Романтизм сложился в западноевропейском искусстве на рубеже XVIII–XIX вв., на гребне подъема освободительного движения в Греции, Италии, Польше. Романтический герой — свободолюбивая, гордая и независимая человеческая личность, неповторимая и значительная в силу своих собственных, а не сословных достоинств; он находит счастье в борьбе, а примеры для подражания — в героическом эпосе или реальной истории.
Лейтмотив творчества романтиков — неудовлетворенность окружающей действительностью. И если в Западной Европе речь шла о разочаровании общества в результатах буржуазной революции и идеалах просветительства, то в России романтический протест был направлен против феодализма и крепостничества, а просветительские представления о прогрессе, разумном устройстве общества, правах и достоинстве личности русскому романтическому течению были очень близки. Благодаря этому в одном произведении романтические черты художественного образа часто сочетались с классицистической стилистикой.
Ярче всего романтизм проявил себя в портретном искусстве. Романтический портрет утверждает неповторимую индивидуальность духовного мира человека, его отличают непосредственность выражения, точность и острота физиономической характеристики, живая эмоциональность.
Самым значительным портретистом первой трети XIX в. был Орест Адамович Кипренский (1782–1836). Уже в 1804 г. он создал одно из самых интересных своих произведений — портрет отчима — Адама Швальбе. В нем молодой художник раскрыл незаурядный характер человека, который, несмотря на свое зависимое положение крепостного, сохранил высокое достоинство и даже обладал чертами своеволия и властности.
Кипренский очень выразительно показал сложность человеческой натуры, в которой темные и светлые стороны, жестокость и добросердечие сливаются в одно противоречивое целое. По манере светотеневой лепки лица, по колориту, выдержанному в общей коричневатой тональности, по глубине психологической характеристики образа эта работа тяготеет к творчеству старых голландских мастеров, в частности Рембрандта. (Увлечение европейской живописью XVII столетия и эпохи Возрождения вообще характерно для романтиков.)
В творчестве Кипренского сформировался своеобразный тип камерного портрета, с проникновенной глубиной раскрывающего духовную жизнь человека. Большинство героев Кипренского являются носителями высшей доброты, высоконравственного, гуманистического начала. Им также свойственна «духовная жажда» (о которой писал А.С. Пушкин), связанная с ожиданием великих общественных перемен, предчувствием и страхом разочарования.
В этом смысле весьма характерен портрет мальчика А.А. Челищева (1810/ 1811) — будущего участника Отечественной войны и декабриста. Здесь непосредственность и пылкость натуры, сквозящие в еще детском милом лице, дополнительно акцентированы ярко-красным пятном жилета, словно вырывающимся из груди язычком пламени.
Расцвет графического искусства Кипренского пришелся на 1812–1815 гг., когда он создал незабываемую портретную галерею своих героев-современников, защитников Отечества. На этих чуждых официальности, реалистических портретах запечатлены люди высокого благородства, стойкости и твердой решительности, те, кто впоследствии на Сенатской площади открыл новую страницу российской истории (портреты Е.И. Чаплица, А.Н. Оленина, А.Р. Томилова, А.П.Бакунина, Н.М.Муравьева, П.А.Оленина, 1813).
Рисунок Кипренского удивительно живописен: в карандашной технике он способен отразить всю пластичность живой формы, запечатлеть характерные детали, имитировать цветовые оттенки, разнообразие фактуры.
В 1816 г. Кипренский побывал в Италии, которую романтики считали «землей обетованной». Их интерес к искусству прошлого получал в Италии естественный стимул. Портреты Кипренского имели большой успех у искушенных итальянцев. После смерти художника А.А. Иванов назвал его первым из живописцев, кто «вынес имя русское в известность в Европе».
В импозантном облике молодого аристократа A.M. Голицына (около 1819) сквозит глубокое внутреннее напряжение, подчеркнутое нервно сцепленными пальцами рук. Выразительность портрета построена на контрасте возбужденного состояния человека и величественного спокойствия пейзажа с классически гармоничным куполом собора Святого Петра.
В портрете Е.С. Авдулиной (1822), исполненном под влиянием увиденных в Италии работ мастеров эпохи Возрождения, художник создал философски-пессимистический образ уходящей юности, дополненный символическим мотивом — осыпающимся цветком на окне.
Главным действующим лицом романтического искусства стала творческая личность — независимая и содержательная. В знаменитом портрете А.С. Пушкина (1827) художник сумел передать высокую одухотворенность, живость ума, силу характера и эмоциональный темперамент великого поэта. Портрет очень нравился самому Пушкину, писавшему, что он видит себя в нем как в зеркале («себя как в зеркале я вижу, но это зеркало мне льстит…»).
На протяжении жизненного пути Кипренский создал много автопортретов — пылким юношей (около 1808), отчаянным бунтарем, стареющим, потерявшим смысл жизни человеком (1828). История его жизни — это история гибели романтических идеалов.
Ни до ни после Кипренского ни один русский художник не достиг в своем творчестве такого гармоничного сочетания романтического эмоционального строя и реалистической трактовки образа.
Вольнолюбивые идеалы романтизма и свойственные ему возвышенно-поэтические представления о мире и человеке нашли отражение и в пейзаже первой трети XIX в., который передавал поэтически-эмоциональный образ природы. Самым значительным пейзажистом романтического направления, не чуждым реалистических поисков, был Сильвестр Феодосиевич Щедрин (1791–1830).
Щедрина можно считать и русским, и европейским художником не только потому, что основная часть жизни и творчества его была связана с Италией, но и потому, что он одновременно с английскими, итальянскими и французскими живописцами начал разрабатывать прогрессивный, реалистический метод живописного воплощения природы — пленэр.
Пленэрная (с натуры) живопись передает естественное освещение, воздушную среду и природные краски.
Важнейшую роль в пейзаже у Щедрина играет человек как часть природы. Человеческие фигуры здесь не просто стаффаж (декорация) — они наполняют пейзаж действием, вносят дополнительные эмоциональные акценты.
Искусство романтизма строилось на контрасте и взаимодействии образов темпераментно-деятельных и лирически-созерцательных. Тема спокойной, размеренной жизни, радостного, необременительного труда на фоне безмятежной природы нашла яркое воплощение в неаполитанских пейзажах художника: серия «Гавани в Сорренто», виды острова Капри. В сериях «Веранды» и «Террасы» (1825–1828) тема dolce far niente (в переводе с итальянского — «сладостное отдохновение») воплощает искомый романтиками идеальный мир гармонии и счастья.
Среди мастеров романтического пейзажа выделяются также:
Максим Никифорович Воробьев (1787–1855) — создатель поэтического образа Петербурга, в котором присутствуют и величественность архитектуры, и природная мощь «державного течения» Невы, и проникновенная мелодика белых ночей;
Михаил Иванович Лебедев (1811–1837) — мастер «пейзажа настроения», излюбленными мотивами которого были укромные уголки лесов, оврагов, заросшие берега болот и прудов, вековые деревья и мшистые камни, хранящие дыхание столетий.
В портретах работы Карла Павловича Брюллова (1799–1852), по выражению В.Г. Белинского, раскрывается «сокровенная жизнь сердца» человека. В его творчестве смыкаются разные типы портретного образа: интимно-лирические, бытовые и репрезентативные (парадные).
Брюллов был подлинным новатором в области парадного портрета. Яркость, подчеркнутое внешнее великолепие персонажа, богатство изобразительных мотивов, композиционное совершенство делают его «представительные» композиции монументальными. В то же время многочисленные жанровые детали, живой пейзажный фон приближают их к реализму («Всадница» — портрет Джованны Пачини, 1832).
Репрезентативным портретам Брюллова не чужда психологическая характеристика. В портрете Е.П. Салтыковой (1838), запечатленной в роскошной обстановке, с опахалом из павлиньих перьев, главное — не яркий антураж, а нежная кротость, мягкость, женственность лирической героини. В портрете сестер А.А. и О.А. Шишмаревых (1839) художника интересует сопоставление характеров живой, подвижной и кокетливой старшей сестры и замкнутой и скромной младшей. Свою многолетнюю возлюбленную Ю.П. Салтыкову Брюллов показал в мимолетной сцене на маскараде с воспитанницей Амалицией Пачини (1839/1840). Яркий и декоративный по колориту, монументальный по композиции портрет в полной мере передает суть образа гордой, независимой женщины, чувствующей себя уверенно на «маскараде жизни».
Камерные портреты того времени отмечены печатью рефлексии. Таковы портреты Н.В. Кукольника (1836) с его болезненной, поэтической экзальтированностью; А.Н. Струговщикова (1840) с его тонким умом и ироничным отношением к жизни. В портрете И.А. Крылова (1839) натурализм передачи характерных особенностей внешности старого баснописца сочетается с подлинным психологизмом образа, несущего в себе свет доброты и силу разума.
Одним из лучших петербургских портретов Брюллова является автопортрет 1848 г. Нервный и быстрый ритм мазка, «горячий» охристый колорит, тревожное и болезненное выражение лица выдают постоянное творческое возбуждение художника, вся жизнь которого — в борьбе с официальными препонами, с неудовлетворяющей действительностью, наконец, с тяжелой болезнью. Это образ огромной эмоциональной силы.
Драматическое мироощущение Брюллова-романтика нашло свое воплощение в большом историческом полотне «Последний день Помпеи» (1830–1833). Значительную часть жизни художник провел в Италии, поэтому ее история так волновала его. Благодаря романтизму содержанием исторической картины стал не подвиг одинокого героя, но судьба массы людей; художнику интересна не дидактика, но сама история, а еще более — исторические ассоциации с современностью. Запечатлев страшный природный катаклизм — извержение Везувия в 79 г. н. э., превратившее город Помпеи в пепел и предвосхитившее скорый конец античной цивилизации, Брюллов с горечью напоминал современникам о трагических противоречиях окружающей действительности (недаром среди мятущихся в развалинах жителей обреченного города художник изобразил и самого себя).
В то же время полотно Брюллова соответствует всем требованиям академической живописи.