Национальная галерея искусства Вашингтон

Искусство Соединенных Штатов Америки

Выдающийся американский портретист и исторический живописец Джон Копли начал свою карьеру в Бостоне. Лишь в 1775, в преддверии войны за независимость, он отправился за границу и вскоре вместе с семьей осел в Лондоне.

На картине показано подлинное происшествие, имевшее место в 1749. На молодого британского моряка в гавани Гаваны напала акула. Она откусила ему икру на одной ноге, а затем ступню другой ноги. Художник изобразил напряженный момент противостояния — успеет ли один из находящихся в лодке пронзить чудовище багром или же несчастный погибнет? Вся пирамидальная композиция, вершиной которой является рукоятка поднятого багра, пронизана движением.

Юношу спасли, деревянная нога не помешала ему счастливо прожить жизнь — он стал генералом-интендантом британской армии в Америке, членом парламента и даже лордом-мэром Лондона.

Полотно было заказано Копли, чтобы увековечить чудесное спасение, а затем передано в школу для мальчиков «служить наглядным уроком для молодых» — как гласит надпись на раме.

Копли никогда не был в Гаване и использовал гравюры, с помощью которых довольно точно передал замок Моро (справа), купол собора и монастырские башни. Работа имела колоссальный успех и во многом способствовала популярности художника в Англии. Для себя он сделал точную копию и вариант произведения, которые всю жизнь хранились в его мастерской.

Американская живопись XVIII века находилась под сильным влиянием британского искусства, многие художники не были знакомы с европейской живописью, пока не предприняли путешествия в Европу. Беджамин Вест был первым американским мастером, отправившимся в Старый Свет. Он обосновался в Лондоне, где стал одним из самых прославленных английских живописцев. По заказу короля Георга III Вест написал множество больших исторических картин и портретов.

Один из самых интересных — «Портрет полковника Гая Джонсона», английского уполномоченного по делам индейцев в американских колониях. Рядом с ним Вест изобразил фигуру аборигена с «трубкой мира» в руке в отличие от англичанина, держащего ружье. На заднем плане просматривается идиллическая сцена из индейской жизни на фоне большого водопада, возможно, Ниагарского. Личность туземца неизвестна, скорее всего, это собирательный образ «благородного дикаря». На картине фигура полковника выделяется светом, индеец же виден не сразу, он спрятан в тени. Таким образом живописец противопоставляет освещенную разумом цивилизацию и находящуюся во мраке невежества культуру.

Джеймс Уистлер, американец по рождению, провел ранние годы в России (его отец был приглашен проектировать Николаевскую железную дорогу), где посещал Императорскую Академию художеств. Затем он обучался в Париже, в зрелые годы жил в Лондоне.

Обладая тонким чувством цвета, Уистлер в отличие от импрессионистов широко пользовался тональными гармониями — легчайшими градациями близких между собой оттенков в пределах определенной цветовой гаммы. Мастер по аналогии с музыкой называл свои портреты «симфониями» и «импровизациями».

Представленное полотно — одно из самых известных произведений художника. В его основе — белый цвет, являющийся главным средством характеристики модели — молодой женщины с задумчивым лицом в девственно белом наряде, стоящей на светлой волчьей шкуре с лилией в руке. Ключом к живописному эффекту полотна Уистлер считал его цветовую тональность, которую подолгу обдумывал заранее, старательно смешивая краски для достижения желаемого эффекта.

Основные достижения американского искусства второй половины XIX века во многом связаны с именем художника Уинслоу Хомера, который наряду с Томасом Икинсоном был ведущим представителем реалистической живописи. В молодости Хомер учился литографии, работал иллюстратором. Первые значительные работы — рисованные репортажи с фронтов Гражданской войны — он публиковал в нью-йоркском журнале «Harper's Weekly». Формат издания требовал ясных, лаконичных, но вместе с тем эффектных рисунков. Элемент иллюстративности и графичности можно обнаружить и в живописи автора.

Несмотря на ограниченность выразительных средств, Хомер в своих произведениях прекрасно передавал настроение. Написанная в тот же год, что и роман Марка Твена «Гекльберри Финн», картина отображает свойственное детству атмосферу счастья, свежего летнего дня. В накренившейся под порывом ветра парусной лодке рыбак и трое мальчиков, пересев на один борт стараются восстановить равновесие. Сюжет навевает мечты о плавании, приключениях и дальних неизведанных странах, но в то же время это рыбачье суденышко и люди, смотрящие куда-то вдаль, передают чувство одиночества человека в бескрайнем море. Художник изображал реальные сцены с такой живостью и мощью, что зритель, рассматривающий полотна, проникался их настроением.

Джон Сингер Сарджент — американский художник-космополит, много работавший в Европе. Он приобрел славу наиболее выдающегося портретиста «belle epocque» — «прекрасной эпохи».

Одним из лучших произведений Сарджента является «Отдых». Работая над этой картиной, он словно радовался возможности продемонстрировать виртуозность кисти. В своих близких по технике исполнения к импрессионистам портретах живописец стремился передать впечатление видимых предметов, разнообразие теней и изменчивость цвета. Художник с особой любовью выписывает сложно задрапированную накидку с орнаментом модели и распределение света на объемном платье, добавляя цветовые рефлексы сине-серого тона. В этой работе, созданной для себя, Сарджент абсолютно свободен от той ответственности, которую чувствовал, когда писал заказные портреты. Название произведения и вольная поза героини, прилегшей отдохнуть на диване, в каком-то смысле показывает это. Выполняя портреты богатых и известных персон, мастер постоянно шел на компромисс, стараясь изображать людей не такими, какими они были, а какими хотели себя видеть.

Американский художник Рой Лихтенштейн — один из ярких представителей направления поп-арт в искусстве. Его работы, стилизованные под комиксы, безошибочно узнаваемы. Мастерам поп-арта свойственно изображать известный, растиражированный образ массовой культуры в ином контексте, чтобы он приобретал другой смысл.

Лихтенштейн пересмотрел отношение к мазку кисти. Если с помощью мазка создавалось произведение искусства, то почему он сам не может стать предметом живописи? Почему мазок нельзя не просто нанести, а именно изобразить, показать его как первооснову творчества художника? Так на свет появилась целая серия работ, представляющая живописные мазки. Стоит оговориться, перед зрителем — не сам мазок, автор делает его изображение, презентацию. Чистый желтый цвет мазка без каких-либо оттенков формируется с помощью растровых точек, а тело мазка резко ограничивает черный контур. Так Лихтенштейн закрепил за живописным мазком высокое звание достойного мотива для картины.