Королевский музей изящных искусств Брюссель

Искусство XVII–XVIII веков

Георг Флегель считается первым немецким художником, писавшим натюрморты, и одним из крупнейших европейских мастеров начала XVII столетия, работавших в этом жанре. Он обучался у известного голландского живописца Лукаса ван Валькенборха, на крупноформатных картинах которого дорисовывал фрукты, овощи и цветы. Позже Флегель начал трудиться самостоятельно, открыл собственную мастерскую.

Сюжет его натюрморта вполне традиционен. На почти лишенном свободного пространства столе располагаются баранья нога и вяленая рыба, пучок петрушки и артишок, фрукты, хлеб, старинный бокал с вином, крабы и голова рыбы на блюде. Все предметы уравновешивают друг друга, придают устойчивость композиции. Четкий рисунок и ясные контуры, ровный свет и спокойный выдержанный колорит, ракурс, данный чуть сверху, многочисленные детали — это те признаки, которые отличают натюрморты Флегеля от несколько пирамидообразных композиций его голландских коллег, творивших в тот же период.

Сцены с выпивающими силенами и вакхами были весьма популярны в эпоху барокко. К этой теме неоднократно обращались ведущие мастера XVII века, такие как Питер Пауль Рубенс, Хусепе де Рибера, Якоб Йордане и другие.

Данная картина относится к раннему периоду творчества Антониса ван Дейка. Он исполнил это полотно, будучи девятнадцатилетним учеником прославленного Рубенса, и в нем ощущаются свойственная мастеру утонченность и одновременная грубоватость в изображении мифологических сюжетов. Фламандские художники показывали героев древнегреческих легенд не легкими, бесплотными, эфемерными существами, а реальными и абсолютно земными.

Автор выбрал момент, когда пиршество с обильными возлияниями подошло к концу и едва держащиеся на ногах участники праздника расходятся. Изрядно выпивший, рыхлый силен вот-вот упадет, если будет лишен поддержки сильной руки фавна. Но козлоногое божество уже сосредоточило свое внимание на юной вакханке и скоро забудет о старом пьянице, который не в силах поднять руку и проливает драгоценное вино из кувшина. Картина «Пьяный силен» является своего рода смешением мифологического жанра с чисто бытовым, юмористическим.

Брюссельский Музей очень богат произведениями Питера Пауля Рубенса. Здесь можно увидеть работы разных периодов, включая его замечательные эскизы. Данная подготовительная штудия неоднократно использовалась художником при создании персонажей многих монументальных картин, к примеру, образа одного из дарителей в «Поклонении волхвов». Этот великолепный эскиз головы человека в четырех различных ракурсах — одна из наиболее популярных работ мастера в собрании. Выразительность и законченность образа, жизненная яркость и правдивость таковы, что произведение приобрело значение и известность. Рубенс, возможно, был бы удивлен такой ее популярностью. Переняв технику масляного эскиза у итальянских художников, он сумел так мастерски развить и усовершенствовать ее, что каждый из его эскизов вполне может считаться самостоятельной работой.

Фоном произведения выступает коричневатый подмалевок. Краски накладываются прозрачными лессировочными слоями, мазок свободный и разнообразный по форме и движению. Наклон головы, поворот лица, даже его разная в каждом случае величина подчинены выражению состояния человека. Искренняя симпатия и интерес к модели ощущаются в движениях кисти художника.

Довольно долго данную работу называли «Мадонна с Младенцем и незабудками», но в настоящее время специалисты сошлись во мнении, что цветок, который в левой руке держит Младенец Иисус, — барвинок, один из символов девственности Богоматери.

Эта небольшая, камерная картина в сравнении с монументальными полотнами Рубенса привлекает своим неожиданно нежным и спокойным настроем. Возможно, она принадлежит к небольшому числу работ, написанных автором не по заказу, с которыми он предпочел не расставаться до конца жизни. Прекрасная сцена может считаться логическим продолжением или барочной версией традиционных итальянских и старофламандских изображений Мадонны в саду. Вероятнее всего, цветущий куст с розовыми соцветиями, барвинок и пейзажный фон на заднем плане исполнены Яном Брейгелем (1568–1625) — другом Рубенса, который неоднократно выступал соавтором «живописца королей», когда было необходимо выписать в картине мельчайшие детали.

Один из крупнейших живописцев Фландрии XVII века Якоб Йордане в отличие от коллег по цеху — Рубенса и Ван Дейка почти всю жизнь провел в родном Антверпене. В его наследии много крупномасштабных картин и росписей, он часто обращался к религиозным, мифологическим, жанровым сценам и портрету, прославился прекрасными акварелями. Огромному числу произведений, созданных мастером на протяжении долгих лет, свойственны цельность и стилистическая узнаваемость, в связи с чем его иногда называют «самым фламандским художником».

В основе данной картины лежит сюжет басни Эзопа. Козлоногий сатир, присутствуя на крестьянской трапезе, с удивлением отмечает непоследовательность действий людей: сначала крестьянин дует на кашу, чтобы ее остудить, в то время как раньше он дул на руки, чтобы согреть их. Йордане исполнил на эту тему несколько работ, довольно сильно отличающихся по композиционному построению. В представленном варианте лесное божество радостно общается с крестьянским семейством за накрытым столом, добродушно принимает обычаи людей. Сатир веселится, радуется и выпивает с ними — он их друг, который зашел в гости и искренне рад встрече. В интерпретации Йорданса сцена приобретает черты бытового жанра, это портрет веселого, немного подвыпившего, простодушного бюргерского семейства. Но вместе с тем в работе отсутствует будничная проза жизни, она праздничная и зрелищная, яркая и декоративная.

Коллекция фламандской живописи XVII века составляет значительную часть Музея. Среди ее шедевров — «Аллегория плодородия», еще издали привлекающая внимание красочностью и праздничным настроением. Картина исполнена Якобом Йордансом совместно с Франсом Снейдерсом, написавшим роскошный натюрморт.

В аллегорической композиции действующими лицами выступают мифологические персонажи — нимфы, вакханты и сатиры, последних обычно изображают в человеческом облике, но с козлиными ногами и рожками на голове. Один из сатиров держит рог изобилия, ему помогает молодой парень, присевший на корточки и тщетно пытающийся рассмешить пригорюнившуюся нимфу или молодую крестьянку. Озорной мальчишка на спине другого сатира, крича и смеясь, протягивает гроздь винограда красавице через голову чернокожего мужчины. Солнечный свет играет на лицах, телах, крупных, сочных плодах. Автор прославляет щедрость обильной природы, приносящей богатые урожаи, воспевает здоровых, крепких, полных сил, жизнерадостных людей. В стоящей обнаженной фигуре, ее певучем плавном силуэте он попытался выразить свое понимание женской красоты. Но живописец не стремился к идеализации, он предпочитал простонародный тип, жанровую трактовку персонажей. Замечателен образ смешливой девочки-шалуньи с высунутым язычком. Возможно, это портрет дочери художника. В представленном аллегорическом полотне поведение героев и их жесты, движения, выражения лиц предельно естественны и правдивы. Искристую, звонкую радость тесного союза человека и природы Йордане воплощает в сочной живописи, используя декоративные яркие пятна красного и синего цветов.

Известность нидерландскому мастеру Херману Сафтлевену принесли лесные пейзажи с изображением рек, а также интерьерные зарисовки. Он происходил из семьи живописцев, его отец, Херман Сафтлевен I, братья Корнелис и Абрахам тоже были известными в XVII веке художниками, пошла по стопам отца и дочь Хермана, Сара Сафтлевен, писавшая акварелью прекрасные цветы.

С деятельностью Хермана Сафтлевена Младшего связаны лучшие достижения кухонного натюрморта в нидерландском искусстве. Они представлены в брюссельском Музее картиной «Внутренний вид крестьянского сарая с натюрмортом и двумя мальчиками». Мастер обратился к этому жанру под влиянием старшего брата, Корнелиса. Художник уделил большое внимание пространственной характеристике среды. Главным выразительным средством у него становится тонко градуированная светотень, благодаря которой предметы, занимающие весь левый передний план полотна — посуда, старые доски, кирпичная стена с отвалившейся штукатуркой, — органично вписаны в интерьер. Человеческие фигуры в правом углу и в глубине картины находятся в тени, они явно написаны для оживления и уравновешивания композиции.

Главной особенностью этой разновидности натюрморта было, наряду с демократизмом тематики, большое внимание к окружающей среде и присутствию в ней человека.

Фламандский живописец Франс Снейдерс представлен в Королевском музее изящных искусств как своими известными натюрмортами, так и выразительными сценами охот. Внимательный наблюдатель природы, он являлся великолепным знатоком животного мира.

«Охота на лань» — одна из лучших картин, выполненных художником. Драматическая сцена смерти животного занимает центр большого удлиненного холста.

Мирный пейзаж с небольшими пригорками и перелесками расстилается далеко до горизонта и своим спокойным, лиричным настроением служит контрастом ожесточенной битве. Автора увлекает изображение пластической красоты тел движущихся зверей, передача их гнева, ярости и страха. Выразительность его охотничьих сцен настолько сильна, что, кажется, слышны предсмертный вопль боли затравленной лани и бешеный лай разъяренных охотничьих собак. Во фламандском искусстве трудно отыскать другого живописца, который с таким мастерством умел передавать облик, повадки, характер и своеобразие каждого животного. Наделенный блестящим колористическим даром, Снейдерс писал легко и непринужденно, с поразительной виртуозностью воспроизводя малейшие индивидуальные особенности зверей, фактуру и окраску их шкур.

Этот живописный портрет эрцгерцога Эрнеста (1553–1595), правителя Испанских Нидерландов, создан художником Корнелисом де Восом по оригиналу Питера Пауля Рубенса.

Произведение входило в серию, состоящую из шести королевских портретов, установленных на задней части Триумфальной арки Филиппа IV (или «Арки Филиппа»). Несколько арок было сооружено в честь торжественного въезда в Антверпен кардинала-инфанта Фердинанда в 1635. Эрцгерцог Эрнест, член австрийского монаршего дома Габсбургов, был одним из претендентов на польский престол, но стал сначала губернатором внутренней Австрии, а затем правителем Испанских Нидерландов. Созданный после смерти владыки портрет достоверно воспроизводит черты лица почившего, но лишен каких-либо психологических свойств. Однако, зная историю написания полотна, становится понятно, что у художника стояла иная задача — восхваление и увековечивание памяти властителя.

Как и предыдущая работа, портрет эрцгерцога Альбрехта VII (1559–1621), брата Эрнеста и последующего после него правителя Испанских Нидерландов, предназначался для Триумфальной арки, восхвалявшей происхождение и могущество Австрийского дома.

Посмертное изображение представляет эрцгерцога в профиль, опирающимся на балюстраду, в элегантном темном костюме с орденом Золотого руна на цепи, в правой руке он держит шляпу, а в левой — шпагу.

Официальный портрет Альбрехта был выполнен Рубенсом в 1616–1617. Известно, что покойный эрцгерцог покровительствовал художнику, был меценатом, коллекционировал произведения искусства. Для этой работы живописец создал множество подготовительных рисунков и эскизов деталей костюма, которые позже де Вос использовал при создании нового парадного портрета. На балюстраде выписаны имя и должность Альбрехта VII на латинском языке.

Необычайно плодовитый неаполитанский художник Сальватор Роза обладал взрывным темпераментом, участвовал во многих восстаниях, был знаменит прозвищем «Вечный бунтарь». В истории искусства он остался благодаря своим интересным живописным интерпретациям мифологических и исторических событий.

В данном случае автор обратился к древнегреческой легенде. Согласно мифологии, Главк был рыбаком, который, отведав однажды магических трав, получил бессмертие, но при этом превратился в получеловека-полурыбу со старческим лицом и большой бородой. Однажды он увидел купающуюся обнаженную нимфу Сциллу и влюбился, она же в ужасе отвергла его ухаживания.

Этот момент мастер и выбрал для изображения на холсте. Главк тянет руки к белокожей красавице, а она, поспешно кутаясь в намокшую одежду, стремится быстрее покинуть берег моря. У истории было продолжение: волшебница Цирцея, любившая Главка, взревновала его к Сцилле и превратила несчастную девушку в морское чудище. Данная картина характерна для творчества и манеры исполнения Сальватора Розы. Его работы не отличаются большим блеском, но чрезвычайно интересны по композиционному строю и выдержанности светотени.

«Смерть Марата» — самое выдающееся произведение французской школы, хранящееся в Музее. «Марату — Давид. Год второй» — такова лаконичная надпись на картине, воспринимающаяся как эпитафия. Жан Поль Марат, один из самых фанатичных, жестоких лидеров французской революции, был убит в 1793 роялисткой Шарлоттой Корде. Давид, будучи его близким другом, сумел с натуры запечатлеть застывающие черты революционера, которому нанесли смертельный удар ножом в сердце во время приема лечебной ванны, облегчавшей страдания мужчины от мучительной кожной болезни.

Давид ограничился лишь самыми необходимыми деталями: окровавленный нож брошен возле ванны, безвольно поникшее тело мощно вылеплено светотенью и уподоблено статуе, в руках Марата письмо, которым воспользовалась убийца, чтобы проникнуть в дом. Закинутая голова и упавшая рука как бы застыли в вечном торжественном покое. Ванна и драпировка ткани, свешивающаяся большими складками, воспринимаются как античный саркофаг.

Шарлотта Корде добровольно отдалась в руки властей. Она предстала перед судом, где держала себя с большим достоинством. Приговоренная к смерти была гильотинирована.