Коллекция Филлипс Вашингтон

Графика. Европы и Северной Америки XVII–XX веков

Великий живописец Рембрандт Харменс ван Рейн проявил себя и как гениальный рисовальщик. Считается, что впервые он использовал технику офорта (разновидность гравюры на металле, в которой углубления печатной формы создаются не резцом, а травлением поверхности кислотами), когда ему исполнилось двадцать лет. Данный способ был очень популярен среди ряда художников, видевших возможность без больших затрат тиражировать свои работы и продавать по доступным ценам. Известно, что Рембрандт коллекционировал офорты других мастеров. Репертуар его графики необыкновенно многообразен — от библейских сюжетов до бытовых зарисовок, от портретов до гротескных фигур и эротических сцен.

В 1632 творец переехал в Амстердам, в тот момент бывший центром культуры и искусства Голландии. В 1634 он женился на Саскии ван Эйленбург, происходившей из очень представительного рода. Считается, что первые годы совместной жизни были самыми счастливыми — семейное благополучие подкреплялось материальным достатком. Тематика этих лет — жанровые сцены и библейские сюжеты. На эстампе изображена старая женщина, которая печет блины, а вокруг нее разворачивается кухонная кутерьма.

Франческо Гварди — итальянский живописец, представитель школы ведутистов — происходил из семьи потомственных художников, где вслед за отцом и сыновья продолжали избранное ремесло, а дочь вышла замуж за профессионально владевшего кистью Джованни Батисто Тьеполо.

Франческо прославился благодаря ведутам — детально выписанным городским пейзажам, которые были очень популярным жанром в европейском искусстве XVIII века. Венеция, где родился и прожил всю жизнь мастер, стала идеальным местом для развития этой тематики. Богатые путешественники, чаще всего англичане, посещавшие Светлейшую, считали своим долгом купить пейзаж с городом.

Данный лист является наброском для картины, изображающей центральную площадь Венеции — Сан-Марко.

Франсиско Гойя — один из выдающихся испанских художников конца XVIII — начала XIX века. Будучи мастером кисти, он прославился и как талантливый график, который в своих офортах превратил монохромный рисунок в черно-белую живопись. Если картины Гойи, в большинстве случаев, делались на заказ, то его графические серии, как правило, были выражением критического мнения автора о происходящих событиях.

Испания после реставрации режима Бурбонов переживала тяжелый политический кризис. Восстановленная монархия безжалостно расправлялась как со сторонниками Наполеона, так и с собственными либеральными кругами, которые вели борьбу с французскими захватчиками. В этой обстановке Гойя был обвинен в сотрудничестве с неприятелем. Несмотря на то что ему удалось оправдаться, новый король Фердинанд VII относился к художнику с нескрываемой враждой.

«Тавромахию» автор создал в 1815. В 1816 он сумел издать ее небольшим тиражом в Мадриде. Серия состоит из 33 офортов и посвящена корриде — любимому развлечению испанцев. Однако показано отнюдь не красочное представление, а кровавая бойня.

Фердинанд-Виктор-Эжен Делакруа — французский живописец и график, один из лидеров романтизма в европейском изобразительном искусстве. Он находился под огромным воздействием творчества Теодора Жерико и вплоть до начала 1830-х разрабатывал романтические сюжеты. Отличный рисовальщик, Делакруа много времени уделял графической подготовке своих полотен.

Данный рисунок, выполненный углем и затонированный акварелью, скорее всего, является эскизом к одной из больших работ художника. В центре на нем изображена компания из двух мужчин и двух женщин, исполняющая что-то в дворцовых апартаментах. Бородатый музыкант играет на виолончели, перед ним — пюпитр с нотами. Рядом стоит молодой флейтист. В левой части рисунка изображена пианистка, вокалистка, держащая нотный лист, — в правой. За ней виден вход в комнату, на пороге — еще двое мужчин, один из них, судя по грамоте в руках, — гонец.

Оноре Домье — французский график, прославившийся как мастер политической карикатуры. Он начинал как иллюстратор для музыкальных и рекламных изданий. Вместе с тем волнения и кризис, разразившийся в стране в 1830, привели к усилению значимости журналистики в жизни граждан. Карикатура заняла важное место, а Домье стал одним из ведущих художников этого жанра своего времени.

На литографии «Законодательство живота» изображено вымышленное собрание богатейших людей Франции того времени, «Золотая середина», на каждого из его участников у Домье уже имелась изобразительная пародия.

Исследователи наследия творца считают листы из серии этого периода кульминацией его насмешливо выписанных обвинений в адрес Июльской монархии, поставившей королем Луи-Филлипа I, с кем судьба сыграла злую шутку, сделав марионеткой в руках крупной буржуазии.

Классическое искусство портрета довольно долго обходило стороной «некрасивости» жизни, в крайнем случае не приукрашивая модель, но никак уж не утрируя ее физические особенности. Однако с начала XIX века, в связи с развитием периодической печати, где большую роль играли иллюстрации, дальнейшее распространение получили карикатура и характерный портрет.

Оноре Домье прославился как мастер рисунка, он мог графическими средствами передать характер человека. Глядя на это изображение старого господина (представителя буржуазии выдает головной убор), можно точно сказать, что «он не даст и сантима, без того, чтобы не получить франк». Поджатая верхняя губа, крючковатый нос и сморщенное лицо делают из портрета практически нарицательный образ французского скупца времен Второй империи.

Эдуард Мане — французский художник, один из родоначальников импрессионизма. Как известно, его творческая карьера развивалась непросто, время от времени его шедевры провоцировали скандалы.

После демонстрации публике такой работы, как «Завтрак на траве» (1863), пик неприятия пришелся на 1865, когда автор выставил свою картину «Олимпия». Современники назвали ее вульгарной и непристойной.

Возможно, неслучайно именно в эти годы художник рисует портрет человека, который в не меньшей степени, чем он сам, был притчей во языцех в парижском свете, — поэта Шарля Бодлера. Публикация в 1857 его сборника «Цветы зла» вызвала бурю негодования. Произведение относится ко времени, когда поэт собирался покинуть столицу Франции и уехать в Бельгию. Между тем, глядя на лист, трудно представить, что перед зрителем один из возмутителей спокойствия, отличавшийся эпатажным нравом, прославившийся описанием своих наркотических опытов.

Жан Франсуа Милле — французский художник, один из основателей барбизонской школы. Он нередко говорил о себе: «Я крестьянин и ничего больше, как крестьянин».

Милле родился в крестьянской семье на севере страны, с детства много и упорно рисовал. В 1837 он приехал в Париж и поступил в мастерскую Поля Делароша (1797–1856), где проучился два года. С 1840 живописец выставлялся на Салоне. Первоначально он создавал картины на библейские сюжеты и исторические темы, переломным моментом в творчестве стала поездка вместе с другом, художником Шарль-Эмилем Жаком (1813–1894), в Барбизон. Деревушка в лесу Фонтебло была местом, где проживали их коллеги, пропагандировавшие реалистическую пейзажную живопись, работу на пленэре. Здесь Милле познакомился и подружился с идейным вдохновителем барбизонцев Пьером Этьеном Теодором Руссо (1812–1867). В результате он остался в Барбизоне и прожил там до конца своих дней.

В отличие от остальных барбизонцев творец никогда не писал картин с натуры. После долгих прогулок, во время которых он делал небольшие зарисовки, Милле работал в мастерской. На данном рисунке изображен типичный северофранцузский пастух, отдыхающий в привычной позе — опираясь на посох.

Пьер Пюви де Шаванн — французский академист, решивший стать художником в возрасте 22 лет, по возвращении из Италии в Париж. Избрав профессию, он поступил учиться сначала в студию к Эжену Делакруа, потом к Анри Шефферу и затем к Томасу Кутюру, однако со временем решил заниматься самостоятельно. Он арендовал большую мастерскую рядом с Лионским вокзалом и ограничился посещением классов анатомии в Академии изящных искусств. Де Шаванн дебютировал, экспонируя свои работы на Салоне в 1850. Его заметили. Через несколько лет картины автора закупило правительство Франции, в 1860 он получил свой первый заказ на оформление фресками Музея де Пикардия в Амьене, в последующие годы расписал несколько общественных зданий.

Вершиной карьеры де Шаванна стало участие в основании в Париже Национального общества изящных искусств, президентом которого его избирали. Данное объединение очень скоро сделалось основным оплотом академизма в изобразительном искусстве страны. На данном рисунке в академической манере изображена обнаженная модель.

Жорж-Пьер Сёра — французский художник-постимпрессионист, основатель пуантилизма. В творчестве он использовал новейшие для своего времени исследования по теории цвета, успешно применял их на практике. В основе стиля, выработанного мастером, была техника письма отдельными мазками определенной формы. Смысл производимого заключался в том, что смешение красок происходило на сетчатке глаза рассматривавшего картину.

Параллельно с письмом цветом Сёра разрабатывал данный метод и на черно-белой графике. Эффект, возникающий при создании подобной работы, подобен сумеркам, во время которых контуры предметов начинают расплываться.

Одной из излюбленных тем живописца, как и многих импрессионистов, были цирковые представления, проходившие на уличных подмостках. Цирковым представлениям и другим составляющим городской жизни он посвятил большие графические циклы.

В 1884 творцы сформировали общество независимых художников. Так Сёра и познакомился с Полем Синьяком, впоследствии также использовавшим метод пуантилизма.

Константин Гайз родился в Голландии. Его имя стало известным после Крымской войны с Россией, он был художником-корреспондентом английских и французских газет. В последующие годы мастер жил в Париже и создавал многочисленные акварели, изображая повседневные ситуации светского общества. Его рисунки были своеобразной энциклопедией нарядов и экипажей Второй Французской империи (1852–1870).

Поклонником искусства Гайза являлся Бодлер, в 1863 в журнале «Фигаро» он опубликовал эссе, посвященное ему. В нем художник выступал под именем Господин Г. Автор «Цветов зла» высоко оценил его умение в простой сценке выразить суть происходящего. Акварели Гайза отмечал и Клод Моне.

Винсент Ван Гог — один из выдающихся живописцев начала XX века. В конце 1880-х он приехал в Париж, где поступил учиться в художественную школу Фернана Кормона (Ателье Кормон). В это время столица Франции буквально бурлила богемной жизнью, которую создавали многочисленные мастера изобразительного искусства, поэты и писатели. Одним из центров городской богемы стала старая мельница, расположенная в верхней части района Монмартр. После Франко-пруской войны это место облюбовала верхушка общества, а старая мельница, где можно было купить хлеба и молока, постепенно превратилась в популярный ресторан. На ней была сооружена смотровая площадка, соседний амбар переделали в танцевальный зал. Сюда приходили выпить стаканчик вина, потанцевать. Образ мельницы, ее залов часто встречается на картинах творцов, населявших Монмартр. Мулен де ла Галетт посещали также Огюст Ренуар и Камиль Писсарро.

Джулиан Олден Вейр — американский художник-импрессионист, чья карьера была определена с рождения — отец мастера был профессором рисования в Военной академии Вест-Пойнт, его старший брат стал живописцем, профессором Йельского университета.

Вейр в начале 1870-х получил свое первое образование в Национальной академии дизайна в Нью-Йорке, а затем уехал в Европу и поступил в 1873 в Школу изящных искусств в Париже. Здесь ему впервые довелось увидеть произведения импрессионистов, которые повергли этого приверженца академического стиля в ужас. По возвращении в Нью-Йорк Вейр стал одним из членов Общества американских художников и продолжил экспонировать свои работы в Национальной академии дизайна (где впервые показал их в 1875). Вместе с тем, по мере роста профессионализма, происходили постепенные изменения в его вкусах и стиле. Так, в начале 1880-х живописец приобрел две картины Эдуарда Мане. В 1883 он женился на Анне Бейкер и переехал из Нью-Йорка на ферму в Коннектикуте.

С этого времени пейзажи занимают значительное место в его творчестве, а манера письма продолжает развиваться в сторону импрессионизма. На офорте изображена небольшая лощина на острове Мэн.

Фредерик Чайльд Гассам — американский импрессионист, чьи детство и юность прошли в Бостоне. Здесь он начал обучаться рисунку и живописи на вечерних курсах при Бостонском художественном клубе. Большое влияние на формирование творчества Гассама оказала поездка в Париж и учеба в Академии Жюлиана. Пребывание в Европе во многом определило импрессионистическую манеру его письма. Постепенно пришло признание, на Всемирной выставке 1889 в Париже он завоевал бронзовую медаль.

Между тем, живя после возвращения из Европы в Нью-Йорке, Гассам не забывал малую родину. На данной акварели изображен сухой док в маленьком городке Глостер, расположенном на берегу Атлантического океана, неподалеку от Бостона. Уже в то время это был курорт, удобный для парусного спорта. Сегодня Глостер является популярным местом отдыха.

Джером Майерс — американский художник и писатель — родился в Вирджинии в большой бедной семье. В 19 лет он приехал в Нью-Йорк, сменил множество профессий, связанных с рисованием, — создателя сюжетов для рекламы, гравера в фотостудии, иллюстратора в газете. Параллельно молодой человек учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка, в школе искусств Купер Юнион. По преданию, одну из своих первых картин маслом он продал за два доллара. Собрав небольшую сумму денег, в 1896 Майерс поехал в Париж — город, являвшийся заветной мечтой каждого начинающего американского творца. После возвращения из столицы Франции он снял студию на 14-й улице в Вест-энде в бывшем особняке, где его соседом оказался начинающий художник Эдвард Адам Крамер. Легенда гласит, что однажды к Крамеру, прошедшему хорошую академическую школу и имевшему известность в соответствующих кругах, пришел арт-дилер Уильям Макбет. Тот посоветовал ему навестить мастерскую соседа. Агент купил у Майерса две работы, которые уже через неделю продал значительно дороже. Так началась карьера художника, ставшего легендой Нью-Йорка, сумевшего запечатлеть в своих произведениях его неповторимый облик.

Эмиль Гансо родился в Германии, в юности переехал в США, в 1914 поступил в Национальную академическую школу изящных искусств. В какой-то момент на его работы обратил внимание галерист Эрхард Вейхе (1883–1972). В 1923 этот известный ценитель искусства переоборудовал старое здание на Лексингтон-авеню в центре Нью-Йорка в галерею и начал регулярно выставлять творения мастера в своей экспозиции, что обеспечило Гансо известность. Помимо живописи последний много и плодотворно занимался графикой и даже преподавал ее во время Летних фестивалей искусств в колонии художников в Вудстоке. В 1940 он начал обучать студентов колледжа Лоуренс в Висконсине. Внезапная смерть оборвала его творческую и педагогическую карьеру.

На гравюре изображен Зальцведель — город на севере Германии, в земле Саксония-Анхальт. Небольшая улочка с одноэтажными домиками зимней ночью освещена фонарями. Две женские фигуры в левом углу вносят в композицию некую загадку.

Дарование Престона Дикинсона, мальчика из рабочей семьи, было замечено меценатом Генри Барби, который оплатил учебу Престона в Лиге студентов-художников Нью-Йорка в 1906–1910. Затем Барби и известный арт-дилер Чарльз Даниель профинансировали его поездку в Европу. С 1910 по 1914 молодой человек учился в Академии Жюлиана в Париже, а также в Школе изящных искусств. С началом Первой мировой войны он вернулся в США.

Пройдя увлечение различными современными европейскими течениями в изобразительном искусстве (кубизмом, фовизмом, футуризмом), Дикинсон стал одним из первых американских художников, кто в своем творчестве сделал акцент на запечатлении индустриальных пейзажей. Вслед за прецизионистами (Чарльзом Шилером, Чарльзом Демутом) он демонстрирует зрителю городские сюжеты в предельно простых и четких геометрических формах. Вместе с тем, в начале 1920-х мастер заинтересовался японскими гравюрами укие-э, которые характеризуются четкостью линий и локальностью цвета. Судя по стилю, рисунок относится ко времени этого увлечения.

Американский реалист Джордж Беллоуз с середины 1910-х кроме живописи значительное внимание уделял гравюре, тесно сотрудничая с Болтоном Брауном (1864–1936) — художником и величайшим специалистом по литографии. Вероятно, этот эстамп можно датировать 1915–1920.

Сюжет оттиска, по всей видимости, имеет отношение к политическим взглядам Беллоуза. Известно, что он придерживался социалистических убеждений, однако с началом Первой мировой войны разошелся с американскими социалистами, так как выступал за вступление США в конфликт.

Данная гравюра представляет собой ироничный взгляд автора на типично американскую картину публичного выступления политика. Хорошо одетый молодой джентльмен, опираясь на доску изгороди, как на трибуну, обращается к собравшимся жителям где-то в сельской местности. Одухотворенный облик оратора концентрирует взоры слушателей. Беллоуз не забыл изобразить и один из обязательных атрибутов такого действия в США — за спиной политика стоит журналист, который делает репортаж о свершающемся на его глазах «знаменательном» событии.

Чарльз Берчфилд прославился картинами с изображением природы и городскими пейзажами. Несмотря на то что в конце XIX — начале XX века акварель не была популярна, он стал одним из немногих акварелистов, которые достигли известности. В 1936 журнал «Лайф» включил мастера в список десяти самых выдающихся американских художников.

Биографы отмечают, что на формирование личности Берчфилда сильное влияние оказал нервный срыв, случившийся у него в отрочестве. Считается, что видения, появившиеся у него в те годы, отразились в произведениях.

Берчфилд творил в технике «сухой кисти» на обычной бумаге, часто превращая создание рисунка в многолетний процесс. Свой стиль он выработал в юности, во время учебы в Кливлендской школе искусств. Мастер соединил современные европейские тенденции, в частности фовизм, и технику традиционной китайской живописи.

С 1915 по 1917 художник жил в городке Салем и большую часть холстов написал, не выходя из дома. Преобладающие сюжеты того периода — виды из окна квартиры.

Акварель «Третьи сутки идет дождь» точно передает серость плохой погоды, усиливающуюся малолюдным городским пейзажем. Одинокая фигура с зонтиком подчеркивает этот эффект.

Глен Колеман — американский мастер, прошедший в своем творчестве путь от реализма до фантастических сюжетов и абстракционизма. Он начинал карьеру в Индианаполисе, где занимался в художественной школе, а потом работал в местной газете. В 1905 Колеман переехал в Нью-Йорк для продолжения образования, в 1909 стал учиться у Роберта Генри (1865–1929). В то время художник разделял социалистические взгляды и работал в газете «Массы». В период с 1910 по 1920-е тематика его произведений — изображение индустриальных пейзажей Нью-Йорка и жанровых сцен. Однако с середины 1920-х Колеман постепенно отходит от прежних политических убеждений, меняется и его стиль. В эти годы он увлекся литографией и в качестве сюжетов использовал старые впечатления, связанные с городской тематикой и жизнью простых горожан.

На эстампе представлен знаменитый Бруклинский мост со стороны Манхэттена. В центре гравюры — мужчина и женщина. Судя по одежде, они — представители среднего класса, скорее всего, ньюйоркцы. Дама придерживает улетающую с головы шляпку — так автор изобразил сильный ветер.

В экспозиции Национального музея искусства Каталонии представлены практически все области искусства — более 200 000 экспонатов. Здесь собраны произведения живописи, скульптуры, рисунки, гравюры, фотографии, предметы декоративно-прикладного искусства, мебель и многое другое. Хронологические рамки коллекции охватывают период с X по XX век. Большая часть полотен принадлежит кисти испанских мастеров, среди которых такие выдающиеся художники, как Веласкес, Гойя, Сурбаран, Эль Греко. В залах музея можно также увидеть картины известных европейских живописцев — Кранаха, Рубенса, Тьеполо, Сислея и других.