Королевский музей изящных искусств Антверпен

Живопись XVI–XVII веков

Франс Флорис, фламандский художник эпохи Позднего Возрождения и маньеризма, происходил из семьи мастеров живописи и скульптуры. Путешествие в Рим и Венецию перевернуло его творческое мировосприятие. Флорис был очарован искусством итальянских творцов, особенно Микеланджело. По возвращении в Антверпен он написал ряд больших картин для загородных домов и вилл испанских дворян и представителей знати. Живопись художника связывают с поздним периодом романизма, когда образцом для нидерландских мастеров стали довольно усредненные нормы, почерпнутые в искусстве итальянских маньеристов.

«Суд Соломона» исполнен, вероятно, сразу после прибытия Флориса на родину. Влияние стиля Микеланджело, Джорджо Вазари, Джулио Романо явственно ощущается в построении мощных атлетических фигур персонажей библейского сказания, отмеченных бурной динамикой, резкими, даже вычурными ракурсами. Художник на основе своих исследований и зарисовок в итальянских альбомах стремится максимально точно показать античную архитектуру и одежду. Немногие из его работ сохранились до нашего времени. Большинство картин живописца было утрачено во время революционных волнений в Нидерландах во второй половине XVI столетия.

Лукас Кранах, один из наиболее ярких, известных и плодовитых мастеров немецкого Возрождения, родился в местечке Кронах в Верхней Франконии (отсюда и происходит его фамилия), молодым подмастерьем отправился искать работу вниз по Дунаю. Став придворным художником саксонских курфюрстов — Фридриха Мудрого, Иоганна Постоянного и их наследников, Кранах выработал свой немного манерный стиль, который распространился по всей Германии благодаря многочисленным работам мастерской живописца.

В данной картине Кранах повторяет излюбленный им образ белокурой изящной женщины с узким разрезом глаз, изогнутым телом и несколько жеманными движениями. Картина «Милосердие» представляет своеобразную аллегорию Заботы — молодую мать, чье нагое тело покрыто только прозрачной материей. Она целиком отдалась заботе о своих детях — одного кормит грудью, другой ребенок обнимает ее за плечи, третий также требует внимания и теребит за ногу. Насчитывается порядка шести различных вариантов этой работы, отличающихся в основном числом детей.

Старший сын Питера Брейгеля Старшего, Ян Брейгель, был прозван Бархатным за мягкий, наполненный теплым светом колорит своих работ и нежную красоту почти эмалевой живописи. Художник во многом известен цветочными натюрмортами, однако в его творчестве есть пейзажи, религиозные и мифологические композиции, жанровые сценки.

Исполненное нежного лиризма полотно «Поклонение волхвов» из антверпенского музея явилось бы украшением любой экспозиции. В полуразрушенном сарае, который опирается на такой же ветхий дом, сидит Мария с Младенцем на коленях. Позади нее расположился Иосиф, он сосредоточенно прижимает к груди шляпу. Европеец, король Гаспар, на коленях предлагает Марии золото, Мельхиор, князь из Азии, привез ладан, а африканец Бальтазар — смирну. Вокруг неприметного на первый взгляд дома собралось множество людей. Неисчислимые толпы солдат и слуг из королевского окружения, любопытные граждане из Вифлеема, пастухи с собаками. Спокойная повествовательность и теплая коричневатая гамма живописи составляют главное очарование этого произведения.

Несмотря на значительные различия в композиции, картина имеет общие черты с работами художников семьи Брейгель, хранящимися в Национальной галерее в Лондоне (1598), Музее истории искусства в Вене (1598) и Эрмитаже в Санкт-Петербурге (1598–1600).

Фламандский живописец эпохи барокко Абель Гриммер обучался у своего отца, художника Якоба Триммера. О мастере почти нет сведений, его ранняя работа датируется 1586, а последняя имеет надпись «162…», то есть после 1620.

Произведение «Зима» — одно из четырех, составлявших серию времен года. В картине «Весна» изображено, как люди сажают деревца, выравнивают грядки в саду, «Лето» описывает период жатвы пшеницы, «Осень» — забой свиньи и, наконец, «Зима» — катание на коньках по застывшей реке.

Картины Триммера напоминают крестьянские сцены Питера Брейгеля Старшего, и это неудивительно, так как именно на его рисунках основаны некоторые сюжеты. Однако при написании работы «Зима» мастер взял за образец произведения Ханса Бола. В результате подобных заимствований произведения Триммера — это в основном пейзажные виды с архитектурными мотивами, но лишенные загадочной символики Брейгеля. Его творения очень выигрышны, они пленяют зрителя изображением спокойной и гармоничной жизни крестьян.

Серия времен года была гравирована Питером ван дер Хейденом и благодаря удачному выбору сюжета и композиции пользовалась популярностью.

Продолжатели семейного дела — Питер Брейгель II Младший («Адский») и Питер Брейгель III (его сын и внук Питера Брейгеля Старшего соответственно) — позаимствовали композицию этой работы у основателя династии, чье «Избиение младенцев» известно по двум полотнам (Музей истории искусства, Вена и Хэмптон-корт, Лондон).

Действие данной картины также перенесено из Вифлеема в северные заснеженные ландшафты Нидерландов. Народ взбудоражен совершающимся насилием, солдаты вырывают из рук матерей маленьких детей, гоняются с оружием за невинными созданиями. Однако художественное решение и трактовка библейской истории представлены иначе, чем у старшего Брейгеля. Утрачены эмоциональная напряженность и скрытая символика, произведение приобретает житейский смысл, также отсутствуют намеки на несправедливое правление Габсбургов — нет их гербов на обмундировании военных. Все персонажи стали более округлыми, забавными в своих движениях, на них интересно и любопытно смотреть. Сцена лишена открытого драматизма, и кажется, что люди заняты игрой.

Через копирование полотен Питера Брейгеля Старшего прошли, вероятно, все представители семьи художника, это приносило им популярность и заказы. Но со временем потомки постепенно вырабатывали свой стиль и обращались к другим, собственным, сюжетам.

Сотрудничество младших Брейгелей (отца и сына) продолжилось и в создании картины «Праздник Святого Георгия». Также в этом произведении заметно влияние художественного наследия Питера Брейгеля Старшего. Изображение деревенских видов и сельских праздников оставалось одной из любимых тем голландских живописцев вплоть до XVIII века. Праздник Святого Георгия отмечался в Нидерландах 23 апреля и был чрезвычайно популярен в течение длительного времени. Христианский мученик, римский командир святой Георгий считался помощником в беде и покровителем рыцарей и лучников. На доме в левой части полотна развевается флаг с изображением воина. Весенний праздник для крестьян — повод хорошо погулять и приятно провести время. Хороводы переходят в безумные пляски под звуки местных музыкантов, вино льется через край в каждом из трактиров, расположенных по обе стороны улицы, одному из гуляющих уже плохо от количества выпитого, другой, на переднем плане, предается чревоугодию и с жадностью засовывает себе в рот свежий хлеб из плетеной корзины. Яркая и радостная по колориту картина удивляет насыщенностью действий персонажей, а юмор художников порой переходит в сарказм.

Рубенс написал «Святое семейство с попугаем» подобно семейным портретам состоятельных буржуа. Святые изображены около колонны величественного, но сокрытого от глаз зрителя дворца. Мария любовно ласкает кудри Младенца Иисуса, движения персонажей и выражения их лиц исполнены безмятежности. Мастер создает прекрасную сцену семейного счастья, которая могла бы служить примером для подражания. Идиллию нарушает обеспокоенный Иосиф, в задумчивости подперший рукой подбородок и размышляющий о судьбе своего Сына. Несмотря на светский характер произведения, Рубенс вплетает в канву повествования определенные символы — яблоко в руке ребенка представляет первородный грех, виноградная лоза на колонне намекает на жертвенность и кровь Спасителя, попугай соотносится с Богоматерью и означает Ее чистоту.

Изначально художник написал только Мадонну с Младенцем, притом моделью для Богоматери послужила Изабелла Брант — его первая жена, о смерти которой Рубенс долго горевал. Примерно в 1633 он решил расширить картину, добавить фигуру Иосифа. Мастер преподнес произведение в подарок антверпенской гильдии Святого Луки за присвоенное звание ее декана.

Богиня любви Венера, по преданию, родилась на острове Крит. Ее изображения в живописи, прежде всего итальянской, — это олицетворение не просто любви, а любви в теплом, изобильном морском климате, в котором красавица может показать свое обнаженное тело во всем великолепии.

Данная картина фламандского мастера иллюстрирует классическое изречение древнеримского автора Теренция: «Без Вакха и Цереры Венера мерзнет», означающее, что любовь остывает без вина и застолья. Источником вдохновения для написания этой Венеры послужила мраморная статуя, которой Рубенс восхищался во время своего пребывания в Риме. Объединив телесные оттенки красного, оранжевого, желтого и синего, он сумел превратить на своей картине каменный образ в женщину из плоти и крови.

Рубенс изображает богиню нагой, дрожащей от холода на фоне мрачного пейзажа. Амур тоже отчаянно пытается согреться, отбросив стрелы любви и завернувшись в легкую набедренную повязку. К замерзающим спешит Вакх, его рог изобилия наполнен великолепными, сочными плодами, возможно, это сможет поддержать огонь жизни в зябнувших героях.

Произведение является одной из немногих работ в музее, имеющих подпись и датировку самого мастера. Предположительно в XVIII веке ее увеличили по обеим сторонам и сверху и добавили пейзаж слева.

Триптих, исполненный Питером Паулем Рубенсом, часто называют эпитафией. В центральной части изображены Иисус Христос и апостол Фома («Неверие Фомы»), на боковых створках — заказчики, Николас Рококс и его жена Адриана Перец. Произведение украшало надгробную часовню во францисканском соборе Антверпена с 1613 до его разрушения. Сюжет, вероятно, был определен Рококсом и намекает на сравнение заказчика с апостолом Фомой, поскольку он, адвокат по образованию, мало что принимал на веру без самостоятельной предварительной проверки. Занимавший пост бургомистра более 20 лет, Рококс был страстным коллекционером монет и щедрым благотворителем. Он покровительствовал художникам, прежде всего Рубенсу, который получал от него заказы не только как от частного лица, но и как представителя городской управы. Мать Адрианы принадлежала к одной из аристократических семей, а отец — Луис Перец — был купцом и банкиром. У изображенной пары не было детей, все имущество Рококс завещал продать, а деньги передать на содержание дома для девочек-сирот. Его воля была исполнена.

Картина «Блудный сын» великого фламандца удивляет неожиданно спокойным, можно сказать, эпическим настроем, который резко отличается от его напряженных и драматических полотен в коллекции музея. Недаром хранители экспонировали работу в другом зале, чтобы она не потерялась среди других, шумных и величественных.

Сюжет произведения — евангельская притча о юноше, покинувшем родительский дом ради разнообразных удовольствий и развлечений. Растратив все деньги, он вынужден был пасти свиней и есть вместе с ними. Патетический жест молодого мужчины выражает раскаяние, но его фигура занимает далеко не главное место и не задерживает надолго взгляд. Здесь художник интересуется не проблемой психологии, а крестьянской жизнью с трудами и заботами, обнаруживая ее поразительное знание. Мерцание свечей в хлеву и последние отблески заходящего солнца вносят в сцену спокойной размеренной жизни крестьянской семьи настроение умиротворенности. Невольно возникает предположение, что всю картину Рубенс перенес с натуры, столь естественно правдивы пейзаж, постройка, расположение предметов, поведение животных, занятия людей. Все добротно в этом мире труда: прочные крыши и подпоры, сытые животные, приготовленные корма. Слева зритель видит по диагонали положенное бревно, к которому прислонены вилы, лопата, метла, и оказывается почти в центре композиции. Идейно-этический замысел картины очевиден: смысл народной жизни содержится в единстве с природой, в неустанном и мудром следовании истинным законам, общем, дружном повседневном труде. Порвав эти связи, человек становится жалок и ничтожен.

Существует старая легенда, что свою известную картину «Поклонение волхвов» Рубенс написал за шестнадцать дней. Фигуры персонажей в ней больше натуральной величины, а грандиозности формата отвечает торжественный стиль композиции. Согласно евангельскому преданию, вскоре после рождения Христа три мудрых царя Европы, Азии и Африки пришли поклониться Младенцу. Скромный хлев заполонила толпа мужчин, разноплеменных и разноязычных, одетых в яркие праздничные одежды. Коринфская колонна слева, в глубине, подчеркивает декоративную нарядность процессии. Подобно причудливой гирлянде художник располагает цепь людских голов, применяя свой излюбленный прием арабеска. Это шумное движение поклонения и любопытства успокаивается большими пятнами красного, белого, зеленого цветов, придающими полотну обобщающий и одновременно декоративный характер. Слева волхв в красном плаще — суровый, строгий старик с насупленными бровями. В центре — царь Африки — мавр в роскошном одеянии, с искренним изумлением смотрящий на молодую мать. Его образ — один из наиболее выразительных у Рубенса, умевшего с великолепной точностью передавать в мимике лица охватившее человека чувство. Склонившая голову Мария полна пленительной женственной грации, обаяния, мягкости. Маленький Сын в Ее нежных руках — сама детская непосредственность. Кажется, что взрослые мудрые люди не столько поклоняются Царю небесному, сколько покорены, очарованы чистой невинностью детства и красотой материнского счастья. Звучные краски картины собраны в единый радостный аккорд.

Франс Франкен Второй — самый плодовитый и талантливый из всех представителей этой семьи фламандских художников. По выходе из отцовской школы он посетил Италию, где получил прозвище Дон Франчиско. Вернувшись в 1605 в Антверпен, Франкен был принят мастером в гильдию Святого Луки и через десять лет стал ее главой. Подобно отцу, он писал картины небольшого размера на религиозные, исторические, мифологические и жанровые сюжеты, которые отличались прекрасным, тонко проработанным рисунком, тщательным исполнением аксессуаров, но вялым колоритом. Многие живописцы, к примеру Ян Брейгель Бархатный и Иос де Момпер, приглашали его оживлять фигурами свои пейзажи и виды интерьеров церквей.

В данной картине Франкен представил некий художественный натюрморт, позволил заглянуть в свою мастерскую, где собраны предметы, имеющие важное значение для творчества. На стене изображены шесть картин, на полотне в центре показана Мадонна в окружении гирлянд из цветов. На столе лежат альбом с итальянскими зарисовками, вероятно, из Сиктстинской капеллы, автопортрет миниатюриста Саймона Бенинга (аналогичный находится в Музее Виктории и Альберта в Лондоне), монеты, ракушки, инкрустированная коробка, бумага и перо. Ваза с букетом навевает ассоциации с работами Яна Брейгеля, также ясно читается его «Мельница на холме».

Считается, что этот элегантный портрет работы признанного мастера, Антониса ван Дейка, изображает мужчину из семьи Винк — известной и влиятельной династии антверпенских купцов. Парным к нему является портрет его жены, находящийся в коллекции лорда Ромеи в Бродландском замке в Англии.

Удачливый коммерсант представлен Ван Дейком уверенным и исполненным силы человеком. Объемный тюк около его ног указывает на торговлю как источник богатства и процветания. Одежда мужчины, изысканная и в то же время скромная и лаконичная, за исключением белоснежного воротника — фрезы, соответствует моде XVII века и в художественном строе произведения выгодно выделяется на фоне красного занавеса, за которым на заднем плане различимо небо с серо-белыми облаками. Лицо дельца написано чрезвычайно тонко, оно создано быстрыми последовательными слоями светлых розовой и бежевой красок. Подобный метод письма Ван Дейк приобрел в период ученичества у Питера Пауля Рубенса.

Святой Аврелий Августин Блаженный, один из четырех Отцов католической церкви, христианский теолог и основатель монашеского августинского ордена на рубеже IV–V веков, был епископом в Гиппоне, в Северной Африке. Когда он размышлял о триединстве Бога, его глазам предстало чудесное видение. Антонис ван Дейк написал фигуру ошеломленного Августина, над которым на облаках восседают Христос и многочисленные крылатые путти, держащие символы могущества, единства и вечности Святой Троицы. Жезл с глазом на вершине означает божественное провидение, оливковая ветвь — мир, змея, кусающая себя за хвост, — бесконечность, солнце символизирует справедливость. Епископа поддерживают два ангела, один из которых указывает на видение отцу Маринусу Янсениусу, заказчику картины, преклонившему колени в ее правой части. Святая Моника, мать Августина, во вдовьем облачении, показана слева, она также поражена происходящим. Стиль исполнения работы указывает на ее близость к образцам высокого итальянского ренессанса и ранним барочным произведениям, для которых были характерны эмоциональность жестов, динамичность сложной композиции, подчиняющей себе персонажей, великолепная передача светотени при изображении струящихся материй.

Августинцы Антверпена заказали это полотно Ван Дейку в 1628 для украшения алтаря в левом приделе церкви.

Десять работ Антониса ван Дейка, находящихся в музее, дают прекрасную возможность представить особенность дарования этого блестящего художника. Он разительным образом отличается от знаменитых современников — Рубенса и Йорданса. Мастер был более впечатлителен и чуток к малейшим нюансам духовно-эмоциональной жизни человека, его влекли к себе утонченность интеллекта, благородство чувств и изящество манер. Живописец чуждался простых, естественных проявлений людской натуры, опасаясь всего низменного и вульгарного. Он, несомненно, уступает товарищам в реализме мироощущения, умении выразить искренность и силу эмоций, зато превосходит их в более тонком и сложном анализе человеческого характера. Поэтому в веках Ван Дейк остался гениальным портретистом, а не мастером композиционных сцен.

В полотне «Оплакивание Христа» есть великолепное знание анатомии, мастерство, легкость и подвижность кисти, но отсутствует необходимая для композиции концентрация. Главный акцент — простертое тело Христа — выразителен, но внимание отвлекает патетический жест Богоматери, а еще более — Иоанн Креститель, показывающий рану на руке Спасителя двум ангелам. Миловидное лицо Иоанна, обрамленное каштановыми кудрями, как и золотистая голова ангела, слишком красивы, страдания героев лишены глубины. Художник словно боится причинить боль и щадит зрителя. Человеческие переживания воспринимаются им скорее эстетически, нежели эмоционально. Отсюда проистекает чрезмерная забота о деталях, красиво оформляющих композицию. Так, например, ткань слишком эффектно падает с крыла ангела, затем обвивает его руку и снова скользит с кисти.

Натюрморты известного фламандского живописца Франса Снейдерса трудно назвать таковыми в строгом смысле этого слова. В них, как правило, присутствует человек, и сюжетно картины напоминают жанровую сценку, например картина «Рыбный рынок».

На огромном дубовом столе, вероятно, почти целиком представлена фауна морских глубин. Извивается и дергается живая рыба, пытаются уползти угри, морской котик злобно раскрыл пасть на пригнувшуюся от неожиданности маленькую собачку в левой части холста.

Все в этой лавке ожидает прихода самого внимательного и придирчивого покупателя: вяленые рыбы подвешены и готовы к употреблению, нарезана большими кусками форель, новую порцию мелкой рыбы помощник выплескивает из таза. Богатство и разнообразие товаров восхищает зрителя. На заднем плане помещен вид гавани с кораблями и лодками, что говорит о близости рынка к морю и соответственно о свежести всех продуктов. Снейдерс любил писать только «живую натуру», предметы, созданные руками человека, его не вдохновляли. Натюрмортов его кисти сохранилось множество, еще больше дошло до нас картин художников мастерской Снейдерса, а также повторений его полотен, пользовавшихся у современников огромным успехом.

Выдающийся нидерландский художник Ян Ливенс считался соперником Рембрандта на художественном поприще. Он с детства поражал современников одаренностью, его картины, гравюры и рисунки собирали коллекционеры и меценаты, копировали другие мастера. Спустя десятилетия после смерти Ливенса его творчество все еще очень высоко ценилось.

Ливенс и Рембрандт обучались в одной мастерской, дружили и часто исполняли портреты друг друга. Похожая манера письма, повторение определенных сюжетов или совместное создание картин привели к тому, что все эти работы впоследствии приписали одному только Рембрандту.

К моменту создания полотна «Молодой художник» Ливенс был уже вполне сложившимся живописцем, но, вероятно, его написание навеяли воспоминания о годах учебы. Он, как и изображенный белокурый мальчик, сидел в мастерской наедине с образцами античного искусства и книгой с рисунками великих творцов, вникал и постигал ремесло. Работы художника отличают изысканный сдержанный колорит, мягкие переходы светотени и особый золотистый цвет, будто светящийся изнутри. Несмотря на многочисленные заказы, к концу жизни мастер разорился, и семья отказалась от него, чтобы не оплачивать долги.

Итальянский художник Микеланджело Меризи да Караваджо оказал значительное влияние на многих живописцев, его художественные приемы и сюжеты заимствовались и перерабатывались по обе стороны Альп. Фламандский мастер Теодор Ромбоутс также оказался в числе последователей великого итальянца.

Картина «Картежники», особенно группа персонажей слева, композиционно напоминает работу Караваджо «Игра в карты», однако восприняв и процитировав сюжет, использовав сложную светотеневую моделировку итальянца, Ромбоутс по-своему трактовал полотно. Эта работа яркая и насыщенная по колориту благодаря введению акцентов синего, оранжевого, желтого и красноватого в одеяниях главных игроков. Художник достигает большей торжественности, кажется, что парадно облаченные актеры разыгрывают театральную сценку. Два солдата сидят за карточным столом, слева, затаив дыхание, за ними следит старик, третий военный происходящим не интересуется. Придерживая бокал с вином, он радостно улыбается. Азартные игры были под неофициальным запретом у церкви, так как частенько приводили к взаимным проклятиям соперников, ссорам, дракам, грабежам и разорениям.

Фламандский художник Ян Коссирс обучался у Корнелиса де Воса в Антверпене, затем путешествовал по Италии и Франции, а по возвращении на родину стал мастером гильдии Святого Луки. Его ранние работы, исполненные в основном в натуральную величину, показывают сцены из повседневной жизни, также живописец любил изображать курильщиков, композиции с цыганами и гадалками.

На данной картине представлен модно одетый мужчина, который наслаждается курением трубки, рядом с ним — мальчик-слуга, смотрящий в сторону зрителя, он небрежно выливает содержимое своего кувшина прямо на землю. Эта тема в произведениях Коссирса встречается неоднократно. Табак распространился в Европе только во второй половине XVI века, сначала в качестве обезболивающего, затем в виде жевательного средства. Трубку «распробовали» моряки и солдаты, и в XVII веке курение стало повсеместной страстью.

Существует мнение, что этот холст является частью композиции большего размера. На одном из эскизов в собрании X. Г. Хоблин (Ашфорд Лодж, Хальштед, Эссекс, Англия) изображены курильщик и влюбленная пара. На другом полотне (Национальный музей, Познань) он является олицетворением вкуса из популярной аллегорической темы «Пять чувств». Нельзя исключить, что мастер, привнесший в свою жанровую живопись элементы караваджизма, трактовал «Курильщика» как аллегорию суетности и бренности.

Уроженец Антверпена фламандский живописец Франс Халс особенно известен как выдающийся портретист. Одна из его лучших работ — портрет Стефана Герардса, наместника и советника харлемкого муниципалитета. Имя модели удалось установить благодаря гербу, изображенному на темном фоне. Расслабленная и непринужденная поза героя делает холст уникальным, потому что голландских регентов, как правило, увековечивали в строгих официальных позах с серьезными выражениями лиц, в то время как Герарде улыбается. Художник написал эту улыбку всего несколькими эффектными мазками. Он достиг исключительной свободы исполнения, легко и подвижно подчеркнул материальность и пластичность фигуры. Наряд мужчины также написан быстрыми и точными ударами кисти, создающими иллюзию глубины черного цвета в костюме с золотым шитьем. Улыбка Герардса на самом деле предназначена его жене, Изабелле Койманс, изображенной на парном портрете, которая лукаво предлагает мужу розы.

С 1886 портрет супруги наместника находится в частной коллекции.

Портреты, исполненные великим голландским художником Рембрандтом, являются украшением любой музейной экспозиции. Судьба данного произведения сложилась непросто.

Елеазар Свальмус изображен сидящим на стуле в тускло освещенной комнате и смотрящим прямо на зрителя. Еще в возрасте двадцати трех лет он ездил из одного голландского города в другой, чтобы проповедовать учение по борьбе с ремонстрантами — голландскими протестантами. В те дни Свальмус и его коллеги пробудили большую обеспокоенность у других проповедников из-за «слепого рвения, с которым они преследовали людей в стремлении к духовному господству». Многие десятилетия эта работа Рембрандта вызывала между экспертами ожесточенные дискуссии о том, подлинное ли данное подписанное и датированное полотно? Из-за толстого слоя лака, использовавшегося для его покрытия, стало невозможно различить нюансы виртуозной техники мастера при изображении лица и черной одежды. Недавно была проведена реставрация, и лак удалили. Музей пригласил известного специалиста по творчеству Рембрандта — профессора Эрнста ван де Ватеринга, ученый, изучив холст, пришел к выводу, что портрет действительно принадлежит кисти знаменитого голландца.

«Семейный концерт», вероятно, самая популярная в Бельгии картина фламандца Якоба Йорданса. В верхней части работы начертана фламандская пословица: «Как поют старики, так свистят молодые». У накрытого стола расположилась семья, отмечая по традиции праздник Трех волхвов. Трапеза начинается пением стариков, им аккомпанируют представители младших поколений. Юмористический настрой не покидает художника, который, тем не менее, искренне чтит семейные праздники и собрания. Образы поющих пожилых людей выразительны, правдивы и немного комичны. Словно слышится тонкий дребезжащий голосок робкого доброго старика и более резкий, уверенный голос его бойкой супруги. Считается, что мужчина похож на Адама ван Ноорта, отца и учителя живописца. Он держит волынку под мышкой и увлеченно играет на инструменте. Даже собака навострила уши и пытается понять происходящее музыкальное действо. Старший отпрыск играет на флейте, в центре за столом сидит молодая женщина с ребенком на руках — это дочь Иорданса Елизавета, сияющая красотой и жизнерадостностью.

Великолепно выписаны натюрморт, плетеное кресло, скатерть, одежды, свет, скользящий по лицам, — все это усиливает ощущение счастья мирного и устоявшегося быта. Существует множество версий данной картины мастера, но представленное произведение считается самым ранним из известных.

О Филиппе де Марли известно совсем немного. Фламандский живописец эпохи барокко работал преимущественно в Антверпене и знаком зрителю по немногочисленным полотнам, представляющим цветочные натюрморты.

Данная картина — так называемая обманка — одна из нескольких точно приписываемых художнику работ. На темном фоне он изобразил прекрасную гирлянду, которая подвешена на двух голубых лентах, завязанных в банты. Изумительно по пышности и роскоши обрамление из живых цветов, бабочек и жуков, вишен и веточек смородины, великолепны бело-розовые пионы, нарциссы и тюльпаны — ликующие спутники зрелой весны. Центральное место внутри венка занимает святая Доротея — покровительница садоводов и невест, ей ангелочек вручает венок из роз и корзину с цветами и тремя яблоками — традиционным атрибутом христианской великомученицы. Вокруг головы героини сверкает нимб, ее взгляд обращен на небо. Подобные картины были популярны во Фландрии XVII века, похожие произведения создавали также Ян Брейгель и Дэниел Зегерс.

Фламандский мастер Давид Тенирс Младший, сын Давида Тенирса Старшего, по своей жене Анне состоял в родстве с многочисленной семьей Брейгелей. Тенирс считается одним из величайших художников и граверов наряду с Рубенсом и Ван Дейком, составляющих славу Нидерландов. Испытывая финансовые трудности, живописец с ранних лет работал, его финансовое положение поправила женитьба, а покровительство эрцгерцога Леопольда Вильгельма Австрийского, губернатора Испанских Нидерландов, упрочило положение. Властитель рекомендовал Тенирса многим европейским монархам, что повлекло огромное количество заказов. К примеру, испанский король Филипп IV приобрел так много картин художника, что пришлось строить новое здание для галереи, чтобы их разместить.

Полотно «Город Валансьен» было написано в честь его освобождения от французов. Испанцы во главе с Доном Хуаном Австрийским и принцем Людовиком де Конде встретились с армией прославленного полководца Анри де Ла Тур д'Овернь, виконта де Тюренна. Французы потерпели сокрушительное поражение, которое едва не поставило крест на удачной военной карьере маршала. Произведение Тенирса больше напоминает карту, чем пейзажное изображение, слева и справа от плана города показаны расположения воюющих сторон, а также оружие Испании и аллегорические фигуры, олицетворяющие Валансьен. В центре бюст Филиппа IV венчают лавровым венком два амура, их окружают Афина, попирающая ногами Медузу горгону, и Геркулес, рядом с которым лев вцепился в петуха — негласный символ Франции. В картушах представлены портреты Дона Хуана Австрийского, принца де Конде и других командиров армии. Как показала история, это была последняя великая победа Испании в XVII веке.

Ян Сиберехтс — тонкий и поэтичный художник, любивший изображать простые радости голландского народа.

Главная тема «Брода» — демонстрация здоровой красоты фламандской крестьянки в естественной для нее природной среде. Одним из частых сюжетов, варьируемых живописцем, служит возвращение селянок в полдень с подойниками и кувшинами, полными молока. От полотна Сиберехтса исходит очарование простоты и непосредственности увиденного. Интересно и ново его стремление смещать жанры, ввести бытовую сцену в пейзаж на равных условиях. Человеческие фигуры перестают играть роль стаффажа и становятся полноправными героями. Мастер укрупняет фигуры и приближает их к переднему краю полотна. Из-за этого он вынужден прибегнуть к кадрированию местности и отказаться от широкого панорамного показа, типичного для фламандского пейзажа первой половины XVII века. Сиберехтс обогащает нидерландское искусство, дает познать прелесть общения с природой, показывая ее отдельные скромные уголки — брод у мелкой речушки, полянку, опушку леса, предвосхищая тем самым поиски и находки пейзажистов последующих веков. Серебристый тон типичной для живописца холодной цветовой гаммы вызывает ощущение свежести травы, листвы и воздуха.

Картина считается работой Цезаря Боэтиса ван Эвердингена — мастера «Золотого века» нидерландской живописи, хотя многие искусствоведы приписывают его художественному наследию Бартоломея ван дер Хелста (1613–1670).

В любом случае полотно обладает всеми характеристиками, отличающими классицистический стиль. Ему свойственны ясность и светоностность, представительность, внимание к исполнению деталей и исторические или мифологические отсылки. Маленькая светловолосая девочка, типичная голландка, представлена на живописной полянке в чаще леса. Она одета в желтое фантазийное платье, доходящее до колена, на него накинут замысловато завязанный плащ красного цвета. Ноги ребенка обуты в сандалии, напоминающие древнегреческие, и перевиты желтыми лентами, завязанными бантами. Мастер проводит явные параллели с античной богиней охоты Дианой, чьи атрибуты — рожок и белая гончая, которую придерживает юная особа. На высокий социальный статус изображенной весьма красноречиво указывают жемчужные серьги и ожерелье, этими же морскими драгоценностями украшена повязка на голове, а одна маленькая жемчужинка прикреплена на платье в зоне декольте.