Музей Каподимонте Неаполь

Искусство XVIII–XX Веков

Один из самых успешных художников из Неаполя Франческо Солимена работал в стиле позднего барокко. Рубеж XVII–XVIII веков — время классических парадных портретов, пышных, бравурных картин-аллегорий, то есть стиля, который до сих пор закрепился в сознании европейцев как высшее достижение искусства.

Эта картина — парадный портрет короля Испании. Правитель изображен в традиционных декорациях: богатая портьера золотого цвета, монументальная колонна, аллегорическая фигура льва, попирающего сферу. Свет играет такую же символическую роль, подчеркивая стать монарха.

Искусство Франческо Солимены, наряду с творчеством Луки Джордано и Маттео Претти, стало визитной карточкой академической живописи XVIII столетия.

Гаспаре Траверси учился у знаменитого неаполитанского художника Франческо Солимены. Творчество мастера посвящено религиозной живописи, также он прославился жанровыми картинами и галантными сценками.

Представленная работа — одна из самых известных у художника. Для искусства Траверси в целом характерны крупные непропорциональные, как будто игрушечные фигуры, нарисованные очень объемно и, что парадоксально, реалистично. Караваджиевский, осязаемый свет беспощадно и равномерно выделяет фигуры, каждую мимическую морщинку. Вопреки идеалу античной мужской красоты, которая подчеркивалась сильными, энергичными светотеневыми контрастами, живописец использует эту манеру, чтобы создать полные иронии сценки из жизни обывателей, торговцев, людей светского общества. Наряду с резким светом мастер предпочитал яркие сочетания цветов и сценическую, театральную композицию. Эта условность расположения героев свидетельствует именно о морализаторском назначении полотна, предполагалось, что оно предназначено не для любования, а напоминания себе о нравственных законах общества. В таких картинах, где у каждого персонажа — своя роль, художник изображает стереотипные представления о людях: женщины у него всегда в неловком положении, мужчины занимаются проказами, малыши часто широко распахнутыми глазами, пристально смотрят на зрителя. Дети для него — символ невинности и правды, в то время как взрослые — ходячие образы пороков: глупости, жадности, разврата, тщеславия.

Антонио Джоли — один из самых известных итальянских архитектурных пейзажистов XVIII века. Он работал в жанре ведуты — так обозначали панорамы городского пейзажа, топографически точные изображения местности, районов, улиц. Городской пейзаж стал чрезвычайно популярен в XVII веке в Голландии. Именно оттуда в Рим приехал ведутист Гаспар ван Виттель, который способствовал распространению в Италии моды на большие, скрупулезно выписанные картины городской жизни.

Джоли прославился работами высочайшего мастерства. Первоначально он писал декорации к театральным постановкам. Однако вскоре, перебравшись в Венецию в 1735, художник познакомился с творчеством Каналетто. Этот творец до сих пор считается величайшим ведутистом Италии. Джоли придавал городским видам особое благородство, монументальность, при этом не забывал о верной передаче природы, стремился точно изображать атмосферные и световые эффекты, которые при этом не мешают ясности восприятия всей картины в целом. Здесь художник не просто пишет великолепный вид на дворец Каподимонте, он вводит в полотно сюжет. Поводом для написания произведения стало посещение королем Неаполя Фердинандом IV этого знаменитого замка, где сейчас и располагается музей. Джоли создал классическую ведуту, это одновременно точное изображение и очень атмосферное произведение, полное света, воздуха. Работа покоряет ощущением большого пространства.

Франческо де Мура — известный итальянский художник эпохи позднего барокко, ученик знаменитого Франческо Солимены. Манера, которую он развил в своем творчестве, достаточно узнаваема. Мастер предпочитал парадные, пышные, по-барочному динамичные композиции триумфального характера. Одним из главных элементов полотен был свет, потоки которого играют активную роль в эмоциональном развитии сюжета.

Эта громадных размеров картина представляет аллегорию брака. Живописец перечисляет все традиционные символы и образы, способствующие раскрыть тему супружества: маленькие путти — символы любви, Гименей срывает платок с головы Весты, что означает потерю невинности. Художник виртуозно пишет буйство неба, волны складок покрывала, придает иносказанию эмоциональность и энергию.

Портрет Карл IV написан неизвестным художником второй половины XVIII века. Стилистика изображения свидетельствует о том, что он принадлежал к кругу учеников Антона Рафаэля Менгса. Атрибуция объясняется тем, что именно этот величайший мастер классицизма отказался от излишеств энергичной и светоносной живописи барокко в пользу классицистической ясности. Однако стремление к холодной расчетливости композиции картины органично объединялось с желанием как можно более теплее передать характер и образ портретируемых героев.

Этот портрет также является прекрасным образцом соединения идеализации, условности классицизма с сочувствием главному герою. Мастер выделяет фигуру Карла, пейзаж затемнен и служит лишь условным фоном. При всей отвлеченности места действия и высоком статусе портретируемого, на зрителя смотрит очень душевный человек.

Французский художник Пьер-Жак Волер прославился работами в жанре морского пейзажа, маринами. Он предпочитал создавать картины больших размеров, которые впечатляли тогдашнего зрителя тщательностью отделки живописного полотна и иллюзионистической достоверностью световых и цветовых эффектов небесного свода, потоков воды и огня.

Специалисты предполагают, что грандиозный пейзаж был написан мастером по мотивам действительно случившегося извержения знаменитого вулкана Везувий в 1767. Художнику интересны эти сцены не только из-за световых эффектов, но и в большей степени как отражение эмоций, чувств, внутренней жизни каждого человека. Данное видение природы и окружающего мира было свойственно романтическому направлению в искусстве конца XVIII века. Именно поэтому в наследии Волера сохранилось большое количество монументальных полотен, живописующих такое грандиозное зрелище, как извержение вулкана. Композиция делится пополам по диагонали. Справа — величественный ночной пейзаж. Мастер виртуозно пишет тяжелые, свинцовые облака в небе и холодный свет луны, озаряющих их. К берегу, как призрак, приближается большой корабль. Вдали серебристая темнота и тишина. Во фрагменте звучат классические романтические нотки. С левой стороны все окутано красноватым светом горящей лавы, исторгаемой из вулканического жерла. На переднем плане, на мосту, видны скопления людей, художник очень живо изображает греющихся у костра праздных горожан, лошадей. Пламени Везувия соответствуют огоньки в руках героев. Волер с потрясающим мастерством пишет клубы красновато-оранжевого пламени, блики, отражения на старых неаполитанских камнях, мосту, статуе. Посетители знаменитого вулкана наверняка встречали там репродукции работ художника, он укрепил славу этих мест.

Пьер-Жак Волер происходил из знаменитой семьи художников из Тулона. Его отец был официальным живописцем этого французского города. Несмотря на то что мастер был родом из Франции, источником вдохновения и творческим домом стали для него Италия, Неапольский порт и всемирно известная гора Везувий.

Здесь зритель видит уже привычную для Волера композиционную схему. Он работает в двух гаммах: слева синие тона ночи, справа — красные оттенки освещенного огнями берега. Романтические нотки проявляются в соседстве мрачного тихого моря и народных, почти вакхических плясок у старой пещеры. Живописец использует расхожие образы: эффектные силуэты простых рыбацких барок, парусников, старые, узловатые ветви деревьев, которые таинственно проступают на фоне огней. Он вводит в картину крестьянок, местных рыбаков, мальчишек, сопоставляя хрупкие фигуры людей с монументальными ночными облаками, которые прорезывает бледный лунный свет. Мастер изображает знакомый каждому местному жителю танец «Тарантеллу». Интересно, что, по легенде, он был «изобретен» жертвами тарантулов. Считалось, что отравленные начинали конвульсивно двигаться в экстатической пляске, которая могла продолжаться несколько часов. На картине об этой легенде явственно напоминает необычное окружение: темная ночь, пещера, грандиозный костер, освещающий сцену. Пляска похожа на настоящую вакханалию. Романтические образы удавались мастеру виртуозно и по-человечески тепло. Несмотря на то что он не прогремел на весь мир и его имя известно в основном только в Италии, в ставшем для него родным Неаполе, работы Волера — прекрасный пример любви художника к удивительному в окружающем человека мире.

Неаполитанский художник XVIII века Пьетро Барделлино считается одним из талантливых учеников Франческо де Муры. Общая характеристика его творчества сводится к предпочтению густой, полной фактуры и деликатному сочетанию ясных оттенков лазури, розового и золотого, объединенных общим приглушенным светом.

Здесь мастер изображает фрагмент из знаменитой «Энеиды» Вергилия. Герой Эней спускается в Тартар, где встречает тень своего отца. Тот показывает сыну тени великих умерших людей: цезарей, императоров, консулов. Живопись Барделлино и многих других неаполитанских художников его круга традиционно считалась декоративной по характеру, где сюжет играл второстепенную роль, на первый план выступали нарядность, сочность цветовых сочетаний и театральность жестов.

Мари Элизабет Луиза Виже-Лебрён считается одной из самых знаменитых художниц конца XVIII — начала XIX века. Манеру, в которой работала мастер, называют рококо. Здесь эта стилистика — в живости, сентиментальности выражения лица, тончайших моделировках и изящной отделке фактуры, на поверхности которой играет свет. Также Виже-Лебрён развивала принципы неоклассицизма, что проявляется в общей строгости композиции. Темные, насыщенные тона синего и коричневого прекрасно оттеняют свежесть кожи императрицы, нежность взгляда. Это не единственное изображение венценосной особы в творчестве художницы, она создала около тридцати портретов знаменитой Марии Антуанетты, рисовала придворную аристократию Австрии, Италии, России. Интересно, что дочь Виже-Лебрён породнилась с нашей страной — она вышла замуж за русского аристократа.

Музей владеет представительной коллекцией работ Антонио Манчини. Этот итальянский живописец привлек внимание критиков и любителей искусства в 1867 картиной «Голова ребенка» (хранится в этом же музее). Манчини принадлежал кругу художников-реалистов, «веристов», которые разрабатывали социально значимые темы и писали образы низов итальянского общества. Наследие мастера включает изображения бедняков, детей, бродячих цирковых артистов, музыкантов и обычных прохожих неаполитанских улиц.

Здесь живописец продолжает тему, затронутую еще в начале своего творческого пути, однако сильно меняет саму стилистику. В 1875 художник отправился в Париж, где познакомился с искусством импрессионистов, таких как Эдгар Дега и Эдуард Мане. Их техника настолько впечатлила Манчини, что он радикально обновил свою авторскую манеру. Его палитра стала более светлой, больше внимания мастер стал уделять изображению световых бликов, мазки стали более пастозными, фактура приобрела сложный, фантазийный характер. Благодаря эстетской технике работы живописца от социального звучания трансформировались в сторону декоративности. На картине видно, как он увлекается обработкой фактуры, прочерчивает линии, штрихует намеренно нервно, накладывает дополнительные, отвлеченные по характеру мазки. Хаотичным нагромождением красок, их случайностью нанесения художник хочет создать специфическую атмосферу, ощущение от жара, когда все вокруг представляется будто тонущим в тумане и ускользающим от внимания. Манчини использует сочетание голубого и розового как знак полусонного, полубессознательного состояния. Рука безвольно лежит на кровати, взгляд малыша устремлен в одну точку. Живописец мастерски, психологически достоверно схватывает состояние малыша. Художник выполнил еще несколько картин с подобным сюжетом, варьируя позу ребенка и ракурс изображения.

Винченцо Мильяро — известный неаполитанский художник, который работал на рубеже XIX–XX веков, впитав основные приемы и техники европейской живописи того времени. Он считается бытописателем местной неаполитанской жизни. После окончания Института изящных искусств в Неаполе, в 1877, Мильяро ненадолго посетил тогдашнюю мировую художественную столицу — Париж. Там итальянец впервые воочию увидел шедевры Лувра, которые ошеломили его своим великолепным качеством. Также мастер познакомился с импрессионизмом, что нашло отражение в его живописной манере. По возращении на родину Мильяро начал активно выставлять свои полотна, на них тщательно, с большим интересом и явной симпатией были запечатлены городские сценки и типы жителей Неаполя.

Художник изображает одно из самых красивых мест города — холм Позиллипо. На возвышении расположилась таверна, откуда открывается великолепный вид на Неаполитанский залив и знаменитый Везувий. Все залито ярким светом. Путешественникам, бывавшим в Италии, знакомы эти сцены сиесты, полдня городов. Даже море мастер пишет одним движением, приглушенным сине-зеленым цветом, который служит контрастом, но на солнце и вода приобретает серо-коричневый оттенок. Мильяро, как и импрессионисты того времени, отказывается от представительности и симметрии композиции в академической манере, он выбирает случайный момент будней небольшого трактира. Эта картина — прекрасный пример творчества художника, теплого по отношению к жизни, она — своеобразная хроника города.

Государственный музей искусств Дании по праву гордится своей коллекцией. Особенно полно здесь представлено искусство Западной Европы после XIV века. В музейной экспозиции — полотна Мантеньи, Тициана, Рубенса, Лукаса Кранаха Старшего, Рембрандта, Гийсбрехтса, Абильгарда, Хаммерсхоя, Нольде, Иорна, Леммерца, а также превосходные картины датских художников «Золотого века», включая Экерсберга и Кобке, работы Пикассо и всемирно известное собрание работ Анри Матисса.