Национальная галерея искусства Вашингтон

Искусство Франции

Основоположник классицизма во французской живописи XVII столетия, Никола Пуссен вдохновлялся античностью, искусством Рафаэля и Тициана.

Своими произведениями он старался привнести в господствовавший парадный барочный стиль классическую, строгую сдержанность, чистый, сияющий свет.

Лестница, на которой расположилось Святое семейство, нереальна, она существует в другом, внеземном пространстве, а образы излучают гармонию и спокойную, созерцательную красоту. В самом центре композиции — акцент на яблоко, протянутое Младенцу Иисусу маленьким Иоанном. Мария держит Сына, одновременно демонстрируя и оберегая Его, она — священная опора и преграда. Христос тянется к двоюродному брату, Иоанну Крестителю, мать которого, святая Елизавета, созерцает Его. Фигуру Мадонны уравновешивает сидящий в тени святой Иосиф, яркий свет падает лишь на ступню его выпрямленной ноги.

В картине много иносказательных элементов, на первый взгляд кажущихся случайными: поднесенная Святому семейству корзина с фруктами символизирует земное плодородие, апельсиновые деревца — искупление грехов и начало новой жизни. Рядом со святым Иосифом — классическая ваза, напоминающая об античной Греции, ларец — намек на драгоценные дары восточных волхвов. Композиция устремляется ввысь благодаря настойчивым вертикалям и подчеркнутым горизонталям каменных ступеней — от первых к колоннам и балюстраде портика, открытого в бесконечное небо.

Художественное наследие Ватто, создателя жанра «галантных праздников», невозможно представить без театральных сценок с персонажами комедии дель арте. Вероятно, эта картина — одна из самых поздних композиций с актерами, исполненных живописцем. Она немного перегружена фигурами, в ней не ощущается строгая сдержанность «Жиля» и «Мецетена». Но эта работа в какой-то степени — групповой портрет комедиантов. Посередине маленькой сцены стоит Жиль, у ног которого лежит гирлянда роз. Чувствуется, что этот большеротый и носатый герой реален, он только что сбросил простодушное выражение своего персонажа и явил публике естественное, усталое лицо. Он привлекает внимание товарищей по группе, на него также указывает рука актера, исполняющего роль Арлекина. Вокруг Жиля строится все действие, теснятся другие артисты. В картине пятнадцать фигур, представляющих все маски — тут и Мецетен, и Коломбина, и Панталоне. Это торжественный и прощальный выход на бис комедиантов, которых Ватто вызвал из глубины своих воспоминаний, чтобы показать благодарным ценителям искусства и навсегда проститься с ними. В тесной группе старающихся казаться веселыми лицедеев есть что-то бесконечно печальное. Будто они разделяют грусть, которую испытывает зритель, знающий, что перед ним — последняя театральная композиция мастера.

Придворный художник французского короля Людовика XV и любимый живописец его фаворитки маркизы де Помпадур, Буше с изящной грацией изображал мифологические и аллегорические сцены с богинями и амурами, столь ценимыми в эпоху рококо.

«Портрет мадам Бержере» — один из интереснейших в творчестве мастера. Точно не установлено, кто изображен на холсте. Возможно, это одна из трех жен Бержере де Гранкура — коллекционера, обладавшего самым большим собранием картин и рисунков Буше, или же сама маркиза де Помпадур, так как позу «мадам Бержере» автор повторит в ее более позднем портрете, а черты моделей художник всегда идеализировал. Знатная заказчица позирует живописцу в богатом, переливающемся светлом шелковом платье, лиф украшают букет цветов и объемный голубой бант, цвет которого перекликается с лентами на широкополой соломенной шляпе в ее руке. Произведение построено на сочетании мягких серебристо-оливковых тонов, характерных для живописи XVIII века.

Родоначальник импрессионизма, Эдуард Мане прекрасно умел передавать мимолетное очарование будничной жизни. Он был мастером неформальной композиции и в своих картинах легко отражал впечатления от увиденного.

В данной работе воплощена непосредственность радости и счастья. Прежде всего, умиляет маленькая спящая собачка на руках у женщины — один из самых очаровательных образов животного в истории искусства. Привлекает и рыжеволосая Виктория Меран — модель Мане, известная по картинам «Олимпия» и «Завтрак на траве». Но самый большой интерес вызывает главная героиня произведения — девочка, дочка друга художника, Альфонса Хирша. Следя за ней, по тому, как она держится за прутья решетки и как повернута ее голова, становится понятна та напряженность, сосредоточенность, с которой ребенок смотрит на железную дорогу и прибывающий поезд. Зритель вместе с ней испытывает чувство радости и восторга при виде окутанного паром поезда.

«Железная дорога» — почти семейный фотоснимок, сделанный с такой напряженностью и красочностью, которая превосходит возможности фотографии. Это была первая картина, которую Мане написал на пленэре. На Салоне 1874 она стала своеобразным знаменем революции в живописи.

Французский живописец, один из основателей импрессионизма, Клод Моне в 1865 начал работу над амбициозным проектом. Он поставил себе цель создать некую сцену в пейзаже с фигурами в натуральную величину, которая по масштабу могла бы соперничать с «Завтраком на траве» Эдуарда Мане. Но если Мане заимствовал композицию для своего знаменитого произведения из ренессансной гравюры, то Моне стремился к большей естественности и современности, поэтому отправился на пленэр. За ним в деревню последовал один из его друзей — талантливый художник Фредерик Базиль.

Холст, на котором Моне собирался написать свой «Завтрак на траве», был слишком велик, чтобы взять его с собой в лес. Поэтому автор сделал ряд этюдов на пленэре, а потом переработал их в мастерской, представленная картина — один из них. В качестве моделей он пригласил Базиля и свою возлюбленную и натурщицу Камиллу.

Моне всегда оставался верен основному кредо импрессионистов — художник должен воспроизводить на холсте свои визуальные впечатления, пережитые в определенное время и в определенном месте. В изображении природы мастер старался отыскать радостную гармонию красок. Его пейзажи лишены жанрового начала, он стремится дать образ природы в чистом, эстетическом восприятии без каких-либо ассоциативных связей. Желая сохранить неповторимость красочных созвучий, Моне писал серии картин с одним выбранным видом природы. Он следил за ней, как за изменчивым и многоликим живым существом.

В 1878 живописец с семьей переехал в деревушку Ветёй, стоящую на берегу Сены в 65 км от Парижа. Там художник стал проводить большую часть своего времени. На полотне запечатлен летний полдень. Бегущие по небу облака и деревья отражаются в быстротекущей реке, россыпь мелких цветов желтеет на берегу. Раздельные мазки чистых цветов, оптически совмещающиеся в глазу зрителя, передают мгновенность пойманного состояния природы, делая эту картину типично импрессионистской работой.

Берта Моризо — блестящая французская художница, благосклонно принятая импрессионистами и входившая в их круг. Ее произведения очень любил Мане, во многом ей покровительствовавший. Но в отличие от своих коллег Моризо никогда не стремилась запечатлеть шумный и беспорядочный мир парижских улиц, кафешантанов и театра, не интересовало ее и изображение обнаженной натуры. Основными темами творчества были семейные портреты, материнство и домашний уют, прогулки на природе, цветущий сад.

Картина «Сестры» была написана, когда художнице еще не исполнилось и тридцати. В светлую, наполненную воздухом комнату Моризо поместила двух сестер, одетых в воздушные платья, на шее обеих девушек — черные бархатные ленты по моде тех лет. Фоном для портретируемых служит диван, обитый крупным цветочным рисунком, выдержанным в серо-розоватых тонах. В этом двойном портрете художница не стремится передать психологическую характеристику молодых девушек, для нее они — скорее, олицетворение дыхания жизни, молодости и свежести. Легкая, наполненная светом и радостным ощущением живопись Берты Моризо создает манящие образы, которые вызывают в душе ощущение гармонии и красоты.

Ренуар был самым привлекательным для американцев художником-импрессионистом, большая часть его произведений находится в Соединенных Штатах Америки. В Национальной галерее хранятся картины разных периодов творчества французского живописца. Модели на портретах Ренуара — в основном друзья автора, те, кто его поддерживал, коллеги-живописцы и члены их семей.

Небольшое по размеру полотно «Мадам Камилла Моне с сыном Жаном в саду» словно является окном в мир, залитый полуденным солнечным светом. Ренуар изобразил красивую молодую женщину в легком платье, которая, вероятно, устала от длительной прогулки и присела отдохнуть. Рядом с ней в свободной позе прилег сын в матросском костюме и веселой желтой панамке на голове. Чтобы не оставлять правую сторону холста пустой, художник нарисовал прогуливающегося по траве петушка желто-коричневого окраса с красным гребешком. Единство композиции достигается также благодаря цветовой гамме и трактовке деталей. Произведение написано в свободной эскизной манере, широкими мазками кисти.

Это произведение Ренуара невольно навевает воспоминания о весне и солнце, о запахе цветов в саду и молодости. Картина состоит из ярких мазков, которые складываются в образы дамы и молодого человека, в розы, цветущие кусты и траву. Живописец создает мистическое ощущение взаимосвязи человека и природы, будто они — одно целое. Несмотря на то что сцена как бы окутана дымкой, фигуры персонажей и их действия безошибочно угадываются. В саду происходит разговор между возлюбленными, дама чуть отстранена, в то время как молодой человек, срывая цветок, пытается настоять на своем, об этом красноречиво говорит его жест — упертая в бок рука. Ренуар любил нежные, пастельные тона — розовые, голубые, зеленые, — возможно, это влияние работы по росписи фарфора, которой он занимался в юности. В картинах художника всегда много солнца и света, они наполнены дыханием жизни, а свободный мазок усиливает впечатление особой одухотворенности изменчивого мира.

Американка по происхождению, Мэри Кассат была дочерью богатых родителей, но променяла благополучные Соединенные Штаты Америки на живопись и богемную жизнь в Париже. Под влиянием своего друга и учителя Дега она прилежно изучала и копировала произведения старых мастеров. Он пригласил Кассат участвовать в выставках импрессионистов. Любимыми персонажами ее картин были мать и дитя, играющие дети, сестры, преимущественно женские образы.

В театральной ложе сидят две молодые девушки, вероятно, это их первый выход в свет. Пока еще они чувствуют себя неуютно во взрослом мире, невольно прижимаются друг к другу, одна из них смущенно прикрывает веером лицо. Но скоро неуверенность пройдет, и девушки займут достойное место в обществе. Момент случайности и мимолетности определяет композиционную структуру и живописный строй холста. Картина написана в обычной импрессионистической манере художницы, которой присущи хрупкость и утонченность, мягкость теплых розово-бежевых сочетаний цвета. «Ложа» — характерное произведение Кассат, ее рука весьма узнаваема по интенсивности красочной палитры, широкому и беглому мазку и крупнофигурности композиции.

Поль Гоген на протяжении всей жизни неоднократно исполнял собственные портреты. На них он изображен задумчивым и замкнутым в себе человеком. Иной настрой, иронию несет автопортрет из собрания Национальной галереи. Он был написан в маленькой деревне в Ле Пудальдю, где художник остановился с друзьями. Хозяин гостиницы попросил их расписать стены и мебель. На дубовой двери шкафа мастер и написал свой наполненный известными всем символами «Автопортрет-гротеск». Он условно разделил произведение на две лишенные оттенков цветовые зоны — красную, означающую любовь и страсть, и желтую, намекающую на божественное сияние небесных сил. Нимб над головой художника означает, что он — святой, но висящие яблоки и змейка, обвившаяся вокруг пальцев Гогена, — символы его искушения. Живописец стоит на распутье: что выбрать — порок или добродетель? Но ухмылка на его лице явно говорит о предпочтении мастера, которое подтверждается его дальнейшей биографией.

Голландец по происхождению, один из самых известных художников-постимпрессионистов, Винсент Ван Гог принадлежит к французской художественной школе.

На холсте «Ферма в Провансе» автор изобразил солнечный день ранней осени. Все внимание живописца здесь направлено на передачу красочного колорита природы. Значительная часть плоскости полотна занята золотым полем спелой пшеницы, среди колосьев на втором плане бегло намечена фигура жнеца. Декоративные кустарники с красными цветами вольно расположились недалеко от вымощенной белой галькой дороги, ведущей к ферме. Открытые ворота поместья как бы продолжают картину, приглашая зрителя пройти к дому, выстроенному в типично провансальском уютном стиле, серебристо-зеленым оливковым деревьям и убранным высоким стогам. Почти вся работа написана художником с помощью вертикально нанесенных мазков кисти. В ней нет ощущения тревоги и печали, которые часто можно почувствовать в других творениях Ван Гога. Здесь только ослепительное, радостное солнце Прованса, которое освещает плодородные поля небольшой фермы.

Каждая работа постимпрессиониста Винсента Ван Гога автобиографична. Это произведение он закончил меньше чем за месяц до своего самоубийства. Душевнобольной художник только вышел из больницы и попытался снова заняться живописью, хотя жил в постоянном ожидании нового приступа. В письмах брату Ван Гог признавался, что может изображать только грусть и бесконечное одиночество.

Возможно, в этом холсте живописец решил воплотить образ своей души, выразив в облике крестьянской девушки все свои печали и переживания. Это одна из самых проникновенных и красивых по колориту картин художника. Хрупкое тело девочки, ее длинные худые руки с большими непропорциональными кистями, опущенные плечи, рассеянный взгляд больших глаз — все это передает ощущение тоски. И хотя вокруг героини распростерлась нежная зелень лета, она стоит среди колосьев пшеницы, будто покинутый всеми, одинокий дух полей. Хлеба и цветки маков написаны Ван Гогом абстрактно и в то же время узнаваемо. Известно, что мастер работал над картиной больше обычного, пытаясь изобразить различные зеленые тона злаков, качающихся под порывом ветра.

Французский художник-импрессионист Эдгар Дега смотрел на мир, как на калейдоскоп цветных пятен. Постоянно меняющиеся виды он превращал в определенную композицию и затем использовал в своих картинах. Ускользающее мгновение становилось вечным, являясь сутью импрессионизма. Главным источником вдохновения для Дега были опера и балет. Здесь он мог наблюдать плавные жесты и постоянное движение балерин на сцене и во время репетиций, те изменчивые случайные формы, из которых строил свои композиции.

Но живописец не ограничился передачей мимолетного, в картине «Четыре танцовщицы» он экспериментирует с искусственным освещением — артистки озарены лучами зеленых и красных софитов. Эти цвета смешиваются на фигурах и занавесе, рыже-красный переходит в зеленый и наоборот. Дега считал эту работу одной из самых лучших в своем творчестве и не хотел с ней расставаться.

Полотно «Четыре танцовщицы» относится к последним творениям художника маслом. В холсте отчетливо чувствуется влияние пастельной живописи, в которой Дега работал последние годы, когда зрение начало ухудшаться.

Французский художник-символист Вюйар вместе с Пьером Боннаром и Морисом Дени входил в группу «Наби», направленность которой была близка искусству модерна и символизма. Он приобрел известность как мастер неожиданных цветовых созвучий, обладающий способностью передавать атмосферу и таинственное обаяние повседневной жизни. Поначалу Вюйар писал только интерьеры, но постепенно стал вводить в них женские фигуры.

На данном холсте женщина в бело-красном полосатом платье составляет неотъемлемую часть интерьера — она и дама в красном на втором плане не нарушают молчаливого бытия вещей. Узоры на нарядах женщин, рисунок фона, орнаментальная декоративность вазы и цветов сплетаются в единое цветовое пространство. Художника не интересует передача портретного сходства моделей, они для него — лишь элемент особого, тонкого, эмоционального мира, где сходятся ритмическая выразительность силуэтов и гармония матовых, вибрирующих красок. Эта картина Вюйара — прекрасный образец искусства символизма, полного скрытого смысла и недосказанности.

Итальянец по происхождению, Модильяни большую часть жизнь прожил во Франции и считается одним из художников так называемой парижской школы. Его работы можно узнать по определенным характерным признакам: гибкие линии фигур, у моделей — узкие вытянутые шеи, склоненные головы, тщательно смоделированы носы, глаза часто написаны без обозначения зрачков.

Модильяни создавал только портреты, он сумел соединить формальную стилизацию и очевидное сходство. И даже его прекрасные обнаженные женщины — не рафинированные образы, а по сути — портретные изображения натурщиц. Теплая, мягкая световая гамма «оживляет» полотна живописца. Он одним из первых начал изображать ню более реалистично в эмоциональном плане. Именно это в свое время привело к мгновенному закрытию его первой персональной выставки в Париже.

Картины Амедео Модильяни, выполненные в названном жанре, считаются жемчужиной его творческого наследия.

«Семейство комедиантов» принадлежит к так называемому розовому периоду творчества Пикассо, пришедшему на смену печальному «голубому периоду». Художник заинтересовался образами из мира театра и цирка, в его палитре появились розово-золотистые, красноватые и розово-серые тона, а персонажами картин стали бродячие артисты — клоуны, танцовщицы, жонглеры и акробаты из цирка Медрано, где живописец часто бывал и рисовал своих друзей.

Фигуры комедиантов автор поместил в пустынный, лишенный растительности пейзаж на фоне синего неба, покрытого облаками. Слева — похожий на самого Пикассо Арлекин, который держит за руку девочку, рядом с ними — директор труппы — толстяк, облаченный в красное трико и в колпаке шута, справа — два юных акробата. Вся композиция уравновешивается одинокой фигурой сидящей девушки на первом плане. Персонажи статичны, между ними нет никакой внутренней близости. И хотя они вместе, но каждого сковывает холод внутреннего одиночества. Циркачи застыли, будто в ожидании какой-то команды или приказания двигаться дальше. Большинство произведений Пикассо «розового периода» проникнуто духом трагического одиночества и обездоленности.

Жизнь Анри Руссо можно смело разделить на два этапа: в первом он был никому не известным таможенником, который постоянно рисовал и делал какие-то наброски в любую свободную минуту. Однако в 41 год он твердо решил посвятить себя творчеству. Самоучка Руссо произвел в искусстве своей эпохи подлинную революцию, он привнес в живопись качества, которыми восхищались Пикассо, Дерен, Де Кирико и Вламинк, — непосредственное видение, простоту технического исполнения и наивность. Современники ценили его за колористическое богатство работ и оригинальные сюжеты.

Любимой темой Руссо стало написание экзотических пейзажей — густых тропических лесов с гуляющими по ним хищниками и аборигенами. Интересно отметить, что сам он никогда не покидал пределов Франции и в своих произведениях передавал мечты и представления о неизведанных странах.

Написанная в год смерти автора картина «Тропический лес с обезьянами» показывает яркие, экзотические дебри тропиков. По зарослям скачут разноцветные обезьянки, красочные цветы и листья поражают своими размерами. Замечателен ритм повторяющихся листьев на первом плане — Руссо мог бы стать прекрасным декоратором. Все его картины несут позитивное начало, сам художник говорил: «Когда я просыпаюсь, я могу улыбнуться своим полотнам».

Амстердамский Рейксмузеум — один из крупнейших художественных музеев мира. Сегодня помимо картин здесь хранятся произведения скульптуры, графики, предметы декоративноприкладного искусства, большой отдел занимает искусство Азии. Более миллиона экспонатов охватывают период от Средневековья до XX века. Безусловно, наибольший интерес у посетителей вызывает собрание голландской живописи, которое считается лучшим в мире. Высшую ступень в ее развитии знаменуют произведения мастеров XVII в. и прежде всего Рембрандта. Так, главная экспозиция музея отведена его знаменитому полотну «Ночной дозор».