятельств, подходящую манеру письма. При этом как художник-реалист своего времени он утверждал, что живопись может изображать только существующие вещи.

Эдуард Мане — виднейший французский художник, повлиявший своим творчеством на смыслообразующие принципы искусства XX века. Авторская манера Мане развивалась в широком диапазоне: от классического французского реализма XIX века до импрессионизма. Его работы отличает сложный, многомерный сюжет, который при кажущейся простоте требует вдумчивого анализа.

Эта картина — один из шедевров коллекции Новой пинакотеки. На ней изображен Леон Леенхофф, сын пианистки Сюзанны Леенхофф, которая была сначала преподавателем Мане по фортепиано, а потом, в 1863, стала его женой. Исследователи высказывают мнение, что Леон, по всей видимости, являлся внебрачным сыном художника. Юноша часто ему позировал. Представленное полотно, как это свойственно для творчества Мане, сложное по своему замыслу. Служанка, курильщик, композиция из оружия на кресле, цветок в горшке, накрытый стол — все служит фоном к портрету Леона и одновременно создает ощущение многообразия жизни и движения вокруг главного героя. Юноша привлекает своей свежестью, впечатление быстро брошенного взгляда создается особыми художественными и композиционными приемами. Мане изображает героя расслабленно оперевшимся на стол, будто случайно вставшего лишь на несколько минут попозировать, чтобы потом, возможно, уйти прогуливаться или встречаться со своими друзьями — такими же элегантными, даже чуть франтоватыми юношами и девушками. Мастер вопреки традиционной академической любви к симметрии обрезает изображение по колено, взгляд юноши скользит в сторону от зрителя, свидетельствуя об одиночестве героя, его задумчивость особенно бросается в глаза среди обильных декораций, в которых он находится. Все это создает особое ощущение некоей интимности, как будто художник на минуту подпустил зрителя к показанной сцене, позволил взглянуть на истинную сущность и умонастроение дома и главного героя.

Налет меланхолии и ясная свежесть мимолетно брошенного взгляда — отличительные черты авторского стиля Эдуарда Мане. Обращает на себя внимание колорит картины — холодноватые, с сизым и стальным отливом цвета характерны для творческой манеры мастера. Он использовал такую палитру вслед за великим испанским художником XVII века Диего Веласкесом, перед которым преклонялся.

Французский мастер Поль Сезанн — величайший представитель современной живописи, один из влиятельных новаторов, вдохновлявший всех крупных художников XX века. Его творческий путь был многообразным, специалисты выделяют несколько периодов, в целом характеризуя Сезанна как постимпрессиониста.

В письмах Сезанн часто писал о своей любви к Провансу, к языку, народной музыке и ремеслам этой области, он ощущал себя художником из Прованса, призванным сохранять и развивать местные традиции. Гора Святой Виктории — визитная карточка Прованса, она стала объектом интереса всех местных художников, поэтов, писателей. В творческом наследии Сезанна изображение этой горы встречается чаще всех остальных сюжетов. Ее виды мастер запечатлел в более чем 60 полотнах маслом, не считая акварелей и рисунков. Они были интересны ему и с точки зрения творческих, живописных исканий, и как возможность запечатлеть символ местности.

Представленный пейзаж — зрелая работа мастера, но одно из первых изображений горы, манера написания свидетельствует о стиле, который художник разовьет к середине 1880-х. Простота композиции, повторение отдельных горизонтальных планов позволяют в полной мере ощутить спокойствие и величественность местности. Изображение дома слева удачно уравновешивает полотно. Темный коричневый холм, через который проходит дорога, вторит изогнутой линии горы, что придает всему холсту ощущение пространственного единства. Пейзаж наполнен романтическим стремлением к покою. Художник предпочел баланс теплых охристо-коричневых и голубых тонов, их гармония раскрывает щедрость и приветливость края. В этой местности до сих пор располагается родовое поместье семьи художника.

Немецкий художник Адольф Генрих Лир известен своей пейзажной живописью. Сначала он рисовал виды родных Альп и верхненемецких озер, создал большое количество горных пейзажей, но вскоре почувствовал, что особое творческое расположение питает к равнинам и долинам. Новый период в его работе начался в 1861, когда живописец совершил двухмесячное путешествие в Париж. Именно в художественной столице мира он познакомился с пейзажами Коро и Дюпре, их искусство произвело на него неизгладимое впечатление. Особенно новым, даже сенсационным, стал для провинциального мастера принцип реализма, который исповедовали французы. Вместо написания идеализированных отвлеченных картин природы Лир начал активно работать в области реалистического пейзажа.

Представленная работа — яркий пример этого направления в творчестве художника. В композиции картины видно большое влияние романтического пейзажа, в русле которого сформировался Лир-живописец: на первом плане — край горы слева, он становится своеобразной точкой отсчета и обрамлением картине, как театральная кулиса. На втором плане развивается основное действие — работа в карьере. Видны только фигуры, лица неразличимы, художника интересует общая панорама. Третий план мастерски передает ощущение бескрайнего простора. Использование темно-коричневого цвета на переднем плане, постепенное высветление коричневых тонов и использование сдержанных теплых оттенков голубого придают полотну гармоничную завершенность.

Признанный представитель неоклассицизма Германии Ансельм Фейербах прославился картинами на мифологические и исторические сюжеты. Его вдохновляла величественная простота греческой пластики и благородное мастерство титанов Ренессанса. Творчество художника пронизано тоской по ушедшему идеалу. Он мастерски владел живописной техникой, искусством колористики, но не увлекался эстетикой отстраненного, холодного академизма.

Представленное полотно является лучшим свидетельством этого. Фейербах по-своему перерабатывает классические образы путти — юных ангелов, распространенных со времен итальянского Возрождения. Он переносит их в южный лес. Игра детей, легкая манера нанесения красок — все говорит о забавах и наслаждении солнцем. Создается впечатление, что стимулом к написанию картины был не сюжет, а настроение, атмосфера беззаботности летних дней.

Всемирно известный живописец Клод Моне — самый яркий представитель и основатель наиболее влиятельного художественного течения XX столетия — французского импрессионизма. Именно в в год написания этого полотна он открыл первую выставку импрессионизма.

На полотне в узнаваемой манере изображен построенный через Сену мост у местечка Аржентёй. Отметим сразу характерную черту французского импрессионизма — любовь к новизне. Это направление давно стало классикой живописи. Можно даже утверждать, что наиболее консервативные художники современности — импрессионисты, однако более ста лет назад ситуация была кардинально иной. Импрессионизм означал все самое современное и передовое, что было в художественной культуре Европы. Помимо революционных живописной техники и способа видеть мир французские импрессионисты любили сюжеты на тему современной индустрии и техники. Особенно их привлекали металлические конструкции новой архитектуры и промышленности.

На представленной картине Моне изображает недавно, в 1872, после окончания Франко-прусской войны, построенный мост. (За год до этого главной темой одной из своих работ мастер сделал подъемные краны Гаврского порта.) В этом местечке Моне обосновался с семьей после возвращения из Англии, куда был вынужден переселиться из-за войны. Здесь он впервые начал работать в лодке, оборудованной под ателье, поэтому наследие художника в этот период представляет собой почти исключительно пейзажи, созданные непосредственно с натуры в разную погоду и время суток.

Колорит картины свидетельствует о работе с натуры и на пленэре. Преобладают коричневые краски, вкрапления зеленоватых тонов, наиболее характерна энергичная работа с разнообразным по интенсивности голубым цветом.

Эдуард Мане — один из самых значительных художников Франции второй половины XIX века. Его творчество связывает реализм и импрессионизм в единый поток исканий большинства европейских живописцев. Показателен путь, который прошел Мане. Он начинал как большой поклонник работ романтического реалиста Эжена Делакруа и Густава Курбе, из странствий по Европе вынес любовь к старым средневековым и ренессансным мастерам, а в 1874 присоединился к молодым импрессионистам.

Сюжет данной работы типично импрессионистический — мотив путешествия в лодке и речные этюды. При этом в картине присутствует несколько слоев рефлексии, что свидетельствует о солидной, глубоко укоренившейся классической традиции, присущей творчеству живописца в целом. На ней изображены художник-импрессионист Клод Моне и его жена Камилла в их лодке-ателье недалеко от местечка Аржентёй. Герой рисует, возможно, тоже лодку. Его спутница, наверное, станет героиней этой картины в картине. В представленной работе Мане использует мотив отражений, повторений, рифмующихся поз, предполагаемых действий героев. Характерно для него и особое выражение лиц персонажей — они погружены в себя, при этом складывается ощущение, что автор близко подпускает зрителя к своим героям. Колорит картины классический: преобладают синий и коричневый цвета. Художник стягивает окружающий пейзаж до размеров лодки, создавая почти интимную атмосферу. Этой сжатости пространства способствуют метод наложения тонов — от условно светлого вдали до темного на первом плане, а также мягкие линии как самого судна, так и навеса. В позе женщины угадывается увлечение художника японским искусством, фигура написана условно. При кажущейся однозначности сюжета, картину Мане можно рассматривать очень долго.

Немецкий живописец Адольф фон Менцель знаменит благодаря своим историческим полотнам. Успех рано пришел к художнику, он прославился иллюстрациями времени Фридриха Великого, прусский король стал одним из главных героев немецкой истории, он заложил основы просвещения нации и начала немецкой государственности. Особая атмосфера высоких идеалов истории отечества сформировала привычки Менцеля. Он отдавал предпочтение точным деталям при общем умении передать настроение и характер любого события.

Представленная картина как нельзя лучше демонстрирует причины успеха мастера у немецких любителей искусства. Он изобразил традиционное в Германии и Австрии торжественное праздничное религиозное шествие, посвященное празднику Тела Господня. Сюжет, как это ни удивительно, напрямую связан с жаркими дебатами по вопросам католической веры. Именно в 1880-е немецкое общество активно обсуждало религиозность страны, роль католичества в формировании государственности и национальной идентичности. Немецким зрителям того времени сразу бросилось в глаза, что художник сопоставляет религиозную трепетность католиков с толпой либеральной, нерелигиозной публики, отдыхающей на австрийском курорте в местечке Хофгаштайн, чинную поступь католических священнослужителей с живописным хаосом поз и жестов гуляющих обывателей. Менцель мастерски пользовался возможностями сюжета, чтобы увлечь зрителя яркими красками, красотой древнего богослужебного празднества и показать разнообразие портретных характеристик своих современников. Картина полна оживления и остроумно воспроизводит будни буржуазного курорта второй половины XIX века.

Немецкий художник Ханс Тома сформировался под влиянием идиллического искусства начала XIX века, а также благодаря особому интересу и любви к средневековым живописцам Германии — Альберту Альдорферу и Лукасу Кранаху. До 1877 пейзажи были главной темой его творчества, позже к ним прибавились религиозные произведения, аллегории и портреты. В творческом наследии Тома видное место занимают пейзажи из Шварцвальда — одной из самых живописных областей Германии. Стилистически пейзажи не эволюционировали: точное описание природы художник мастерски совмещал с поиском наилучшего выражения поэтизированного впечатления от мира в целом. В его работах сквозит лирический пантеизм — внутреннее стремление к единению с природой. Лучше всего Тома удавались пейзажи родных мест. Он отдавал предпочтение светлой палитре, отчего атмосфера в его работах пропитана меланхолией и особой тишиной.

Колорит этой картины, немного выцветшие краски, внимание к контуру роднят произведение с творчеством английских прерафаэлитов. Главный акцент представленного полотна — подчеркнуто крупно проведенные лучи пробившегося сквозь облака солнца. По сравнению с почти игрушечными людьми слева и лубочным, сказочным характером их изображения они приобретают особое звучание, придавая всему произведению вселенский масштаб.

Немецкий художник Ханс Тома — один из представителей искусства символизма. Эти интерес и родство проявляются, прежде всего, в особом колорите полотен, живописец предпочитал слегка выбеленные, как будто потускневшие от времени или солнца тона. Его картины несут сильнейший отпечаток идиллических и романтических образов и сюжетов начала XIX века. Они дышат свежестью и меланхолией безвозвратно ушедших эпох.

Сюжет представленного произведения романтический по своему характеру: молодой человек мечтательно глядит на живописную солнечную долину. Художник, а вслед за ним и зритель делают это глазами изображенного персонажа и отстраненно смотрят на всю картину в целом. Тома использует интересную стереометрическую панорамную композицию: такое перспективное построение делает зрителя главным адресатом работы, при этом трудно понять, кто ее главный герой — человек или природа. Над холстом властвуют огромное голубое небо и летние облака.

Французский художник, график и скульптор Пьер Огюст Ренуар — один из самых влиятельных представителей школы импрессионизма. Его полотна отличаются высочайшим живописным мастерством.

В этом раннем произведении видны основные принципы работы Ренуара. Он предпочитал создавать эффект случайного, фотографически быстрого запечатления модели. Мастер не только писал портрет, но выражал образ женщины с помощью цветовых сочетаний. Он использует два ярких акцента — иссиня-черные тона платья и морковный губной помады. Холодными оттенками художник передает специфическую белизну груди героини, а розовые, желтые и голубые блики буквально лепят полное, мягкое лицо. Холст дышит свежестью, здоровьем и молодостью.

Наибольшую славу Пьер Огюст Ренуар приобрел благодаря своим портретам. Живописец в типичной импрессионистической манере, сохраняя условность цветовых сочетаний, искал новые средства выразительности. В данной картине он точно соблюдает портретные черты модели, но полностью отказывается от репрезентативной позы. Ренуар изображает Бернара в трехчетвертном ракурсе, отвернувшимся от зрителя. Этим он добивается эффекта случайности, легкости, моментальности впечатления, притом показывая сосредоточенность и самоуглубленность героя, который будто не знает, что на него смотрят. Бернар заглядывает куда-то в папку или сумку, его движение усиливает интригу, создавая иллюзию близости к герою.

Пьер Огюст Ренуар, как и многие великие мастера, на протяжении своей творческой жизни постоянно находился в поиске, не раз меняя стиль, манеру и направления, но оставаясь при этом яркой, цельной личностью.

Представленная картина хорошо передает эволюцию искусства Ренуара. В 1870-х он был одним из лидеров импрессионизма, здесь это нашло отражение в общей фактурности, импрессионистическом характере пейзажа. В 1880-е автор отошел от распыленной формы, отказался от программного преимущества цветовых бликов. Он отдал предпочтение неоклассицистической сдержанности красок, большей самоугубленности работ, пластически ощущаемой композиции. К 1890-м художник последовательно прошел увлечение «перламутровыми», а позже «красными» тонами, что отразилось как в названии авторских стилей мастера, так и в общей палитре его картин. На данном небольшом полотне видно, как свободная, эскизная, беглая манера писать сочетается с отстраненной холодной гаммой, напоминающей средневековый гобелен. Линии рисунка намеренно теряют гибкость, они растворяются в круговороте мазков, размашистых и пластичных. Еще современники, первые поклонники таланта Ренуара, отмечали его любовь изображать переходные состояния, в которых отсутствует определенность настроения и действия. Это дразнило воображение зрителя зыбкостью атмосферы и неуловимостью ощущений.

Арнольд Бёклин — знаменитый швейцарский мастер эпохи символизма. Этот художник повлиял на образный ряд большинства живописцев своего времени. В начале творческого пути он занимался по преимуществу пейзажами, в которых главными были символическое, многозначно читаемое настроение и передача внутреннего мира автора. После 1860 он начал изображать мифологических персонажей, выражавших пантеистическое начало мироздания. Этот пантеизм очень повлиял на всю эстетику символизма.

Наряду с образом Пана Бёклин часто писал представленных здесь тритонов — морских кентавров, олицетворяющих мужской эрос. Обращает на себя внимание история возникновения данного сюжета. Художник изобразил реальное событие, преобразив лишь символическую канву. Бёклин проводил летний отдых с семьей своего друга, исследователя морских глубин, Антона Дорна на острове Искья, Италия. Во время изучения морского дна Дорн неожиданно выскочил из воды около одной из дам, чем поверг ее в панику. Происшествие отразилось внезапной вспышкой в воображении Бёклина, он перенес этот момент в мир сказочных и опасных морских существ.

Картина поражает своей откровенной реалистичностью, эффектом присутствия. Этому способствует выбранная композиция: буйство, сила волн, без намека на горизонт, отсутствие устойчивой точки, взгляд перемещается с волн на выражения лиц. Тритоны веселятся, наяды беззаботно ныряют, а героиня на первом плане, смотрящая как бы в сторону зрителя, испытывает животный страх, в глазах — надежда на спасение и одновременно ощущение загнанности, тупика. Этот большой холст привлекает внимание полным ощущением нестабильности, даже ужаса и угрозы, которые исходят от него, несмотря на, казалось бы, простой мифологический сюжет.

Великий голландский художник Винсент Ван Гог известен своими работами в стиле постимпрессионизма. Они наполнены суровой красотой, эмоциональной открытостью, насыщенным цветом и настойчиво-тревожным вглядыванием в окружающий мир, который одновременно манил и пугал мастера.

Данная картина представляет ранний период творчества живописца, в котором наибольшую известность получили жанровые работы. С 1883 по 1885 он жил в голландском городе Нюэнен. Ван Гог до конца жизни жадно и страстно рисовал все, что видел, поэтому сохранилось множество полотен, изображающих жизнь обывателей города, многочисленные натюрморты и около десятка холстов, на которых запечатлены местные ткачи за работой. Общее для них — колористическая гамма, она всегда сурова и стремится к монотонности, не теряя при этом внутренней силы.

Начав изображать труд ткачей, Ван Гог романтизировал жизнь простых людей: от интерьера на представленной картине веет атмосферой домашнего уюта, романтикой образа простого труженика. Художнику потребовалось около полугода интенсивных сеансов рисования ткачей, чтобы найти удовлетворяющее его решение. Как раз эта работа — одна из двух, венчающих цикл. Ван Гог сопоставляет безымянного ткача с его монотонным трудом и открытое окно, в котором видится манящий автора простор. Поиск своего места в этом мире как художника был для Ван Гога, страдавшего душевными болезнями, не только мировоззренческим, но и насущным, жизненным вопросом. Он придавал большое значение композиции и тому, что изображал, для него это означало способность воспроизведения жизни в огромном и пугающем мире. Эта двойственность восприятия, к которой пришел мастер в данном холсте — отстраненность и растворенность в предмете, — с того времени стала творческой манерой Ван Гога.

«Подсолнухи» — одна из самых знаменитых картин Винсента Ван Гога. Она поражает своим сочным цветом, фактурностью и особым ощущением жизненной силы. Художник создал ее для украшения своего ателье в Арле в августе 1888, где планировал работать вместе с другим гениальным живописцем — Полем Гогеном. Ван Гог очень просто и подчеркнуто плоскостно нарисовал цветы в вазе. Обращает на себя внимание фон. Мастер использует холодные оттенки бирюзового и теплые тона темно-золотого цветов. В работе, как это было свойственно для творческого кредо художника, проявляются одновременно богатство жизненных сил и трагическая обреченность всего живого на увядание. Он добивается совершенно особого эффекта, наделив обычный летний натюрморт символическим, монументальным звучанием. Эта двойственность восприятия мира всегда привлекала ценителей искусства Ван Гога.

Винсент Ван Гог — величайший представитель постимпрессионизма. При всей кажущейся простоте холстов он постоянно задает загадки почитателям своего таланта.

На этой картине изображено цветение орхидей в апреле в Арле. Работа воспринимается как пейзаж, а при этом прямо отражает состояние живописца, в котором ясность и простота мировосприятия находились в постоянном конфликте с окружающей реальностью. Все работы Ван Гога читаются двойным способом: как чисто художественное явление, где важны композиция, колорит и сюжет, и как портрет эмоционального состояния самого автора, своеобразная летопись его внутренней жизни. Светлые, теплые тона, преобладание сизо-салатовых оттенков создают особую, ясно читаемую атмосферу нежной весны. Эти тона как будто отвечают процессам цветения, зритель сразу в них погружается. Даже город, который виднеется вдали, превращен в большой огород. Очевидная полнота, с которой представлена идея зарождения жизни, жестоко сталкивается с мотивом невозможности попасть в этот «огород природной щедрости», деревья — будто барьеры, преграды, решетка тюрьмы. Ван Гог всегда уделял большое внимание строению картины, важную роль в его работах занимает наличие или отсутствие пространственного единства композиции. Здесь планы наступают друг на друга, ломают его. Если судить по многочисленным сохранившимся письмам художника, важным образом в его работах предыдущих периодов была фигура пашущего крестьянина, связанного с библейскими аллюзиями засевания почвы. Светлая палитра и небольшие мазки-удары кисти свидетельствуют еще о влиянии импрессионизма, но общая концепция мировоззрения живописца совершенно самобытна.

Винсент Ван Гог по праву считается одним из самых ярких представителей французской школы живописи. Именно она стала эталоном мастерства, приемов, стилей и даже образа жизни для мировой художественной сцены XX века. В представленном полотне манера Ван Гога безошибочно узнаваема, каждая картина писалась им как откровение, моментальное, свежее впечатление. Художник писал пастозно, то есть очень густо, скульптурно наносил краску на холст, в этом проявлялась его особая страстность. Он рисовал очень много, это ярко свидетельствует о том, что помимо поиска собственной концепции и создания смысловой и тематической канвы в полотнах, для него существовало извечное желание творить. Неиссякаемой энергией деятельности отмечены все картины гениального автора.

Последнее лето в 1890 Ван Гог провел в местечке Овер-сюр-Уаз недалеко от Парижа. Там он написал около 80 полотен, создавая иногда по два в день. Необходимо отметить еще одну особенность творческой манеры живописца: его работы одновременно отвлеченны, придуманы, даже сказочны, но при этом атмосфера, передающаяся через эту «сделанность», соответствует хорошо знакомым любому человеку ощущениям природы. Глядя на эту картину, зритель чувствует порывы ветра, ароматы поля, тепло солнечного дня, кажется, ощущается даже запах нагретых трав. Облака на полотне как будто нарисованы ребенком. В этом сочетании узнаваемых ощущений и художественной условности, почти детской наивности состоит своеобразие таланта Ван Гога. Данному и другим произведениям цикла особое звучание придает то, что однажды августовским вечером мастер, испытывавший серьезное нервное напряжение, вышел в поле и выстрелил себе в грудь. Спустя сутки он скончался.

Австрийский художник Карл Шух большую часть жизни провел в Германии, Италии и Франции. Он является одним из самых значительных колористов среди мастеров рубежа XIX–XX веков. С 1882 по 1895 живописец жил в Париже, где впервые познакомился с творчеством Клода Моне. Шух сравнил гениального француза со своим самым большим кумиром — Рембрандтом и навсегда остался верен творчеству этих двух гениев европейского искусства. Неоклассический темный благородный колорит картины и традиционный для натюрморта сюжет ярко свидетельствуют о творческих ориентирах мастера. С большим вниманием выписана фактура предметов, и с видимым наслаждением изображена игра света в стеклянном бокале.

Французский художник Поль Гоген оставил яркий след в истории искусства XX века. Одним из самых популярных циклов его работ стало изображение жизни крестьян региона Бретань у Атлантического океана. Эта местность славилась своими древними традициями, сказками и легендами, оригинальным колоритом. Неудивительно, что она привлекла внимание мастера, который всю жизнь стремился к особой культуре, традиционному укладу, бежал от цивилизации, искал простоты и вековой мудрости людей, выросших в природе.

Работа дает наглядное представление о ранней постимпрессионистической манере ее автора. Специалисты называют метод, который он выработал во время создания этого цикла, «бретонским синтетизмом». Художник делает фигуры плоскими, отказывается от классической перспективы, становящейся для него символом рассудочной западной цивилизации. Силуэты крестьянских женщин написаны так, будто это не живые люди, а почти магические существа, идолы вне времени и пространства. Следует обратить особое внимание, что живописец использует контрастные краски: красный, зеленый, голубой. Манера письма еще импрессионистическая, он пока не использует локальный, сплошной цвет. Общий колорит картины несколько выбелен, что придает полотну подобие гобелена. Мастер словно помещает девушек вне бытовой жизни. Уже через год после написания этой работы Гоген отправился в свое первое экзотическое путешествие на Панаму и Мартинику. Именно неклассический мир тропиков со своими многовековыми местными устоями станет его настоящим домом.

Поль Гоген является одним из самых ярких представителей постимпрессионизма в истории искусства. Наибольшую популярность и славу он приобрел после того, как открыл для европейской публики особый колорит и художественные традиции тропических стран. Именно там мастер выработал стиль, который назвали «синтетизм» Гогена. В это понятие входит использование ярких красок, смелых цветовых контрастов, упрощенных форм, стремление к плоскостности, лаконизму и аскетизму в деталях. Предпочтение отдавалось простым впечатлениям и открытым эмоциям, поэтике мудрой жизни бедняков и туземцев.

В 1887 Гоген отправился в свое первое путешествие на экзотический остров Мартиника. Именно там он понял, что для творческой работы ему требуются уединение, бегство от тягот и суеты европейской жизни. Стилистически пейзаж выполнен в авторской манере, развитой еще в Бретани: небольшие, жестковатые мазки, образующие плотную фактуру изображения, и преимущественно темная, чуть выцветшая красочная палитра. Довольно быстро художник столкнулся с тем, что приемы импрессионизма не подходят для сочного великолепия щедрой тропической природы. Болезнь и отсутствие работы не позволили Гогену долго оставаться на острове, после серьезной болезни мастеру пришлось покинуть тропический рай.

Фриц фон Уде — известнейший художник Германии рубежа XIX–XX веков. Данная картина представляет социально-критическую сторону его творческого наследия. Молодая бедно одетая пара медленно ступает по размытой дороге в сгущающихся сумерках. Беременной жене с трудом дается каждый шаг, ее поддерживает супруг. Несмотря на беглые мазки кисти и общую раскрепощенную манеру нанесения красок, сближающие живописца с импрессионизмом, детали прописаны довольно точно и последовательно. Одиночество и неприкаянность пары соответствуют состоянию окружающей природы. Пейзаж вокруг, темнота, дождь и неустроенность призваны символизировать настроение героев. Художник снабдил мужчину атрибутами столярного дела, чтобы зритель мог судить о его профессии. Эту характеристику, на которой мастер заостряет внимание, можно объяснить двумя мотивами: в период написания картины среди плотников и столяров царила безработица, так что она может рассматриваться с точки зрения социальной критики. Еще один заключается в том, что фон Уде посвятил большую часть своего творчества живописи на религиозные сюжеты и первоначально назвал эту работу «Путь в Вифлеем». Это, безусловно, наделяет ее сильнейшими библейскими аллюзиями. Незамысловатая, казалось бы, сцена мыслилась художником символически, через бытовую канву сквозит непреходящий смысл, общечеловеческое значение. Эмоциональные и даже нравственные аспекты восприятия этого произведения усиливает то, что дорога, по которой тяжело идти героям, теряется вдали и не имеет конца.

Бельгийский живописец Фернанд Кнопф по праву приобрел всемирную славу одного из самых ярких художников-символистов Европы. Он взял название для этой картины из стихотворения английской поэтессы Кристины Россетти. Она была сестрой Данте Россетти, английского художника-прерафаэлита. Данное направление было близко Кнопфу.

Представленная работа дает наглядное представление о ценностях искусства символизма. Она полна значимых, говорящих символов, призванных поведать зрителю о тайной жизни бессознательного, души человека, его подчас неосознанных мечтаниях, а также поэтически осмыслить роль самого художника как вдохновленного знатока этого внутреннего мира. Упомянутое стихотворение посвящено скрытым силам в душе женщины, которая одновременно стремится сберечь свои тайны и ждет, как гласит его название, «Кто выпустит меня». Интерьер, безусловно, обозначает внутренний мир, душу, а дверь ведет, несомненно, во внешний мир, в реальную жизнь, которая полна соблазнов и угроз.

В творчестве Кнопфа, что свойственно и символизму в целом, важную роль играет интерес к сферам сна, подсознания, гипноза, мистики. Зрачки героини нарисованы так, что видно, что в действительности она спит наяву, изображен слепой, одурманенный, «месмерический» взгляд. Важную роль в общем строе картины играет скульптурная голова бога сна Гипноса, оригинал которой хранится в Британском музее в Лондоне. Интересно, что Кнопф сам вылепил ее копию и запечатлел реплику в нескольких работах. Бог сна был для него важным символом, ведь художник увлекался гипнотическими сеансами. Цветы тигровой лилии также могут многое сказать о концепции картины: в противовес белой лилии — символу Богородицы и невинности — образ тигровой несет эротические аллюзии, восходящие к ветхозаветным текстам Песни песней. Так, картина создана автором из нескольких значимых слоев, наполнена смыслами, уводящими далеко за ее визуальную повествовательность.

Представленное полотно — одно из самых известных произведений знаменитого немецкого художника-символиста Франца фон Штука. Его сюжет и символика одновременно просты и многозначны. Женщина со змеем, олицетворяющая грехи и человеческие пороки, написана в чрезвычайно темных тонах. Белым ярким пятном представлена ее нагота. Лицо героини неприятно-серого цвета, в ней сразу ощущается что-то порочное, взгляд одновременно спокоен, а из-за серого цвета настораживающе зол, демоничен. Живописец обыгрывает и библейский образ Евы. Очень характерным для большей части искусства символизма служит тот факт, что узнаваемый, хорошо прочитываемый символ и ассоциации воздействуют на зрителя с помощью художественных средств — колорита, композиции, усиливая общее впечатление. Показательно, что автор сам изготовил оригинальную, кричащую своим богатством с декадентским акцентом раму. Зрителю становится понятно, что грех прячется под яркими роскошными одеждами.

Густав Климт — величайший художник Австрии, представитель символизма, основоположник модерна, один из самых влиятельных мастеров «Венского сецессиона». Центральной темой в его творчестве стали женские образы и разнообразные аллегории. Авторская манера Климта весьма узнаваема. Он предпочитал вводить в картины золото, оставаясь в целом в рамках символисткой сине-коричневой гаммы и декоративных канонов модерна с преимуществом тонкой, гибкой линии. Климт преобразовал традиционные аллегории в символико-эротические панно. Смелые эксперименты с запретными аллюзиями создали скандальную славу художнику, который много работал в монументально-декоративной живописи для общественных зданий Европы.

В представленной картине четыре важных композиционных и смысловых фрагмента. Фигура молодой девушки в простом черном платье явно отсылает к образу музы, аллегории музыки. Она держит золотую кифару — древнегреческий инструмент, традиционный символ Аполлона и Терпсихоры. Следующим важным акцентом является охристый цвет глиняных идолов — сосудов для вина в виде древнегреческих богов Пана и Сфинкса. Пан считался богом плодородия и дикой природы, возможно, художник также обыгрывает образ Вакха, Диониса, помня о дионисийской культуре Фридриха Ницше. Сосуды с изображением Сфинкса хранятся во многих музеях мира, один из них стал прообразом для этого полотна. Наконец не меньшую символическую значимость несет насыщенно синий фон картины. Это цвет ночи, которая в искусстве рубежа веков обозначала тайные, мистические стороны души и жизни человека, это время суток, когда совершаются как чудеса, так и преступления, не стоит забывать и об его откровенно эротическом смысле. Символика синего цвета разнообразна. На этой поливариантивности интерпретаций традиционно держится искусство символизма, когда каждый выбирает трактовку по душе. Так, синий может быть и образом вечности, ночи, неба, божественного, мудрости, тайны, меланхолии и телесной любви. В целом картина привлекает внимание богатством декоративной трактовки и многозначностью темы.

Художник Арман Гийомен — типичный представитель французской школы пейзажной живописи рубежа XIX–XX веков. Он до конца дней дружил с Полем Сезанном и Камилем Писсарро, его мастерство сформировалось под их влиянием. Гийомен был постоянным участником выставок импрессионистов. След в его жизни оставила и дружба с гениальным Винсентом Ван Гогом.

Творчество Гийомена известно современному любителю искусства в основном пейзажами предместий Парижа и Лазурного Берега. Он — один из самых заметных творцов «школы Крозан», названной по деревушке, виды которой писала большая группа художников (более 500 человек) на протяжении долгого времени, с 1830 по 1950.

Обращает на себя внимание специфический колорит полотна. Использование именно таких ярких холодных красных, голубых и зеленых тонов было свойственно автору. Палитра свидетельствует о его творческом методе, сформировавшемся на стыке импрессионизма и постимпрессионизма с его еще более смелыми экспериментами, контрастами на основе общей, расплывающейся, пестрой и одновременно жесткой формой. Для манеры Гийомена также характерно сочетание, перенятое, безусловно, у Ван Гога, почти сказочной условности в передаче огромного мира и внутренне оправданного стремления к подлинным ощущениям жизненной силы окружающей действительности. Художника завораживает многообразие состояний осенней природы, при этом он стремится к постоянству собственных ощущений благодаря собранной, особенно четко, математически, выверенной композиции.

Макс Клингер — знаменитый немецкий художник и скульптор европейского символизма. Стилистически его метод близок французским импрессионистам и живописцам, работавшим на пленэре. Полотна Клингера полны воздуха и света, мастер стремится запечатлеть легчайшие движения атмосферы. В сюжетном отношении он, безусловно, — один из самых ярких представителей символизма, который мог любой самый простой мотив возвысить до монументального звучания, представленное полотно лучшее доказательство этого.

На вытянутом холсте изображена лежащая обнаженная женщина. Ее полузабытье, полусон, задумчивость наряду с таинственно мерцающей голубым светом водой заставляют думать, что название картины было лишь предлогом для ее создания. Художник как будто помещает героиню вне времени и пространства, подводя зрителя к мысли, что она то ли богиня, то ли идол, то ли его собственный мираж. Полотно пронизано ощущением сюрреалистического бытия, гипноза, вспоминается тема месмеризма, которая была так популярна у художников на рубеже XIX–XX веков. Клингер точно и деликатно варьирует классические земельные, природные цвета и голубовато-зеленые оттенки водяной глади. Женщина на этом полупрозрачном, ускользающем фоне написана очень пластично, скульптурно, статуарно. Эта фактурность и особая телесность не дают зрителю покоя, заставляя снова и снова вглядываться в произведение, чтобы угадать: все-таки человек на нем изображен или идол. По освещению в картине непонятно, утро ли это, что могло бы символизировать начало новой жизни, фазы, слепящий полдень или предзакатный синий вечер.

Макс Либерман — важнейший представитель немецкого импрессионизма рубежа XIX–XX веков — имел славу одного из видных деятелей художественной жизни страны конца XIX века. В начале карьеры о Либермане и его творчестве ожесточенно спорили, потом он стал главным импрессионистом Германии, а к концу жизни открыто и смело критиковал пришедший к власти гитлеровский режим. Живописец активно сотрудничал с директором Новой пинакотеки Гуго фон Чуди, ездил с ним в Париж, закупал полотна французских импрессионистов, познакомился с Эдгаром Дега.

Развивать импрессионистическую манеру письма мастер начал, пройдя период реализма, с середины 1890-х. Умение через пейзаж передать тончайшие оттенки переживаний и заставить зрителя в простом увидеть сложное Либерман получил во время своей работы в знаменитой барбизонской колонии художников во Франции. Там он с 1873 провел около пяти лет.

Данный пейзаж очень гармоничен по колориту, в нем преобладают спокойные оттенки голубого, коричневого и зеленого. Эта небольшая по размеру картина сделана математически четко, композиционно художник разделил ее на несколько крупных, уравновешенных между собой участков, которые придают ей особую атмосферу уюта и при всем беспокойстве импрессионистически свободных мазков чувство стабильности. Работа дает представление о том направлении в живописи второй половины XIX века, в котором пейзаж стал пониматься как портрет личности самого художника и его настроения.

Знаменитый французский художник Поль Синьяк — представитель неоимпрессионизма и один из основателей направления в живописи, которое назвали пуантилизмом. Он прославился картинами, изображающими океаны, моря и реки. Мастер очень любил путешествовать и, по рассказам, сменил за жизнь более тридцати лодок. Основным речным маршрутом во Франции для него стала Сена. Из таких странствий Синьяк привозил много холстов, небольших дорожных зарисовок, где главными героями были водная гладь и солнечный свет.

Представленное полотно — одно из известных в этой серии зарисовок путешествия художника по Сене около местечка Самуа. Характерна манера, в которой написана картина: мастер использует крупные, уверенные, точечные мазки — удары кистью. Яркими оранжевыми и красными тонами он намечает предзакатные лучи солнца. Его вечерний свет создает костяк работы, заливает все предметы, даже синева воды как будто затоплена густыми кремовыми, желтыми, оранжевыми и брусничными цветами солнечных лучей. Пятнами мастер увлеченно строит пейзаж, движениями кисти пластически формирует всевозможные отражения на воде. Именно блики, их колористическая и образная трактовка по праву стали одной из «визитных карточек» полотен мастера.