Коллекция Филлипс Вашингтон

Американская живопись XIX–XX веков

Уинслоу Гомер — американский художник, прославившийся как маринист. Первым учителем рисования для него стала мать, наделенная необыкновенным талантом и вкусом. После окончания школы Гомер работал графиком, оформлял нотные издания. Поворот в его карьере произошел в 1857, когда художника пригласили в популярное издание «Harper Weekly».

В начале 1860-х Гомер поступил в Национальную академию дизайна в Нью-Йорке. Через год усиленной работы он освоил технику живописи маслом. В 1867 Гомеру удалось поехать в Париж, он провел там почти год. Несмотря на то что формально художник нигде не учился, он интересовался современными течениями и, находясь под сильным влиянием барбизонцев, рисовал много пейзажей. За свою долгую творческую биографию Гомер несколько раз менял манеру письма и репертуарные пристрастия.

Морские зарисовки, сделавшие автора известным, встречаются в его наследии с середины 1870-х. В 1883 художник с семьей поселился на полуострове Проутс-Нек в штате Мэн, в доме на берегу океана. С тех пор морская стихия и сюжеты, связанные с ней, окончательно стали тематикой его шедевров.

Название полотна раскрывает его смысл. За пределами холста во время сильного шторма происходит невидимая зрителю трагедия, свидетелями которой становятся две женщины, прогуливающиеся в дюнах. На переднем плане картины изображен мужчина с веревкой в руках, бегущий к берегу. Очевидно, что именно при помощи брошенного каната можно спасти кого-то, кто потерпел кораблекрушение и оказался в воде.

Уильям Чейз — американский мастер, последователь импрессионизма, прославленный педагог. Он начинал учиться рисованию в Индианаполисе, в 1869 перебрался в Нью-Йорк, где продолжил образование у Джозефа Итона, а затем в Национальной академии дизайна.

Финансовые проблемы семьи заставили Чейза переселиться в Сент-Луис (штат Миссури). Здесь он довольно быстро занял ведущее положение в творческой среде города, приобрел множество заказчиков и ценителей таланта. В 1871 местные меценаты спонсировали поездку мастера, целью которой было обучение в Мюнхенской академии художеств. После возвращения в США одна из его работ, выполненных в столице Баварии, экспонировалась в Бостонском клубе искусств, а затем оказалась награждена медалью на выставке в Филадельфии, что ознаменовало начало громкого успеха. В дальнейшем Чейз неоднократно выезжал в Европу, знакомился с новейшими течениями в живописи. Большое влияние на него оказали импрессионисты.

Известность принесла с собой финансовое благополучие. В Нью-Йорке Чейз развернул активную преподавательскую деятельность, открыв свою студию, превратившуюся со временем в школу искусств.

Картина «Прятки» представляет собой лаконичную композицию, центром которой является свободное пространство полупустой комнаты. На заднем плане — девочка, которая «водит» — ищет своих товарищей. А на переднем плане, слева, из-за дверного косяка за ней наблюдает подружка.

Альберт Пинкхем Райдер, американский живописец, один из лидеров символизма в национальном изобразительном искусстве, свою трудовую жизнь начинал, работая на кухне в ресторане в Нью-Йорке. Здесь он познакомился с известным графиком Вильямом Маршаллом (1837–1906), который дал ему первые уроки. В 1870–1875 с небольшим перерывом молодой человек получал образование в Национальной академии рисунка.

Райдер был в числе основателей Общества американских художников. В 1877 он отправился путешествовать в Европу, обучался там в барбизонской и гаагской школах. После возвращения в США у живописца наступил период наиболее плодотворной деятельности. Тогда сформировался его собственный стиль, имеющий ярко выраженную романтическую и символическую направленность, больше характерную для начала XIX века, чем для его конца. Нередко свои картины автор сопровождал поэтическими строками.

Произведение «Мертвая птица» целиком принадлежит этой романтико-символической серии. Птица, часто воплощавшая душу, нередко выступает и в качестве аллегории любви. Так, можно предположить, что в данном случае Райдер написал образ погибшего чувства.

Фредерик Чайльд Гассам, американский художник-импрессионист, уже в юности был увлечен рисованием. Он начинал в качестве гравера-иллюстратора, сотрудничая с несколькими известными журналами. С 1978 Гассам посещал вечерние курсы при Бостонском художественном клубе. В 1882 состоялась его первая персональная выставка. С 1883 мастер неоднократно выезжал в Европу. Три года он прожил в Париже, обучаясь в Академии Жюлиана, в 1887 впервые экспонировал свои работы на Салоне. На Всемирной выставке 1889 он завоевывал бронзовую медаль.

На творчество Гассама огромное влияние оказали произведения Уильяма Тернера и импрессионистов, городской пейзаж был одной из его излюбленных тем.

На этой картине в импрессионистической манере изображена арка Вашингтона, установленная в Нью-Йорке на Вашингтон-сквер в начале Пятой авеню в 1889 на деньги бизнесмена и филантропа Вильяма Стюарта. Первоначально арка была сделана из дерева, и ее не планировали оставлять надолго. Сооружение стало столь популярным среди жителей города, что через три года на его месте возвели каменную копию, которая украшает Нью-Йорк и по сей день.

Американец Роберт Ньюман — последователь барбизонской школы. Будущий художник родился в Ричмонде (штат Вирджиния), затем семья переехала в Чакрсвилл (штат Теннеси). С самой юности Ньюман интересовался искусством, в 1850 около полугода учился рисовать в Париже, а потом вернулся в США. В 1854 он во второй раз посетил Францию, где классик американской живописи Уильям Хант (1824–1879) познакомил его с Жаном Франсуа Милле (1814–1875). Так, Ньюман провел несколько месяцев в Барбизоне, что оказало на его творчество большое влияние.

Во время Гражданской войны (1861–1865) мастер был лейтенантом артиллерии и воевал на стороне Конфедерации (Юга). После ее окончания он поселился в Нью-Йорке. В третий раз Ньюман поехал во Францию в 1882 и снова длительное время провел в Барбизоне.

Возвратившись в США, живописец начал активно работать. В 1894 он выставлял свои произведения в одной из престижных галерей Нью-Йорка — Knoedler Galleries. Известно, что некоторые картины художника были показаны в Музее изящных искусств в Бостоне.

На данном холсте изображены две молодые дамы, читающие одно письмо. Судя по сюжету, младшая, та, что держит лист и которой, скорее всего, он адресован, советуется со старшей подругой.

Джон Генри Твахтман родился в городе Цинциннати (штат Огайо), где постигал азы в Школе дизайна, а продолжил образование, как и многие американцы, в Мюнхенской академии художеств (1875–1877). В Европе он познакомился с соотечественниками Франком Дювене (1848–1919) и Уильямом Чейзом (1849–1919). Вернувшись в США, живописец очень скоро уехал в Париж, где поступил в Академию Жюлиана (1883–1885).

В 1886 Твахтман окончательно вернулся в США и стал жить на ферме неподалеку от Гринвича (штат Коннектикут). В это время в его творчестве прослеживается сильное влияние импрессионизма. В работах Твахтмана специалисты находят много общих черт со стилем других американцев, учившихся в Европе и названных критиками тоналистами. В 1898 живописец входил в группу «Десять», объединявшую художников, недовольных отсутствием в США профессиональной организации людей искусства.

Картина «Моя летняя мастерская» написана в местечке Глоустер, в штате Массачусетс, где автор провел свое последнее лето. На скалистом берегу небольшой речки видно белое строение, которое было его домом и мастерской.

Эрнест Лаусон, участник группы «Восемь», родился в Канаде, что дает основание считать его канадским мастером. Семья переехала в США, когда Эрнест был еще подростком. В 1891 будущий живописец поступил в Лигу студентов-художников Нью-Йорка, где его преподавателем стал Джон Твахтман. Как и большинство американских творцов, для совершенствования своего таланта в 1893 Лаусон отправился в Париж. Здесь он учился в Академии Жюлиана. Большое влияние на художника оказала случайная встреча с Альфредом Сислеем, произошедшая в местечке Море-сур-Луи, на юге Франции, куда Эрнест приехал рисовать на пленэре.

Любопытно, что в Париже Лаусон одно время снимал студию вместе с Сомерсетом Моэмом (1874–1965), тогда еще начинающим медиком, только задумывавшим стать писателем. Позднее «товарищ по житью» Моэма стал прототипом одного из персонажей — Фредерика Лаусона — в романе «Бремя страстей человеческих» (1915).

Вернувшись в США, в 1896, художник поселился в Верхнем Манхеттене — в районе Вашингтон-Хайтс, который с востока и запада ограничивают две реки — Гарлем и Гудзон. Здесь автор прожил почти двадцать лет. Разнообразные уголки данного очень живописного места на долгие годы стали сюжетами его произведений.

На картине изображен мост через Гарлем, соединяющий Вашингтон-Хайтс с другим районом Большого Нью-Йорка — Западным Бронксом. Импрессионистический подход к пейзажу подчеркнут выбором времени суток и сезона.

Брисон Берроуз начинал обучение в Лиге студентов-художников Нью-Йорка (1889–1991), продолжил образование в Париже, в Академии Жюлиана. После учебы Берроуз в течение года путешествовал по Англии и Италии. По возвращении в США, в 1906, он был приглашен куратором отдела живописи музея Метрополитен Роджером Фраем стать его ассистентом. После того, как Фрай ушел в отставку, Берроуз занял его должность, пробыл на ней вплоть до своей смерти. Он прославился как опытный музейный сотрудник, имеющий тонкое чутье. Благодаря его рекомендациям Метрополитен закупил ряд шедевров европейских мастеров, в частности картину Питера Брейгеля «Урожай». Не забывал Берроуз и об американских художниках, активно выступая за приобретение их работ.

Его собственная карьера живописца сложилась вполне успешно. Картины были популярны и востребованы публикой.

Полотно «Июнь» — типичный жанровый пейзаж, изображающий двор небольшой фермы и происходящее на нем: мать у колодца с дочкой-подростком, сына, оседлавшего коня; каждый занят своим делом. На заднем плане — большое поле, где убирают скошенную траву. На холсте правдоподобно и убедительно воссоздана атмосфера летнего рабочего дня и привычного труда, ставшего частью мироздания.

Джордж Беллоуз — американский живописец-реалист. Обучаясь в Университете Огайо, он был спортсменом, выступал за команды по бейсболу и баскетболу, но в то же время иллюстрировал студенческий альманах «Макио». Беллоуз собирался посвятить себя спорту, но тяга к рисованию пересилила. В 1904 он бросил университет, поступил в Нью-Йоркскую школу искусств, где его преподавателем стал известный американский художник-реалист Роберт Генри (1865–1929).

Уже в 1906 Беллоуз снял свою первую мастерскую на Бродвее. Критика заметила его работы в 1908. Получив признание, в середине 1910-х живописец сконцентрировался на портретах, уделяя особое внимание изображению близких — жены Эммы Стори-Беллоуз (1884–1959) и дочерей Анны и Джинн. В 1920 он купил дом в Вудстоке (штат Нью-Йорк) и стал проводить в нем большую часть года.

За период с 1911 по 1924 художник создал 11 портретов своей супруги. На данном холсте изображена привлекательная женщина, спокойно сидящая в большом кресле на фоне окна, выходящего в сад.

Гай Пен дю Буа — американский живописец и художественный критик. Он учился в Нью-Йоркской школе искусств, где его педагогом был последователь импрессионистов Уильям Чейз (1849–1916). В 1902 Гай перевелся в класс, которым руководил реалист Роберт Генри (1865–1929). По словам дю Буа, именно Генри заложил основу его реалистической манеры, с акцентом на бытовую предметность. В 1905 художник уехал учиться в Париж и попал в класс Теофиля Стейнлена — известного живописца и гравера (1859–1923), однако смерть отца заставила его спешно вернуться в США.

С 1906 творец работал иллюстратором и карикатуристом в газете «New York American». В это же время он начал выступать и как критик, публикуя статьи по современному американскому искусству. Позже дю Буа стал одним из учредителей художественного журнала «Reality: A Journal of Artists'Opinions».

Наряду с активной литературной деятельностью мастер продолжал рисовать. «Голубое кресло» — своеобразный портрет, на котором модель — женщина в длинном темном платье — будто становится частью огромного предмета мебели. В картине есть несомненный намек на причастность позировавшей к среде профессионально владевших кистью — за ее спиной, на стене, висит пейзаж, который своей тональностью гармонирует с окружающей обстановкой.

Аллан Таккер, человек разнообразнейших талантов — художник, архитектор, писатель, поэт и педагог, получил архитектурное образование в Колумбийском университете. Увлекаясь живописью, в 1890 он начал посещать занятия в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. Несмотря на успешную архитектурную карьеру, со временем Таккер все больше и больше стал посвящать себя рисованию.

В 1908 он принял участие в одной из первых выставок, проведенных Гертрудой Вандербильд Уитни, положивших начало Музею американского искусства Уитни, открытому в 1931. В начале 1910-х Таккер выступил одним из организаторов Ассоциации американских художников и скульпторов. Во многом благодаря его усилиям в феврале — марте 1913 состоялся знаменитый показ картин «Armory Show», где были представлены работы более чем 300 американских мастеров, в их числе шесть его полотен. После возвращения из Европы с Первой мировой войны Таккер организовал первую выставку Общества независимых художников в Нью-Йорке. В следующем году состоялась его первая персональная экспозиция в галерее Уитни.

С 1921 по 1926 мастер преподавал в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. На картине, которая относится к этому времени, изображены четкие архитектурные объемы амбаров, расположенных на светло-зеленом пригорке на фоне пышной листвы деревьев.

Американский художник, выдающийся урбанист XX века Эдвард Хоппер с детства мечтал научиться рисовать. Он начинал профессиональную деятельность в области рекламы, в 1902 поступил в Нью-Йоркскую школу искусства, где преподавал Роберт Генри, прославившийся тем, что оказал огромное влияние на развитие современного американского искусства. В 1906–1907 Эдвард путешествовал по Европе (Франция, Германия, Англия). Дома Хоппер участвовал в выставке группы «Восемь», не имевшей успеха. В 1908–1910 мастер учился рисунку и живописи в Париже. После возвращения в Нью-Йорк он оказался вынужден делать иллюстрации для газет, так как освоенное им ремесло не приносило дохода.

Упорно работая, Хоппер к середине 1920-х обрел свою творческую манеру. Она основывалась на почти фотографической точности городских пейзажей, в основе которых были четкие геометрические формы с чистым локальным цветом. Отрешенные в своем уединении фигуры воздействовали на зрителя угнетающе, повергая в состояние безысходности. С этого времени к художнику пришло признание.

Картина «Воскресенье» — типичная хопперовская постановка: пустынная дневная улица, на тротуаре возле закрытого магазинчика сидит мужчина. Холсты живописца погружают в атмосферу пронзительного одиночества человека в современном городе.

Стефан Хирш родился в Нюрнберге в семье американцев. Детство и юность он провел в Старом Свете, был хорошо знаком с шедеврами европейского искусства, изучал юриспруденцию и искусство в Университете Цюриха.

В 1919 Хирш переехал в Нью-Йорк, где прожил всю дальнейшую жизнь. Его творческая деятельность связана с США, где в начале 1920-х особенно наглядно проявлялись процессы урбанизма и индустриализации, дававшие повод для формалистического подхода в изобразительном искусстве. Стиль мастера отличают четкость композиции, проработка крупных деталей и локальность цвета. Следуя принципам цветопередачи, выработанным Сезанном, Хирш предпочитал городской рукотворный пейзаж красоте естественной природы.

Картина «Город-мельница» — типичный промышленный пейзаж, где комбинация предприятий создает окружающую среду, а природные объекты — река и солнце — выглядят как часть фабричного оборудования. В названии скрыт намек на то, что город и механизмы перемелют все — и человека, и природу.

Лионель Фейнингер родился в Нью-Йорке в семье музыкантов, выходцев из Германии, в 1888 она вернулась на родину. Первоначально Лионель учился в школе изобразительного искусства в Гамбурге, потом в Берлинской академии художеств. После непродолжительного периода образования в Париже, с 1893 он работал в Берлине карикатуристом в нескольких газетах. В 1906 Фейнингер снова отправился во французскую столицу, где познакомился с новейшими течениями в живописи (кубизм) и искусстве (футуризм), во многом повлиявшими на его творчество.

В 1908–1919 художник жил в немецкой столице, сотрудничал с экспрессионистами, объединившимися вокруг галереи «Штурм». После окончания Первой мировой войны он переехал в Веймар, где до 1933 преподавал в Баухаусе и руководил графическими мастерскими. В этот период пейзаж с архитектурой становится одной из излюбленных тем живописца. Прогуливаясь пешком в окрестностях Веймара, Фейнингер создал множество зарисовок и несколько картин с изображением деревушки Маквипач.

В 1938 художник был вынужден эмигрировать из нацистской Германии в США.

Уолт Кун — американский живописец, иллюстратор, авангардист. Свои первые рисунки он продал в журнал в возрасте пятнадцати лет. Возможность использовать умение в коммерческих целях подтолкнула молодого человека получить образование в этой сфере, и в 1893 он поступил на художественный факультет в Бруклинский филиал Нью-Йоркского политехнического университета. В 1899 Кун поехал в Сан-Франциско, где устроился на работу иллюстратором в журнал «WASP». Сотрудничество с издательством окончательно определило его выбор. Для продолжения обучения мастер отправился в Европу. Сначала он посещал Академию Коларосси в Париже, а затем Королевскую академию в Мюнхене. После возвращения в США Кун работал иллюстратором в различных журналах, был одним из организаторов знаменитой выставки «Armory Show» в 1913. Он с успехом экспонировал работы в различных галереях, в частности в галерее Уитни.

В 1931 художник совершил путешествие в Европу. Наблюдение за процессами в искусстве заставило его усомниться в правильности авангардных направлений, которых он до той поры придерживался. На картине «Перья» изображена цирковая артистка. Головной убор резко диссонирует с ее лицом, будто говоря зрителю: праздник на арене создают люди, для которых феерическое действо — ежедневный тяжелый труд, часто сопряженный с риском, и сложный, как и их жизнь.

Виллем де Кунинг — ведущий живописец и скульптор второй половины XX века, один из лидеров абстрактного экспрессионизма, чьей целью является спонтанное выражение внутреннего мира творца в хаотических формах, не организованных логическим мышлением. Де Кунинг родился в Роттердаме, с 12-летнего возраста по вечерам учился в Академии изящных искусств. В это время сильное влияние на него оказали творчество Питера Мондриана и голландское движение «Стиль». В начале 1920-х де Кунинг был помощником художника-оформителя Роттердамского универсального магазина, а в 1926 нелегально эмигрировал в США.

В 1929 живописец познакомился с художником Арчилом Горки, они какое-то время вместе снимали мастерскую. В начале 1930-х, во время Великой депрессии, де Кунинг оказался среди занятых в федеральных проектах, направленных на поддержание современного искусства. В конце десятилетия его популярность стала расти, живописца пригласили для оформления Всемирной торговой ярмарки, проходившей в Нью-Йорке в 1937. В 1938 он познакомился с художницей Элен Мери Фрид, они поженились в 1943. Помимо того, что Элен сама талантливо рисовала, она стала отличным менеджером своего мужа.

Картина «Эшвил»-типичный пример абстрактного экспрессионизма, к которому де Кунинг пришел в конце 1940-х.

Американский художник-абстракционист Самюэль Льюис Фрэнсис родился в Калифорнии, в детстве под влиянием матери увлекался музыкой. Во время Второй мировой войны Самуэль был летчиком, получил серьезное ранение, в результате которого несколько лет провел в госпитале. В 1945, во время пребывания в лечебном учреждении, он познакомился с живописцем Дэвидом Парком, благодаря ему и начал рисовать. Восстановив насколько было возможно здоровье, Фрэнсис поступил в Университет Беркли (Калифорния), изучал медицину, психологию и ботанику, параллельно активно рисовал. Окончив университет, в 1950 он уехал в Париж, в галерее Нины Дюссе состоялась его первая персональная выставка (1952). В 1950-е художник много путешествовал — от Мексики до Японии. Его наследие этих лет искусствоведы связывают с ташизмом, в котором цветовые пятна выражают бессознательное состояние пишущего — от динамической активности до духовного покоя.

Данная картина представляет комбинацию интенсивных синих пятен, сквозь них видны оранжевые и красные, передающие настроение Фрэнсиса.

Американский художник-авангардист, прославленный колорист Милтон Эвери родился в небогатой семье. Он уже с раннего детства увлекался рисованием, однако из-за смерти отца оказался в положении кормильца большой семьи, и ему с юности приходилось много работать. Известно, что свои первые картины Эвери создавал по ночам, так как днем был занят на фабрике. В 1924 он познакомился с талантливо владевшей кистью Салли Мишель, и в 1926 они поженились. Заработки супруги позволили Милтону уйти с работы и заняться живописью. Он стал заниматься в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. Дункан Филлипс был первым, кто обратил внимание на творчество Эвери и приобрел в 1929 его произведение. Постепенно эта фамилия становится широко известна среди коллекционеров изобразительного искусства. Согласно романтической истории, знаменитый меценат Рой Ротшильд Нюбергер (1903–2010) однажды во время снежной бури купил на улице в Нью-Йорке картину Эвери «Пейзаж Гаспе». Полотно так понравилось миллионеру, что он нашел в магазинах еще сто работ художника и направил их в подарок различным музеям по всему свету. Полюбившееся же произведение висело в комнате Нюбергера вплоть до его смерти.

Милтона Эвери часто называют американским Матиссом. На данной картине в чистых цветах, лаконично и емко изображены песчаный берег, белая пена прибоя и темная вода черного моря.