Толедский музей искусств

Искусство Европы и Соединенных Штатов Америки

Практически не вызывает сомнений, что эта созданная во Флоренции вышитая лента служила антепендиумом — специальной декоративной завесой нижней части христианского алтаря.

Шесть сцен расположены последовательно, подобно тому, как размещаются изображения в современных комиксах, тем самым создавая повествовательную конструкцию. Такой прием использовался художниками начиная с античных времен.

Вышитые драгоценными нитями сцены являются предысторией рождения Христа, они связаны с жизнью Девы Марии, а их источником могло служить одно из апокрифических евангелий (возможно, Евангелие псевдо-Матфея или Протоевангелие от Иакова), а также популярное в те времена сочинение Я. Ворагинского «Золотая легенда», содержащее жития святых и христианские легенды.

Представленная на ленте история начинается с изгнания бездетного Иоакима из храма. Следующая сцена объединяет жизнь безутешного старца, решившего не возвращаться домой, в горах с пастухами и благовестие ангела, сообщившего о том, что его престарелая жена Анна должна родить ребенка — будущую Богоматерь. Далее следуют встреча вернувшегося домой Иоакима и Анны, Рождество Богоматери, введение маленькой Марии во храм и, наконец, обручение Марии с Иосифом. Небольшие фигурки героев создают ощущение монументальности и значительности благодаря пропорциональному решению. Устойчивые и не лишенные объема, они уже очень далеки от средневековой готической трактовки тела. Это определенно возрожденческое по духу произведение, а мастер, его создавший, с большой вероятностью, был знаком с росписями Джотто в капелле дель Арена в Падуе.

Лука делла Роббиа был первым из ваятелей, прославившим свое семейство. Мастер работал с бронзой и мрамором, однако наиболее известен благодаря обращению к глазурованной терракоте при создании скульптур. Техника майолики изобретена не им, однако он значительно усовершенствовал ее добавлением в состав глазури окиси меди. Формулы держались семьей делла Роббиа в строжайшем секрете.

Андреа приходился племянником Луке. Переняв навыки дяди, он продолжил его дело. Как и в случае с данным рельефом, исследователям часто бывает сложно определить, кто именно из делла Роббиа создал то или иное произведение. Большая часть работ — небольшие станковые рельефы с полуфигурными изображениями, в них преобладают белый и голубой цвета.

Изображение Мадонны с Младенцем — излюбленный сюжет делла Роббиа. Подобные наполненные истинным очарованием творения становились украшением домов состоятельных флорентийцев. Блестящая гладкая поверхность рельефа особенно хорошо выглядит на голубом фоне, который в сочетании с облаками в нижней части произведения символизирует райские небеса.

Лукас Кранах Младший работал в мастерской своего отца Лукаса Кранаха Старшего, которую возглавил после его смерти в 1553. Кранах Старший на протяжении всей жизни являлся близким другом Мартина Лютера и написал множество его портретов. Кранах Младший также был лично связан с реформаторами: в 1541 он женился на дочери Грегора Брюкка, а после того, как овдовел в 1550, сочетался браком с племянницей Филиппа Меланхтона.

Оба тестя художника присутствуют на этом групповом портрете знаменитого деятеля и его ближайших соратников. Явной доминантой композиции здесь, как бы то ни было, является не Лютер, а Иоганн-Фридрих Великодушный — курфюрст Саксонии, защищавший реформаторов Виттенберга от католической церкви и императора Священной Римской империи. Его внушительная фигура и полная решимости поза создают убедительный образ заступника, за чьей широкой спиной люди чувствуют себя в безопасности. Инициатор Реформации стоит за его правым плечом, в левой части произведения. Человек, находящийся справа и указывающий пальцем вверх, — главный партнер Лютера, Меланхтон. Канцлер Грегор Брюкк стоит за левым плечом Иоганна-Фридриха, а за спиной Лютера изображен человек, чаще всего определяемый как Георг Спалатин. Личности остальных персонажей остаются под вопросом. Работа является частью большей композиции, возможно, триптиха. Реформаторы явно реагируют на что-то происходящее слева вверху по отношению к ним, смотря в этом направлении. Частично видный герб в руках у путти в нижнем углу картины, вероятно, принадлежит ее заказчику.

Эта необычная для своего времени картина формирует несколько уровней зрительского восприятия, демонстрируя портрет внутри портрета и играя с темой отсутствия и присутствия. Дирк Якобс запечатлел своих родителей. Его отец Якоб Корнелис ван Остзанен, который тоже был художником, пишет свою жену, соответственно, мать Дирка. Известно, что ван Остзанен умер в 1533, а его супруга прожила примерно до 1550 — времени, которым датирована эта работа. Традиционно портреты создавались, чтобы получить ощущение близости человека, которого нет рядом. Если Якобс написал представленное произведение после смерти матери, то он мог обратиться к этой функции изображения, словно оживляя своих умерших родителей.

Ван Остзанен, смотрящий в процессе творчества на жену, встречается взглядом со зрителем, как и его модель. Получается, что сам Дирк Якобс, создавая подобную композицию, мог побыть помимо художника еще натурщиком, зрителем, а также сыном, находящимся под взорами отца и матери. Проявляя такой интерес к неоднозначности ролей и теме взаимоотношений зрителя и произведения искусства, художник намного опережает свое время.

Томас де Кейзер — нидерландский художник, работавший в Амстердаме, испытывавший влияние творчества Рембрандта и Дирка Халса. Наряду с ними мастер стал одним из крупнейших портретистов голландской школы живописи. В XVII веке сделались очень популярными групповые портреты, их заказывали различные профессиональные объединения. Так, например, Рембрандт изображал суконщиков и амстердамских стрелков, Франс Халс запечатлевал членов роты Святого Йорика и регентов приюта престарелых. На данном же полотне зритель видит синдиков гильдии ювелиров Амстердама. В их обязанности входило следить за качеством необработанного материала и изготовленных членами гильдии изделий. Подобные изображения обычно вешались над камином в помещении гильдии, символически обозначая власть синдиков, качество продукции и мастерство работников. В профессиональных групповых портретах того времени заказчики хотели видеть внушающее доверие единство запечатленных лиц. Де Кейзеру весьма хорошо удавалось создавать такие композиции, поэтому к нему часто обращались с заказами.

Каждый из синдиков на этой картине смотрит прямо на зрителя. Композиция портрета предельно лаконична, помимо самих моделей художник изобразил лишь стол и некоторые их атрибуты. Синдик, показанный в левой части работы, — глава гильдии Лоэф Вредерикс, он зажимает в щипцах тигель — небольшой сосуд из пористой кости, впитывающий расплавленную руду, отделяя золото и серебро. Около него — главный пробирщик Якоб ле Мершье, держащий в руке набор пробирных игл, необходимых для определения драгоценных металлов. Он опирается на стол, на углу которого — декоративные серебряные предметы, созданные сообществом. Человек, стоящий рядом с ле Мершье, не идентифицирован, возможно, это один из членов гильдии. Сидящий справа Якоб Эверте Вольфф одной рукой держит серебряный пояс, а другой делает красноречивый, убедительный жест, будто говорящий: «Доверяйте нам».

Изначально эта картина знаменитого фламандца Питера Пауля Рубенса служила алтарным образом в августинской церкви в городе Мехелен, недалеко от Антверпена. Сцена коронования святой Екатерины является несколько видоизмененным сюжетом «Мистического обручения святой Екатерины», происходящего из собрания житий христианских святых «Золотая легенда» Я. Ворагинского. Традиционно Христос одевает на палец Екатерины кольцо, что символизирует их духовную связь. Рубенс же изображает Младенца «награждающим» святую лавровым венцом — знаком победы. Коленопреклоненная Екатерина держит в руке пальмовую ветвь — атрибут мученичества. Коронация, которой отдает предпочтение художник, также является метафорой божественного обручения, но концентрирует внимание на страданиях — теме, востребованной во времена контрреформации. Помимо самой святой, подвергнутой пыткам и обезглавленной императором Максимином за верность христианству, Рубенс написал еще двух мучениц. Слева стоит святая Аполлония, держащая в руке щипцы — прежде чем убить, ей выдергивали зубы. Справа изображена святая Маргарита, отказавшаяся от брака с римским епархом-язычником. Ее отдали на съедение дракону, олицетворяющему Сатану. Именно его девушка и держит на привязи. Чудовище извергло мученицу невредимой, однако позже она все равно была казнена.

Даже в алтарных картинах Рубенс не отказывается от подвижности, энергичности и реалистичности, присущих всем творениям его кисти. Он мастерски использует светотень и насыщенную колористическую живопись для убедительной передачи пластических форм.

Для создания этого полотна Никола Пуссен органически объединил два классических сюжета — «Туалет Венеры» и «Обезоруженный Марс», символизирующий победу любви над войной. К первому относятся сама богиня любви, занятая своей прической, и помогающие ей служанки — три грации, ко второму — Марс, бросивший в стороне шлем и оружие и превративший собственный щит в зеркало для Венеры. Яростный бог войны покорно держит доспех, завороженный ее красотой. Это зеркало становится переходной точкой от прохладных мерцающих тонов, с помощью которых написаны находящиеся в плавном движении грациозные тела девушек, к более теплым и темным оттенкам в изображении Марса и быстрых и проворных жестов купидонов, держащих наготове свои стрелы. В пейзаже этот переход отмечен сменой близкостоящих величественных деревьев открытым видом на озеро и горы с заснеженными вершинами.

Положения, которые придал художник персонажам картины, вдохновлены классической античной скульптурой. Приверженность Пуссена классицизму отражается в порядке, организованности и тщательной продуманности его композиций. Идеалом красоты для живописца была соразмерность частей и целого, можно считать, что она воплощена в этой работе.

В бюргерской Голландии XVII века процветала станковая живопись, множество картин создавалось для частных заказчиков. Разнообразие жанров, предлагавшихся на продажу, было очень велико. Художники зачастую становились очень узкими специалистами, выполняя произведения определенного типа. Так, например, существовали не только пейзажисты, но и пейзажисты, писавшие исключительно зимние виды и, более того, специализировавшиеся на сценах с катанием на коньках. Одним из них был Хендрик Аверкамп.

Мастер изображал сцены, происходящие на замерзшем канале. Этот пейзаж объединил людей из многих социальных слоев, выглядящих по-разному и делающих разные вещи. Кто-то ведет беседу со знакомыми, кто-то катается на санях, запряженных лошадью, кто-то надевает коньки. Рядом с праздными горожанами идут по делам скромные сельские жители. Торговцы, играющие в игру, наподобие гольфа, на льду, противопоставлены трем крестьянам справа, собирающимся ловить рыбу в проруби. Картина Аверкампа не только дает представление о городской жизни Голландии XVII столетия, но и рассказывает множество маленьких историй одновременно, сюжеты к которым зритель волен придумывать сам. Художнику прекрасно удалось передать атмосферу морозного дня, наполненного светлой дымкой, и создать ощущение глубокого пространства с далеким, теряющимся вдалеке горизонтом.

Клод Лоррен — мастер классицистического пейзажа. В основе его произведений лежит кулисный принцип, согласно которому пейзаж преподносится подобно театральной декорации, ограниченной с двух или хотя бы с одной стороны. Не менее важным является присутствие трех планов — ближнего, среднего и теряющегося у горизонта дальнего. Эти пространственные уровни чаще всего формируются с помощью своеобразных вех, ими обыкновенно служат деревья. Для творчества Лоррена характерно использование античной архитектуры в поэтическом ключе, а также привнесение в пейзаж небольшого сюжетного мотива, чаще всего исторического или мифологического, представленного крошечными фигурками на первом плане.

Все вышесказанное можно отнести к данной работе. На ней группа мифических существ предается радостному и мирному времяпрепровождению неподалеку от величественных руин древнего храма на фоне далеко простирающегося пейзажа. Средний план картины отмечен арочным мостом, по которому проходит дорога, ведущая в город. Он относится уже к дальнему плану, где также изображены тающие в воздушной дымке горные вершины. Здесь, как и во всех пейзажах Лоррена, возникает ощущение пространства, наполненного светом и воздухом. Жизнь предстает безмятежной, объятой величавым спокойствием.

Несмотря на то что в Евангелии упоминание о волхвах, пришедших поклониться новорожденному Младенцу Иисусу и принести ему дары, занимает всего несколько строк, этот сюжет приобрел очень высокое значение в христианской культуре и стал одним из наиболее популярных в живописи на религиозную тематику. Его важность заключается в связи с универсальной, общечеловеческой природой Христа, ведь традиционно волхвы символизируют собой три известных западной цивилизации до Колумба континента — Европу, Азию и Африку, а также три стадии жизни — юность, зрелость и старость.

В своей картине Мурильо, соблюдающий эти иконографические традиции, концентрируется на человеческой стороне события. Больше, чем на роскошных одеждах и внешнем облике героев, он акцентирует внимание на их реакции от встречи с новорожденным Сыном Божьим. Особенно способствует выражению искренней радости и торжественного благоговения положение старейшего из волхвов, изображенного спиной к зрителю. Он преклонил колени и всецело обратился к Младенцу, поддерживаемому Богоматерью.

Маттиа Прети — представитель караваджизма неаполитанской школы. Влияние великого мастера проявляется не только в использовании резких светотеневых контрастов, приобретающих у Прети холодное и металлическое сияние, но и в обращении к сюжетам, дающим возможность отразить выраженные проявления жестокости, кульминационные моменты кровавых сцен или их последствия. В связи с этим «Пир Ирода» часто встречается у караваджистов.

Вероятно, эта картина относится к исполненному Прети по заказу неаполитанской знати циклу, посвященному Иоанну Крестителю. Она иллюстрирует мрачный финал жизни святого, который был казнен по прихоти Иродиады, жены Ирода, державшего проповедника в заключении. Ее дочь Саломея преподносит результат свершенного злодеяния матери. Осуществить его позволил танец, который настолько понравился Ироду, что он пообещал падчерице исполнение любого желания. Царица подговорила Саломею попросить смерти Иоанна Крестителя, и правителю пришлось приказать казнить его. Ирод встречает подношение со смятением, сама же Иродиада, помещенная художником в центре композиции, нервно перебирает пальцами одежду, однако ее лицо не выражает никаких эмоций.

Ведута — особый живописный жанр, который приобрел широкую популярность в Венеции XVIII века. Его суть заключалась в детальном изображении городских видов. Подобные картины пользовались большим успехом у состоятельных путешественников и молодых аристократов, осуществлявших образовательные поездки гран-тур. Они привозили с собой на родину полотна с полюбившимися пейзажами, как современные туристы привозят домой открытки.

Каналетто — известнейший ведутист своего времени, начинавший как художник-сценограф. Он испытал влияние творчества Луки Карлевариса и быстро превзошел в мастерстве своего учителя, потеснив его на художественном рынке. Основным достижением Каналетто можно считать соединение типа классической, топографически точной ведуты, утвержденного им же, и далекой от сухости, свободной, даже поэтической, манеры письма, всегда наполненной личным отношением к городу. Главный герой полотен Каналетто — сам город, а фигурки людей имеют второстепенную роль, художник показывает, что венецианцы в принципе существуют, используя их как стаффаж, не мешающий восприятию главного — тщательно выписанной архитектуры и наполненной прохладным светом и воздухом среды.

Известно, что мастер при создании своих работ часто использовал камеру-обскуру, однако его творческий метод никогда не ограничивался сухим копированием. Будучи не подражателем, а художником, он неизменно подчинял выбранные сюжеты собственному видению, даже если оно отличалось от реального положения вещей.

Живший во Франции во время всеобщей любви к изощренным, прихотливым композициям и сюжетам на темы галантных празднеств и фантазийных пасторалей, Жан Батист Шарден был как никто далек от модного стиля рококо и его проявлений в живописи. Его привлекало совсем иное — обыденные и размеренные сцены домашнего быта, представленные в столь величественном и торжественном ключе, что время в них замирает и практически перестает существовать, придавая изображению характер универсальной бытийности.

Работа «Женщина, набирающая воду в баке» объединяет сразу два пристрастия художника — бытовой жанр и натюрморт, в котором живописца манило очарование простых вещей. Так, например, эта медная емкость, откуда героиня берет воду, неоднократно становилась не вспомогательным, а главным героем его произведений. Открытая дверь в другое помещение, где изображены вторая служанка, подметающая пол, и маленькая девочка, напоминает о бытовых сценах малых голландцев, которыми, несомненно, вдохновлялся живописец. Ему мастерски удалось передать различие между фактурами и плавные светотеневые границы. Картины Шардена создают неповторимое ощущение обособленной реальности, вызывая желание стать ее частью или хотя бы длительное время созерцать ее.

Эта сцена, изображающая реальное местечко Шарентон, под Парижем, которое было одним из самых популярных направлений отдыха у столичных жителей XVIII столетия, у Франсуа Буше предстает в присущей ему идиллической трактовке. Художник, считающийся создателем французского пасторального жанра, в своих пейзажных работах не стремился продемонстрировать глубинное понимание сути природы. Он показывал приятные глазу современников виды одомашненной природы, населенной людьми, скорее, играющими в крестьян, чем на самом деле являющимися ими. Как истинное дитя «галантного века», Буше склонен к эффекту легкой театрализации, заставляя зрителя верить в созданную им иллюзию райского сада в современном мире.

Деревья с пышными кронами, бурно текущий поток, белые голуби, вылетающие из-под крыши мельницы, и расчищающееся от облаков небо способствуют возникновению атмосферы пасторали, к чему и стремился художник. Его мир не претендует на реалистичность: выбранные цвета нарочито неестественны. Мастер любил использовать свойственные рококо сложно составленные светлые и холодные оттенки розового и голубого с жемчужными переливами. Это типично и для периода в искусстве, во всем тяготевшего к изысканности и замысловатости и давшего жизнь цветам с такими названиями, как «голубиная шейка», «резвая пастушка», «цвет потерянного времени», «веселая вдова», «цвет бедра испуганной нимфы», и для самого Буше, который, по свидетельству современников, считал, что природе «недостает гармонии и прелести, что она лишена совершенства и плохо освещена». Именно поэтому реалистичным пейзажам живописец предпочитал пасторали, соответствовавшие его вкусу.

Томас Гейнсборо — один из известнейших английских портретистов, принесших славу живописной школе своей страны. Отличительной чертой его произведений является тщательно прописанная пейзажная среда, на фоне которой всегда предстают модели. Мастер вслед за Уильямом Хогартом продолжал традицию портретов типа «сцена собеседования» (conversation piece) — групповых изображений, в которых намечалось взаимодействие между персонажами, чаще всего связанными родственными узами.

В этом полотне Гейнсборо отмечает связь между матерью и дочерью, композиционно объединяя их фигуры, а пейзажное окружение не кажется декоративным задником. Живописная среда, создаваемая кистью художника, всегда будто наполнена свежим прозрачным воздухом. Мастер отдает предпочтение холодным и светлым мерцающим оттенкам, привносящим ощущение лиричной утонченности, чему также способствует легкий, словно летящий мазок.

«Клятва Горациев» — одно из наиболее значительных произведений французской исторической живописи. Основной полноразмерный вариант картины Жак-Луи Давида находится в Лувре, в Толедском музее искусств же хранится уменьшенная авторская копия, написанная двумя годами позже по заказу высокопоставленного придворного — графа Водрё. Она практически ничем не отличается от оригинала, за исключением изображения прялки у ног женщины в правой части полотна. Считается, что в создании этой работы принимал участие ученик Давида Анн-Луи Жироде.

Сюжет знаменитого холста основывается на рассказе римского историка Тита Ливия о вражде Рима с городом Альба-Лонга и трех братьях-близнецах, выбранных из римского патрицианского рода Горациев для сражения с тремя братьями-близнецами из рода Куриациев, происходящего из Альба-Лонги. Горации изображены в рождающей динамичное единение фигур позе римского приветствия, дающими перед отцом клятву победить или умереть; он, в свою очередь, протягивает им мечи. Вся правая часть картины выделена для скорбящих женщин, некоторые из них состоят в родстве как с Горациями, так и с Куриациями. При таком выстраивании композиции образуется контраст между решительными, полными патриотического пафоса мужчинами и страдающими в тревоге за их судьбу женщинами.

Вдохновленная античными идеалами и написанная незадолго до Великой французской революции работа способствовала пробуждению гражданского духа в соотечественниках художника, а впоследствии стала образцовой для национального неоклассицизма — наиболее востребованного стиля во время правления Наполеона Бонапарта.

Рафаэль Пил принадлежит к семье, подарившей Америке талантливых художников в трех поколениях. Он считается первым профессиональным создателем натюрмортов в Соединенных Штатах, его произведения стали основой для формирования национальной школы натюрморта и примером для таких мастеров, как Уильям Харнетт. Пил многое почерпнул в традиции голландского натюрморта XVII века, что непосредственно отразилось на стиле его работ.

Каждый предмет, присутствующий в «Натюрморте с апельсинами», изображен с равной тщательностью и будто достоин отдельной картины, в то же время их совокупность представляет собой цельную и гармоничную композицию. Художник уделяет большое внимание различным фактурам: отражающему свет стеклу бокала, неровной кожуре апельсина, гладким свежим и сморщенным сухим виноградинам, керамической «корзинке» для фруктов. Их убедительности способствует мягкий, но прямой свет. Помещая свои объекты на темном, частично освещенном фоне, Пил добивается выразительности объема. Спираль снятой с апельсина кожуры является визуальным каламбуром к фамилии автора (Peale и peel — «кожура» — в английском читаются почти одинаково). В надписи, присутствующей на картине, говорится: «Написано для коллекции Джона А. Ольстона, покровителя ныне живущих американских художников». Джон Ольстон был братом живописца Вашингтона Ольстона и владельцем плантации в Южной Каролине, а также одним их крупнейших коллекционеров европейского и американского искусства своего времени.

Наряду с философом Сёреном Кьеркегором, писателем Гансом Христианом Андерсеном и скульптором Бертелем Торвальдсеном Кристен Кёбке принадлежит к золотому веку датской культуры, пришедшемуся на 1820-1850-е. Утвердив себя в качестве портретиста и пейзажиста в родном Копенгагене, в 1838–1840 художник отправился в южное путешествие. Некоторое время он прожил в Риме, но именно Неаполитанский залив стал для живописца настоящим источником вдохновения. Зарисовав небольшой эскиз с его изображением на бумаге, мастер уже по возвращении в Данию превратил его в полноценное полотно.

Пейзаж Кёбке отличается сочетанием высокой степени детализации с выразительным и ярким колоритом. Запечатлен жаркий безветренный летний полдень, наполненный тишиной и умиротворением. Сцену оживляют фигурки неаполитанских рыбаков. Некоторые из них показаны за работой, другие разговаривают, починяют снасти, а один и вовсе уснул прямо на корме. Тени лодок, отражающихся в незамутненной воде, мерно колеблются. Голубое безоблачное небо становится еще одним штрихом в создании безмятежного мира, его спокойствие не в силах нарушить даже вид грозного Везувия.

Гюстав Курбе — один из основоположников реализма, утверждавший: «Живопись заключается в представлении вещей, которые художник может увидеть и коснуться. Я твердо придерживаюсь взглядов, что живопись — предельно конкретное искусство и может заключаться лишь в изображении реальных, данных нам вещей. Это совершенно физический язык». Он был ярым противником обращения к историческим и мифологическим сценам, столь распространенным в художественной практике прошлых времен.

В связи с убеждениями мастер и на этой картине представил молодую женщину, не превращающуюся в нимфу или аллегорическую фигуру, а остающуюся самой собой. Цветочный узор ее платья становится дополнительным элементом к лейтмотиву произведения, которым является увитая разнообразными цветами шпалера. Следует отметить, что изображение цветов считалось одним из наименее значительных, низких жанров, согласно рангу Академии художеств. Отводя им главную роль в своем полотне немаленьких размеров, Курбе выводит этот сюжет на новый уровень.

Работа была создана во время пребывания мастера на юго-западе Франции у богатого молодого мецената Этьена Бодри. За год жизни у него Курбе написал около сотни холстов, причем пара дюжин из них, включая «Шпалеру с цветами», посвящена цветочным мотивам. Он мог вдохновляться страстью покровителя к ботанике, а также заинтересованностью адвоката Годена, проживавшего по соседству и знакомого с художником, историей цветочного символизма.

На этой картине выразительность оттенков и разнообразие фактур, которых достигал Курбе, чередуя мазки кисти и резкие удары мастихина, индивидуализируют каждое растение. Изображение цветов не в виде букета, стоящего в вазе, а растущими соотносится со стремлением автора к натурализму и жизненности, а также напоминает о беззаботной чувственности и позволяет представить женщину как цветок среди цветов.

Йозеф Израэле входил в число основных участников гаагской школы живописи, являвшейся самым значительным художественным объединением в Нидерландах во второй половине XIX века. Ее представители следовали реалистическим тенденциям, ориентируясь на произведения французских художников-барбизонцев.

Вероятно, что картина «Анжелюс» Жана Франсуа Милле, основателя и одного из самых знаменитых представителей барбизонской школы, могла вдохновить Израэлса на создание своей «Пастушьей молитвы». Милле изобразил двоих крестьян за вечерней молитвой, и живописец, выбрав тот же сюжет, стремится создать подобное ощущение лирической умиротворенности и глубинного покоя, внушаемого действиями селян и окружающим их пейзажем. Юный пастух на полотне Израэлса молится перед приемом пищи, в то время как девушка наливает ему молоко. Безмятежный вид с далекими холмами и стадом овец вселяет чувство тихого спокойствия и единения людей с природой, которое воспевалось художниками того времени, идеализировавшими простую жизнь крестьян.

«Не затрудняй себя поисками нового: нужно искать новизну не в сюжетах, а в способе их выражения», — писал Камиль Писсарро, один из самых ранних и наиболее последовательных представителей импрессионизма, сыну, также желавшему стать художником. Неожиданный подход к трактовке привычных форм — определяющий для творчества импрессионистов. Обращаясь к традиционным темам, они поражали публику конца 1860-х новаторством техники, которой, по их мнению, надлежало отражать верность индивидуальности, что отождествлялось с искренностью.

Данный натюрморт — первое из полотен Писсарро, ставших убедительным практическим подтверждением его теоретическим измышлениям на тему того, каким должно быть искусство. Для создания необходимой ему фактуры, художник воспользовался мастихином, позволившим добиться выразительных, иногда почти скульптурно рельефных мазков, их резкой смелости противопоставлены проработанные кистью участки. Именно это пластическое разнообразие, изменчивость и неоднородность фактуры делают привлекательной для взгляда зрителей представленную картину. Ее композиция решена с классической строгостью, колорит лишен всплесков ярких красок, а содержательная сторона обыкновенна и буднична.

На этом портрете изображена Виктория Дюбурж, знакомая Эдгара Дега. Рисуя эскизы в Лувре, девушка, желавшая стать художницей, встретила живописца Анри Фантен-Латура и впоследствии стала его женой. Данный холст относится ко времени, когда Дюбурж и Фантен-Латур были помолвлены, и пустой стул, включенный в композицию, может служить своеобразным напоминанием о будущем муже портретируемой. Стеклянная ваза с сиренью на каминной полке, несомненно, отсылает к излюбленному предмету Дюбурж-художницы — она известна своими натюрмортами.

Кажущийся столь легко написанным благодаря эскизной манере портрет является в действительности плодом значительных размышлений Дега. Он не раз переосмыслял его композицию, добавлял и убирал те или иные детали, о чем свидетельствуют наброски в альбоме мастера и подготовительные рисунки. Даже созданное произведение подверглось изменениям: над головой Виктории можно увидеть следы записи прежде изображенных картин в рамах. Портрет — жанр, к которому Дега обращался нечасто, в основном лишь, чтобы запечатлеть близких. Как бы то ни было, его работы обладают остротой и непосредственностью, что делает их особенно выразительными.

Акведук в Пор-Марли, недалеко от Парижа, был сооружен в XVII веке, чтобы снабжать водой из Сены многочисленные фонтаны и каскады в королевских резиденциях в Шато де Марли и Версале. В то время, когда Альфред Сислей создал эту картину, он находился в нерабочем состоянии, но все же оставался точкой притяжения для туристов.

Однако Сислей, живший в деревне Лувесьен, в шаговой доступности от акведука, изобразил постройку в безлюдном пейзаже, и лишь одинокий всадник на лошади — представитель местной полиции — проезжает мимо, не обращая никакого внимания на достопримечательность. В своем творчестве мастер всегда отдавал предпочтение видам природы и сельской местности в отличие от других импрессионистов, любивших писать многолюдные парижские улицы, бульвары и сцены из жизни современных им горожан. Он концентрирует внимание на визуальной стороне сюжета, создавая гармоничное взаимодействие света, цвета и формы. Художник демонстрирует контраст между архитектурным сооружением, творением человеческих рук, и вечно живой, изменяющейся природой, окружающей его. Подвижный и быстрый мазок, использованный в изображении неба, кустов и деревьев, подчеркивает ощущение динамичного непостоянства.

Гюстав Доре, наиболее известный графическими работами и иллюстрациями к произведениям Данте, Мильтона и Шекспира, своим истинным призванием всегда считал живопись. «Я вынужден рисовать иллюстрации, чтобы платить за свои кисти и краски, но мое сердце всегда принадлежало живописи», — признавался он.

Первое путешествие Доре в Шотландию состоялось в 1873 благодаря приглашению его лондонского знакомого — Колонеля Кристофера Тисдейла. О том, насколько сильно художник был потрясен суровой и величественной красотой региона, можно судить по следующей записи: «Впредь, как мне кажется, пять из шести написанных мною пейзажей будут отражать воспоминания о нагорье». Во время поездки Доре неустанно делал зарисовки, а через год вернулся в Шотландию снова. Серия картин, связанных с его путешествиями, появилась в 1874–1881. Эти пейзажи в действительности являются, скорее, его впечатлениями, чем топографическими отражениями реальных видов нагорья. Таким образом, полотно «Северо-Шотландское нагорье» становится воплощением романтически свободной, дикой и неподвластной человеку земли, где крошечные фигурки охотника и его собак кажутся жалкими и незначительными на фоне грандиозных вершин, теряющихся в облаках.

«Дорога в Варжемо» относится к серии картин, написанных Пьером Огюстом Ренуаром во время пребывания в гостях у близкого друга и покровителя, банкира и дипломата Поля Берара, жившего со своей семьей на севере Франции, в Нормандии. Художник провел там лето 1879 и, будучи очарован природой региона — лесами, полями и побережьем близ Варжемо, написал несколько видов этих мест. Полотна не были заказом Берара, согласно воспоминаниям Жак-Эмиля Бланша, также гостившего в Варжемо, Ренуар создал их для собственного удовольствия.

Этот пейзаж написан с присущей импрессионизму легкостью и быстротой. Извилистая дорожка петляет меж холмов и уводит взгляд к морю. Вблизи плоскость картины может показаться не более чем совокупностью хаотично положенных разноцветных и разнонаправленных мазков, однако при должной дистанции она выстраивается в цельную и законченную композицию, в которой большое внимание уделяется разнообразию оттенков растительности и их взаимодействию между собой. Ренуар накладывал тонкие, полупрозрачные слои краски друг на друга, позволяя им смешиваться непосредственно на холсте и создавать светоносный эффект тумана, неясности. Эта подвижная, чуть беспокойная манера письма способствует передаче атмосферы надвигающейся с моря грозы.

Становление Антона Мауве как художника началось в мастерской анималиста Питера Фредерика ван Оса. Под его руководством шестнадцатилетний юноша учился изображать сценки с овцами, коровами и лошадьми. Впоследствии он стал главой реалистической гаагской школы живописи, участники которой стремились передавать в своих произведениях тонкости атмосферы и настроение окружающей среды. Также они отдавали предпочтение работе на пленэре и правдивому отражению тональности голландской природы, определяемой влажным климатом.

«Голландская дорога» Мауве свидетельствует о верности художника этой «поэзии серого», а также следовании традициям национального пейзажа XVII века и современному французскому реализму, в частности произведениям Жана Франсуа Милле. Человек и природа на его картинах всегда сосуществуют в гармонии. Живописец находил вдохновение в героических аспектах повседневности и изображал природу и простую жизнь, грозящую безвозвратно уйти в прошлое из-за промышленной революции и стремительной урбанизации.

Известный новаторским подходом к живописи, Эдуард Мане замыслил создать этот портрет своего друга детства Антонина Пруста без предварительных рисунков и эскизов, на чистом холсте и за один сеанс. На картине первый министр культуры Франции предстает в образе столичного денди, элегантного и одетого с безупречным вкусом.

Портрет, положительно отмеченный критиками после выставки на парижском Салоне 1880 за «смелый и решительный мазок» и «одухотворенное исполнение», на самом деле дался художнику не настолько легко, как он изначально задумывал. Большое количество кракелюров — трещин, покрывающих холст, свидетельствует о нанесении новых слоев краски поверх прежних. Мане, не привыкший к работе без подготовительных эскизов, неоднократно пересматривал решение портрета, счищал краску и клал ее заново. Кроме того, по воспоминаниям модели, живописцу пришлось использовать семь или восемь холстов, прежде чем он достиг удовлетворительного результата.

Данте Габриэль Россетти был одним из основателей «Братства прерафаэлитов» — объединения писателей и художников, возникшего в Англии во второй половине XIX века. Идеалом для его участников являлось творчество мастеров Раннего Возрождения — Перуджино, Фра Анджелико, Сандро Боттичелли и других, создававших свои произведения до Рафаэля, отсюда и название братства. Прерафаэлиты были противниками академического подхода к живописи, первыми в Англии начали творить с натуры, отказываясь изображать природу и людей отвлеченно красивыми.

Богатым источником вдохновения для Россетти стал его знаменитый тезка — Данте Алигьери. В 1861 художник опубликовал перевод «Новой жизни» Данте — сборника автобиографических сонетов и прозы, посвященных любви поэта к Беатриче Портинари, чей образ стал определяющим в его жизни и творчестве. На картине «Приветствие Беатриче» живописец запечатлевает момент из этого произведения, когда Данте встречает повзрослевшую Беатриче впервые после того, как однажды увидел ее в девятилетием возрасте. Фигура девушки является доминантой композиции, поэт, утешаемый ангелом любви в красных одеждах, изображен на заднем плане. Известно, что Россетти был склонен отождествлять свои чувства к женщинам — сначала к своей жене Элизабет Сиддал, а после ее смерти к Джейн Моррис — с прославленной любовью Данте. Возлюбленные художника становились его натурщицами. На этом полотне, его последнем крупном произведении, в образе Беатриче представлена Моррис.

Побывав в 1883 в Париже, Чайльд Гассам познакомился с творчеством импрессионистов и был вдохновлен их излюбленной тематикой — изображениями жизни горожан и городскими пейзажами. Перед зрителем — первая широко известная картина мастера, протяженные улицы родного города он изобразил в близкой к импрессионизму технике. На ней показано пересечение Коламбус-авеню (художник с женой жил в доме N 282) и Эпплтон-стрит. Гассам писал: «Всю улицу покрыли асфальтом, и мне очень нравилось, как в дождливую погоду он блестел и ловил отражения транспорта и прохожих».

На этом полюбившемся ему эффекте, вызванном определенным состоянием погоды и света, живописец и сосредоточивает свое внимание в полотне «Дождливый день, Бостон». Широкая мостовая поблескивает отражениями, красные кирпичи от влажности приобретают мягкий розоватый оттенок. Пасмурное небо и неяркий жемчужный свет способствуют созданию атмосферы тумана, окутывающего здания и фигуры прохожих. Приглушенные тона палитры — розоватые, серые и черные — довершают формирование целостного ощущения ненастного дня.

Художник французской реалистической школы Жюль Бретон изобразил на этой картине молодую босую крестьянку, возвращающуюся вечером с поля, в то время как за ее спиной восходит Капелла — звезда, известная как Пастушья. Натурщица, чей образ использовал живописец для своего полотна, в действительности была крестьянкой, однако мастер придал ее фигуре столь монументальное величие, что она кажется настоящим выражением вневременной идеи. Критик Арсен Хуссе по поводу героини произведения «Пастушья звезда» написал так: «Представьте, что она тащит на своей спине не мешокс картошкой, а сноп пшеницы, и она сразу же превратится в персонификацию урожая. Она могла бы быть современной Церерой».

Хотя Бретон обращался к тем же сюжетам, что и другие художники-реалисты тех лет, он все же был склонен трактовать их в более идеализированном и патетичном ключе. Его восприятие обыденных сторон жизни не лишено романтизма и героизации образов. Это приводило к тому, что картины мастера формальным решением оказывались близкими к произведениям на исторические и мифологические темы, столь ценимым Академией художеств. В данной связи Бретон имел признание у себя на родине, и его полотна всегда получали одобрение на парижских Салонах. Кроме того, мастер был очень популярен в США. «Пастушья звезда» написана по заказу американских дилеров.

Один из основоположников американского импрессионизма, Уильям Меррит Чейз очень любил изображать членов своей семьи. Так, и в «Завтраке на открытом воздухе» он представил сцену спокойной и беззаботной жизни семейства в досужее время. Жена художника Элис сидит за столом рядом с их старшим ребенком в высоком детском креслице. Девушка, стоящая за спинкой стула Эллис, в головном уборе в стиле голландских шляп XVII века и с ракеткой в руке — это сестра Чейза Хэтти. В гамаке покачивается его свояченица Вирджиния Джерсон, а неподалеку на траве спит одна из собак художника. Сцена происходит на заднем дворе дома в Бруклине, куда семья переехала в 1886. Это привело к появлению большого числа картин благодаря легкодоступности работы на пленэре. Фигуры людей являются лишь частью представленных мастером объектов, на первый взгляд не связанных между собой, но образующих приятный и гармоничный эффект. Множество аксессуаров, таких как японская ширма, голландская шляпа, турецкая шапочка, испанская шаль, восточный фарфор и пальма в горшке, указывает на любовь Чейза к разнообразной экзотике, а также на его роль законодателя мод и художника-космополита. В целом картина в своем исполнении совмещает легкость и радость жизни с очевидно испытываемым живописцем удовольствием от творчества.

Американский художник Уильям Меррит Чейз, работавший в самостоятельно выработанном импрессионистическом стиле, сцены свободного времяпрепровождения членов своей семьи брал за основу для полотен на бытовые сюжеты. Живописец наслаждался часами, проведенными вместе с близкими, и испытываемая им радость ощутимо отражается в картинах.

В этом произведении он запечатлел прогулку у океана на Лонг-Айленде в ясный день. Жена Чейза Элис в белом платье и с зонтиком от солнца присматривает за одетыми в такую же светлую одежду дочерьми — их первыми двумя детьми из восьми. Старшая девочка Элис, чьи красные чулки и беретка выигрышно контрастируют с платьицем, бежит за таким же красным мячом, затерявшимся в траве в правой части картины, а ее младшая Дороти изо всех сил старается поспеть за ней. Чейз не выписывает портретные черты своих родных, не стремится отразить их индивидуальные качества. Включая небольшие фигуры в доминирующий, но отнюдь не подавляющий мирный пейзаж с изображением земли, неба и узкой бирюзовой полоски воды, он создает ощущение гармоничного, ничем не омраченного сосуществования людей и природы. Художник будто переносит на холст свое полное чистой радости мироощущение. Мастер был близок по духу знаменитому французскому импрессионисту Клоду Моне, который также изображал собственную семью в сценах с подобным настроением.

«Сейчас мучусь над одной вещью — начато еще до приступа, — над „Жнецом“ Этюд выполнен целиком в желтом и густыми мазками, но мотив прост и красив. Я задумал „Жнеца“, неясную, дьявольски надрывающуюся под раскаленным солнцем над нескончаемой работой фигуру, как воплощение смерти в том смысле, что человечество — это хлеб, который предстоит сжать. Следовательно, „Жнец“ является, так сказать, противоположностью „Сеятелю“, которого я пробовал написать раньше. Но в этом олицетворении смерти нет ничего печального — все происходит на ярком свету, под солнцем, заливающим все своими лучами цвета червонного золота», — сообщил Ван Гог брату Тео, переписку с которым продолжал до самой своей смерти. Жнец и сеятель были знаковыми фигурами для художника, и, как ясно из приведенного отрывка, являлись частью его собственной символической системы. За последние годы жизни, проведенные в Сен-Реми и Овере, он не раз изображал фигуру жнеца в живописных этюдах и законченных произведениях.

«Пшеничное поле со жнецом, Овер» является одним из последних полотен Ван Гога, написанных незадолго до предположительного самоубийства, совершенного в июле 1890. Как и в других картинах, относящихся к периоду творческого расцвета мастера, здесь можно видеть глубоко экспрессивное чувствование природы, проявляющееся в колористической интенсивности и безудержной разнонаправленности быстрых пастозных мазков. Целью своей работы Ван Гог видел не передачу конкретного, мимолетного состояния среды, что являлось важным для импрессионистов, он стремился уловить самую суть того или иного пейзажа, отразить его характер и выразить всю глубину тех чувств, которые пробуждала природа в нем самом.

Наиболее известные картины Поля Гогена написаны в Океании, на острове Таити, где художник пытался скрыться от материалистической, насквозь прогнившей, по его мнению, Европы и обрести гармонию путем возвращения к дикости, воссоединения с природой. Он пребывал на Таити дважды: с? 891 по 1893 и с 1895 до самой смерти.

«Улица на Таити» была создана в первую поездку, когда, очарованный жизнью на острове, Гоген считал, что ему удалось обрести свой рай на земле. Жизненный уклад таитян, местная природа и непривычные в своей насыщенности и яркости цвета вдохновляли его на написание все новых и новых полотен. Мастер наделял остров таинственной и магической силой, которую стремился отразить в своих произведениях. «…Все эти фантастические краски, эта пылающая всеохватная атмосфера молчания. Все это существует как эквивалент величия, глубины, тайны Таити, когда все это надо выразить на полотне размером в один квадратный метр», — писал он. Данный пейзаж одновременно создает ощущение изобилия и величия изображенной земли и вселяет чувство загадочной недосказанности и напряжения, определяющегося смутными тонами тяжелого облака, нависающего над вершинами гор, и не сразу бросающейся в глаза фигурой задумавшейся женщины, сидящей у порога хижины.

Старший современник импрессионистов, французский художник Эдгар Дега хоть и оказался близким к ним в своем неприятии академической традиции, во многих отношениях противоположен этому быстро распространившемуся среди молодых живописцев течению. Дега не был склонен к изображению пейзажей и городских сцен, его интересовал внутренний мир публичных домов, театров, оперы и балета. Балерины и танцовщицы с их сложными грациозными движениями — один из излюбленных сюжетов в его творчестве. Мастер написал множество подобных работ, раз от раза варьируя движения и композицию фигур. Пастель, к которой он постоянно обращался в зрелый период, позволяла создавать вибрирующую живописную поверхность. Множество оттенков на ней взаимодействуют друг с другом, образуя динамичную цветовую среду. Кадрирование сцены таким образом, когда фигуры показаны с близкого ракурса и значительно обрезаны, указывает на увлечение художника фотографией, часто допускающей появление подобных композиций.

Фредерик Ремингтон — художник, специализировавшийся на сценах, связанных с Диким Западом. Помимо картин он выполнял иллюстрации для издательств, выпускавших журналы на ту же тему. Примечательно, что в регионе, который носил название «Дикий Запад», Ремингтон пробыл всего пару месяцев, однако ему удалось запечатлеть эти места и коренных жителей в незатронутом наступающей цивилизацией виде. Сам культурный феномен Дикого Запада как территории с собственным жизненным укладом перестал существовать уже к 1890.

На данном полотне изображены два индейца, которые сидят на спинах своих лошадей, пригнувшись и укрывшись буйволиными шкурами. Таким образом они воплощают проверенный временем охотничий трюк маскировки под бизонов. Как бы то ни было, караван повозок колонистов, едва виднеющийся вдали, указывает на разведывательную, а не промысловую миссию индейцев. Значение холста может включать как ностальгический взгляд на уже ушедший в прошлое образ жизни коренных американцев, так и стереотипное представление об индейцах как людях, ставящих под угрозу жизнь белых поселенцев. Стиль этой работы, написанной за год до смерти Ремингтона, отражает влияние импрессионизма, проявляющееся в чистоте и выразительности цветовой палитры и несглаженном мазке. Заказанное издательством Питера Фенелона Кольера, с которым у художника был контракт, произведение появилось на обложке «Кольеровского еженедельника» в сентябре 1909.

В творчестве Амедео Модильяни переплетаются влияние художников итальянского Возрождения, Пабло Пикассо и модного в то время традиционного африканского искусства. Подобное сочетание источников вдохновения в совокупности с уникальной авторской манерой письма затрудняет отнесение Модильяни к тому или иному направлению в искусстве начала XX века. Тем не менее чаще всего его имя связывают с экспрессионизмом.

При создании портретов мастер больше сосредоточивался на взаимодействии форм, линий и цветовых плоскостей, нежели на отражении характера модели. Он утрировал и заострял определенные индивидуальные черты человека, достигая таким образом выражения подчеркнутой, хотя во многом и абстрактной эмоциональности. Поль Гийом, молодой арт-дилер, сторонник авангарда, поддерживавший Модильяни и выставлявший его работы, изображен здесь в присущей живописцу лаконичной манере. Индивидуальные черты лица — маленький искривленный рот, аккуратно выбритые усы, миндалевидные глаза — сводятся к непроницаемости маски, подобной маскам африканских племен, чье искусство было высоко ценимо как художником, так и самим портретируемым.

Джорджо де Кирико — итальянский художник, основавший направление метафизической живописи, повлиявшее впоследствии на возникновение сюрреализма. С помощью определенных стилистических приемов, неожиданных сопоставлений и сочетаний, игры с масштабами ему удавалось придавать вполне обыденным объектам поистине фантастическое, сновидческое измерение. Метафизическая живопись поэтична, она избегает прямых трактовок и привычной логики, на место которым приходит метафорический язык мечты.

Данное произведение показывает, как де Кирико помещает себя в собственноручно созданную реальность. В 1920-е, находясь в поисках нового стиля, он написал немало автопортретов. Художник, всегда стремившийся обозначить свою связь с традиционным искусством, включая в произведения классическую итальянскую скульптуру и архитектуру, создал в данном случае двойной автопортрет, в котором живописный де Кирико изображен лицом к лицу со своим же портретным изваянием в мраморе. Одушевленная и неодушевленная фигуры принадлежат одному пространству, и в то же время создается впечатление, что одна из них существует в плоскостном измерении, а другая — в трехмерном. В окне, находящемся на заднем плане, виднеется типичный метафизический городской пейзаж, подобные составили славу мастера. Чувство таинственного пустого пространства возникает благодаря далекому от естественного цвета небу, несколько искаженной перспективе и зияющей темноте оконных проемов.

Эдвард Хоппер — представитель американской жанровой живописи. Созданная им художественная манера с лаконичными формами и выразительными композициями, по преимуществу состоящими из небольшого числа персонажей (часто одного или двух, не взаимодействующих друг с другом), которым противопоставлена пустота свободного, незаполненного пространства, позволила считать его произведения манифестом отчужденности, невозможности истинного, глубокого взаимопонимания между людьми.

Даже изображая сцену в театре, мастер выбирает сюжетом не выступление актеров и не толпящихся в фойе во время антракта зрителей, а лишь начавший заполняться людьми зал перед началом спектакля. Каждый из трех персонажей, присутствующих на картине, существует в собственной, отдельной вселенной: женщина, изучающая программку, сидя в ложе, и пара людей, пришедших вместе, но также лишенных единения в образном решении художника. Благодаря композиционной структуре работы зритель может почувствовать себя еще одним посетителем театра, на секунду задержавшим взгляд на происходящем при входе в зал. «Двое в проходе» — первая известная картина Хоппера, посвященная теме театра, к которой он будет неоднократно обращаться впоследствии.

Смитсоновский музей американского искусства представляет посетителям одну из крупнейших коллекций, отражающих национальный характер, устремления и дух американского народа. Произведения из этого собрания раскрывают ключевые аспекты богатой художественной и культурной истории страны от колониального периода до настоящего времени. Музей также располагает полотнами импрессионистов, афроамериканских и латино-американских художников, фотографиями, предметами современного народного искусства и другими коллекциями.