Кливлендский Музей искусства

Искусство XIV–XVI веков

Этот великолепно инкрустированный реликварий напоминает роскошную обложку средневековой книги как по форме, так и по отделке. Считается, что Оттон Мягкий, герцог Саксонии (годы правления — 1318–1348), выступил его заказчиком. Реликварий предназначался для хранения листов из Евангелия и мощей почитаемых в Германии святых, которые находились в полости за резной доской из слоновой кости с изображением сюжета «Брак в Кане Галилейской».

История первого чуда Христа (превращения воды в вино) представлена в трех сценах. В левом верхнем углу Дева Мария сообщает Иисусу и его апостолам об отсутствии вина на свадебном празднестве. С правой стороны жених, невеста и их гости сидят за столом, двое слуг предлагают им кубки. В нижнем ряду пара служителей заливает воду в первый из шести сосудов, в то время как Христос обращается к Своей матери и новобрачной.

Оборотная сторона также не оставлена пустой, на ней вырезаны фигуры главных покровителей собора в Брауншвейге — Иоанна Крестителя окружают святые Блез и Фома Беккет.

Об итальянском мастере Джованни ди Агостино известно немного. Сиенский скульптор работал совместно с Аньоло ди Вентура, создавая серию сцен из жизни святых Регула и Октавиана. Затем им был исполнен монумент на могилу епископа Гвидо Тарлати.

Произведение «Мадонна с младенцем, святой Екатериной и Иоанном Крестителем» дает представление о средневековой сиенской скульптуре, которая органично использует некоторые черты готического стиля. Италия достаточно долго сопротивлялась устремленному ввысь северному стилю готики, распространившемуся в Тоскане через работы Николо и Джованни Пизано, Джованни ди Агостино и других художников только со второй половины XIII века. Творчество этих мастеров, прежде всего, отождествляется со скульптурными композициями готических соборов Сиены и Орвието.

Деву Марию с Младенцем, фронтально сидящих на троне, окружают фигуры святых Екатерины и Иоанна Крестителя. Они располагаются под навесом с характерными для готики стрельчатыми арками и башенками — пинаклями. Данный мраморный рельеф предназначался для интерьера собора или иной церкви Сиены и был, вероятно, завершен незадолго до эпидемии чумы в 1348 — события, изменившего жизнь и характер искусства этого города.

Первоначально «Архангел Гавриил» входил в алтарную композицию, но в XIX столетии скульптура была отделена от парной ей фигуры Девы Марии (в настоящее время находится в Париже, в Лувре).

Изысканное и элегантное изображение архангела предположительно было создано в мастерской недалеко от французской столицы, вероятно, в бенедиктинском аббатстве Мутье-ла-Целле или, возможно, в аббатстве Нотр-Дам-дю-Пре, чья церковь посвящена празднику Благовещения. Правой рукой архангел указывает на свиток с надписью «Ave Maria Gratia Plena» («Дева, радуйся, исполненная благодати») — слова, которыми Гавриил приветствовал Богородицу. Образ небесного посланника излучает спокойствие и радость, плавные изящные движения подчеркиваются ниспадающими складками одежды, еще частично сохранившими первоначальную раскраску. Неизвестный мастер так умело поработал с алебастром, что каменная статуэтка кажется фарфоровой.

О Доне Сильвестро деи Герардуччи известно совсем немного. Он был монахом, затем настоятелем одного из флорентийских монастырей, после принятия сана впервые начал работать над иллюстрациями к рукописям и со временем стал одним из лучших средневековых мастеров-миниатюристов.

Инициал G — заглавная буква латинского текста «Gaudeamus omnes in Domino…» («Возрадуйтесь Господу…»), открывающего гимны, посвященные празднику Всех Святых (1 ноября). Автор очень искусно поместил во внутреннее пространство буквы G изображения Иисуса Христа и Девы Марии на престоле в окружении святых и ангелов с разноцветными крыльями, подносящих цветы и поющих гимны.

Это яркое, чрезвычайно декоративное произведение, насыщенное чистыми красными и синими цветами на горящем золотом фоне, считается шедевром художника. Наряду с некоторыми другими листами данная работа являлась частью великолепного сборника, созданного в скриптории монастыря Санта-Мария дельи Анджели во Флоренции.

Неизвестно имя мастера, создавшего данную работу, которая, возможно, предназначалась для королевского двора Нидерландов или Франции. Неслучайно автор вводит мотивы куртуазной светской рыцарской культуры, что проявляется в декоративных деталях обстановки, изысканных одеяниях и жестах рук персонажей.

Живописец использует особый рафинированный художественный язык, утонченные цветовые сочетания — божественный золотой, на котором представлены архангел Гавриил и Дева Мария, насыщенный синий — одежд, привносит зеленые и оранжевые тона.

Коленопреклоненный золотоволосый посланец небес с павлиньими перьями в крыльях обращается к испуганной Марии с благой вестью. Внезапное появление архангела Гавриила прервало молитвенное чтение Девы, непосредственный жест поднятых рук выдает Ее волнение и испуг. Художник интересно обыграл момент инкарнации, воплощения — крошечный Младенец Христос в лучах света, исходящих от Бога Отца, направляется в сторону Богоматери.

Никколо ди Джакомо да Болонья, более известный как Никколо да Болонья, был одним из самых уважаемых и плодовитых художников XIV века в Болонье, создававших иллюминированные рукописи. Его стиль довольно хорошо узнаваем в этой иллюстрации: выразительные, реалистически исполненные фигуры, среди которых выделяется Мария Магдалина, в порыве отчаяния обнимающая крест, на котором распяли Иисуса. Колористический строй одеяний скорбящих святых и мятущихся ангелов, собирающих драгоценную кровь, почти лишен оттенков, они написаны локальными цветами с добавлением белил для прорисовки складок. Необычен фон произведения — первоначально золотой, он по ковровому принципу целиком покрыт растительным узором, тонко прописанным черной тушью. Некоторые завитки повторяют очертания нимбов предстоящих, таким образом декоративный элемент рождает ощущение некоего ирреального движения. Никколо да Болонья и его мастерская создали миниатюры для большого количества священных книг, рукописей и иллюстрации для произведений светской поэзии и драматургии.

Изящная, чрезвычайно тонко проработанная скульптурная группа «Мадонна с Младенцем на троне» представляет направление, широко распространившееся в Бургундии XV столетия благодаря работам и влиянию нидерландских мастеров Клауса Шлютера и его племянника Клауса де Верве.

Дева Мария в позолоченной короне в этой небольшой скульптуре помимо традиционной иконографии выступает также как персонификация церкви и христианства. Трон (имеет утраты двух вершин) становится дополнительным символом церкви, в то время как сидящий на коленях матери и пишущий на свитке Младенец Иисус призван олицетворять четыре Евангелия. Французский мастер создал лиричное и в то же время куртуазное произведение, внося в изображение Мадонны рафинированность и элементы светской культуры, придавая ей сходство со знатной дамой или королевой. Среди французской пластики своего периода это произведение славится красотой облика Богоматери и свежестью красок.

Первоначально эти драгоценные медальоны были самостоятельными произведениями ювелирного искусства. На оборотной стороне каждого можно обнаружить особое крепление, указывающее на то, что предмет ранее служил украшением одежды, а скорее всего, женского головного убора. Несмотря на более позднюю цепь, которой медальоны теперь соединены, они являются уникальным предметом декора одежды. Подобные изящные вещицы были чрезвычайно популярны при дворе французских правителей Филиппа Смелого и Маргариты Фландрской, герцога и герцогини Бургундских. Центральный медальон с фигуркой белой леди создали в новой тогда парижской технике «еп round bosse». Миниатюрная скульптура выполнялась в золоте, круглая или в очень высоком рельефе, она покрывалась слоем эмали определенного цвета. Такие медальоны с фигурками леди неоднократно встречаются в описаниях сокровищниц с драгоценностями XV века.

Это небольшое по размеру скульптурное произведение, так называемый плакальщик, происходит из гробницы Филиппа Смелого, герцога Бургундского (1342–1404). Известно, что скорбящие фигуры в количестве сорока одной формировали целую похоронную процессию в камне, будучи установленными вокруг надгробия умершего правителя. Они были созданы как памятник одному из наиболее важных покровителей искусства.

Плакальщики относятся к числу самых замечательных скульптур, которые были изготовлены во времена Средневековья, наглядно показывая высокую степень мастерства бургундских ремесленников. Своим видом они призваны выразить печаль и тоску по усопшему. В кливлендском музее находятся еще две подобные работы, каждая статуя неповторима. Французский ваятель наделил скорбящих индивидуальностью, присущими только им чертами лиц, выразительными вариациями эмоций и своеобразными жестами. В то же время, несмотря на такое разнообразие и различие в произведениях, очевидно, что фигуры происходят из одной серии и выполнены в единой стилистике.

Второе изваяние плакальщика изображает стройного мужчину, на его плечи наброшен плащ с капюшоном, окутывающий фигуру широкими, выразительно ниспадающими складками. На виду остались лишь скрещенные на груди руки, удивительно тонко моделированные. Капюшон частично закрывает лицо, на котором лежит печать глубокого горя, выраженного с предельной простотой и лаконизмом. Возможно, на создание этого произведения скульпторов вдохновил плакальщик, выполненный двумя французскими мастерами — Этьеном Бобийе и Полем Моссельманом и располагавшийся во дворцовой капелле, построенной как усыпальница для герцога Иоанна Беррийского в Бурже. Ныне он находится в Эрмитаже, в Петербурге. Как и многие другие надгробные скульптуры, плакальщики из гробницы Филиппа Смелого после разрушения усыпальницы рассеялись по миру, часть попала в частные коллекции, вторая отправилась в музейные фонды (как данные изваяния), а третья, вероятно, пропала совсем.

Страница с изображением инициала D — одно из лучших произведений миниатюрного искусства, исполненное на пергаменте, находящееся в коллекции кливлендского музея. Его автором является флорентийский художник-монах Лоренцо Монако (имя до пострига — Пьеро ди Джованни). Он оставил довольно большое и разнообразное наследие, в которое входили миниатюры (картины) в рукописях, алтарные образы и фрески, что, безусловно, говорит о востребованности мастера и высокой оценке его искусства у современников.

Инициал D представляет собой один из листов серии с портретами пророков, написанных Лоренцо для сборника гимнов, заказанного ему церковью Санта-Мария Нуова во Флоренции. Работа привлекает внимание ярким колоритом: мощному синему цвету аккомпанируют красный и оранжевый. «Горящий» золотой фон с включением декоративных элементов создает дополнительный эффект и свидетельствует о влиянии интернациональной готики. Предполагается, что Монако мог быть учителем художника-монаха эпохи Возрождения — фра Беато Анджелико.

Среди известных искусствоведов до сих пор ведутся ожесточенные дискуссии по поводу личности художника, исполнившего этот мужской портрет. Первое предположение связывало произведение с именем неаполитанского живописца Колантонио (работал между 1440–1460), а также с выдающимся фламандским мастером-миниатюристом Бартелами д'Эйком (1420–1470). Однако в настоящий момент картина с большей вероятностью приписывается провансальской школе.

«Мужской портрет» является весьма любопытным примером стилистических и колористических влияний Нидерландов и Южной Италии XV века на французских мастеров. Довольно продолжительное время он считался отдельным, обособленным произведением, но сотрудники кливлендского музея выдвинули другую гипотезу — изображение могло быть частью большого алтаря, а запечатленный мужчина является донатором.

Сиенский мастер Джованни ди Паоло — один из самых интересных и самобытных художников итальянского Возрождения. Его наследие было заново открыто лишь в XX веке, но оказало существенное влияние на сюрреалистов. Одновременно находясь в русле традиции и вписываясь в рамки искусства XV века, ди Паоло отличался от других живописцев причудливой фантазией, делавшей обычные сюжеты похожими на сказочные видения. Создавая свой собственный, узнаваемый изящный стиль он, однако, многое черпал из работ коллег, перерабатывая и переделывая увиденное.

Его «Поклонение волхвов» — почти дословное цитирование произведения Джентиле де Фабриано, написанного в 1423 (галерея Уфицци, Флоренция). Красочная процессия представляет приход волхвов в Вифлеем, чтобы поклониться рожденному Младенцу Иисусу. Облаченные в роскошные одежды с коронами на голове, сопровождаемые слугами, экзотическими и домашними животными, они преклоняют колени перед Спасителем, которого держит на руках Богоматерь. Слева, рядом со Святым семейством, расположились две нарядные беседующие девушки, как и большая часть композиции с процессией, они перешли из работы де Фабриано. Однако в отличие от предшественника ди Паоло использует гораздо меньше золота, он приглушает колорит произведения, делая его более темным и контрастным.

Неравнодушный к природе мастер любил изображать цветущие деревья. Он написал их и в этой картине, убрав таким образом часть шествия, располагавшуюся справа. Задний план ди Паоло наполнил фантастическим видом местности с горами и замком, странными птицами или воздушными змеями, от которых к земле тянутся нити.

Тильман Рименшнайдер — крупнейший скульптор Южной Германии, представитель немецкого Возрождения. Он успешно и плодотворно трудился в Вюрцбурге, где спрос на его работы был настолько велик, что к 1500 ваятель стал одним из самых зажиточных граждан города, имел несколько домов, земельные владения с виноградниками, в мастерской ему помогали многочисленные ученики и подмастерья. Однако в результате Крестьянской войны Рименшнайдер потерял все имущество. Он примкнул к восставшим, а расправа феодалов не заставила себя долго ждать. По легенде, мастер был подвергнут жестоким пыткам, ему сломали обе руки, и более работать он не смог. Хотя у этой версии нет подтверждений, но после освобождения ваятель не получал крупных заказов.

Скульптура из музея Кливленда изображает святого Иеронима — одного из четырех отцов Западной церкви, который удаляет шип из лапы льва. Иероним спокоен и сосредоточен, как будто он занят будничным делом. Рименшнайдер мастерски работает с камнем, высекая черты лица святого и передавая фактуру — ниспадающие складки одежды кажутся натуральными.

Рименшнайдер был первым крупным скульптором, отказавшимся раскрашивать свои произведения, оставляя их первоначальную монохромность. «Святой Иероним со львом» — единственный пример его работы в алебастре в Соединенных Штатах Америки.

Уроженец Швабии, немецкий ваятель Фейт Штос известен, прежде всего, как создатель знаменитого резного алтаря Мариацкого костела в польском городе Кракове — шедевра позднеготического стиля. Штос имел большую мастерскую, где помимо него трудились многочисленные ученики.

Небольшая по размерам скульптура, изображающая скорбящую Богоматерь, входила в группу, представляющую сцену «Распятие». Данное камерное изваяние Штоса предназначалось для частного алтаря или святилища в часовне, принадлежавшей одной из зажиточных бюргерских семей города Нюрнберга. Однако и в этом образце мелкой пластики вполне проявляется манера мастера — он подчеркивает выразительность лица и эмоции Девы Марии, виртуозная резьба создает впечатление крутящихся, развевающихся тканей одежды. Из-за подобных стилистических приемов произведения Штоса называют «барокко поздней готики», намекая на схожесть с динамичными работами прославленного итальянского скульптора Лоренцо Бернини.

Художественное наследие прославленного немецкого мастера Лукаса Кранаха Старшего помимо аллегорических и мифологических композиций, изображений многочисленных «Мадонн с Младенцем» включает и красочные, крупноформатные сцены охоты.

«Охота около замка Хартенфельс» была заказана живописцу правителями Саксонии для своей резиденции, которая и изображена по центру на заднем плане произведения. Курфюрст Иоганн Фридрих Великодушный показан в левом нижнем углу картины, он изображен в темно-зеленом наряде для охоты и держит свой арбалет наготове, поджидая оленя, пересекающего реку в попытке уйти от погони.

На противоположной стороне стоит жена правителя Сибилла в окружении придворных дам, она готова сделать первый торжественный выстрел.

Курфюрсты Саксонии были страстными приверженцами яростной, полной опасностей псовой охоты, с системой сложных, заранее отрепетированных сигналов, которые координировались с помощью охотничьего рога.

Размещая бегущих животных и вооруженных охотников по всей поверхности работы, художник создал чрезвычайно сложную композицию.

Зеленые поляны с шевелящейся травой, деревья и кустарники, волнистая неспокойная вода в реке задают ритм картины, одновременно придавая ей нарядную декоративность. Лукас Кранах Старший оставил на этом произведении свою подпись с эмблемой в виде крылатого змея, которую можно увидеть на лодке в правом нижнем углу. Нарисованные там же цифры 1577 обозначают инвентарный номер картины в Саксонском собрании.

Якопо Тинторетто родился и вырос в Венеции, где учился у Бонифацио Веронезе. Он как бы замыкает собой плеяду великих художников Возрождения, будучи вместе с тем свидетелем крушения гуманистических идеалов эпохи, обострения социальных конфликтов. Творчество мастера обширно и обладает широким сюжетным диапазоном. Он писал алтарные картины для венецианских церквей, грандиозные полотна для Дворца дожей, мифологические композиции и портреты. В произведениях Тинторетто отразились трагические конфликты эпохи, захватывающие воображение зрителя. Обращаясь к библейским или евангельским сюжетам, мастер обычно изображал кульминацию событий, наибольшее напряжение душевных сил героев и самой ситуации. Отсюда драматизм и трагический пафос его полотен, их повышенная эмоциональность, динамизм композиций.

Основываясь на сюжете из Нового Завета Евангелия от Матфея, художник запечатлел крещение Христа в реке Иордан святым Иоанном Крестителем, во время которого небеса разверзлись, послышался голос Бога Отца и Дух Святой сошел в виде голубя. Данная картина датируется как самое раннее произведение Тинторетто в музее Кливленда. В этой монументальной композиции все согласовано, фигуры склоняются, подчиняясь некоей внутренней гармонии, центром полотна выступает Иисус. Мощная моделировка тел, вырывающиеся напряженные вспышки звонких цветовых пятен, материальность и звучность колористических сочетаний характеризуют высокую живопись эпохи Возрождения в Венеции.