Возможно, лучшая идея

это тот, который вы собираетесь

придумать этот вечер.





Спонтанность

(Особые моменты)


Песня, которая приходит на ум полностью сформированной.

Импульсивные витки Джексона Поллока.

Спонтанное танцевальное движение, заполняющее весь пол.


Художники могут отдавать предпочтение спонтанным работам, считая, что в них есть какая-то высшая чистота или особенность, которые направлены в нужное русло, а не тщательно спланированы.

Но можно ли отличить искусство, которое пришло в голову, от искусства, которое создавалось с умом? И какое значение имеет эта разница?

Искусство, созданное случайно, имеет не больший и не меньший вес, чем искусство, созданное потом и трудом.

Потребовались ли на это месяцы или минуты - не имеет значения. Качество не зависит от количества затраченного времени. Если то, что получилось, нас радует, значит, работа выполнила свою задачу.

Рассказ о спонтанности может быть обманчивым. Мы не видим всей той практики и подготовки, которая предшествует спонтанному появлению художника. Каждая работа содержит в себе опыт всей жизни.

Великие художники часто трудятся над тем, чтобы их работы казались легкими. Иногда они могут потратить годы на тщательную проработку и доводку композиции, чтобы казалось, что она была создана за день или за мгновение.

Есть и те, кто романтизирует планирование и подготовку. Для них спонтанное произведение имеет меньшую ценность. Оно больше похоже на плод удачи, чем на талант художника.

Подумайте о нейтралитете. Просто делайте работу и смотрите, что получится. Если вам нравится результат, примите его благосклонно, независимо от того, пришел ли он внезапно или после долгих трудов, требующих высокой квалификации.

Для некоторых артистов работа дается легко. Боб Дилан мог написать песню за несколько минут, в то время как Леонарду Коэну иногда требовались годы. И мы можем любить эти песни одинаково.

В этом загадочном процессе нет ни закономерности, ни логики. Не все проекты одинаковы, не может быть и двух одинаковых людей. Проект - это проводник, по которому мы идем. И каждый из них имеет свои условия и требования.


Если вы художник, чей процесс основан на интеллекте, возможно, вам будет полезно поиграть со спонтанностью как с инструментом, окном для открытий и точкой доступа к новым частям себя.

Привязанность к какому-либо конкретному творческому процессу может закрыть дверь, через которую проникает спонтанность. Даже если на короткое время оставить эту дверь приоткрытой, это может принести пользу. Мы можем провести эксперимент по сдаче позиций и позволить себе сделать неожиданное открытие.

Если вы садитесь писать без подготовки и предварительных размышлений, вы можете обойти сознание и обратиться к бессознательному. Вы можете обнаружить, что то, что получится, несет в себе заряд, который невозможно воспроизвести рациональными средствами.

Такой подход лежит в основе некоторых форм джаза. Когда музыканты импровизируют, предвзятое отношение к тому, что нужно играть, может помешать исполнению. Задача состоит в том, чтобы быть в этом и позволить музыке играть самой по себе, принимая риск. В хорошую ночь исполнение будет хорошим, а в плохую - плохим. И, возможно, лучшие джазовые музыканты - это те, кто способен создавать особые моменты на достаточно постоянной основе. Даже спонтанность становится лучше с практикой.

Вы можете опасаться, что в спонтанности момента отличная идея может быть упущена или пропущена. Чтобы избежать этого, во время работы с художником я делаю бесконечное количество записей. Когда сторонние наблюдатели приходят в студию, они часто не могут поверить, насколько клиническим выглядит процесс. Они представляют себе большую музыкальную вечеринку. Но мы постоянно генерируем подробные заметки о точках фокусировки и экспериментах, которые необходимо протестировать. Почти все, что говорится, кто-то записывает. Через две недели наступает момент, когда кто-то задает вопрос, например: А что это была за лирика, которая нам понравилась? Как выглядела предыдущая версия этого элемента? Какой дубль был лучшим для заливки, переходящей во второй припев? И мы возвращаемся к нотам.

Постоянно генерируется огромное количество материала, и мы настолько погружены в момент, что невозможно запомнить все, даже то, что произошло несколько секунд назад. К моменту окончания песни я уже поглощен прослушиванием, и эти мысли уходят. Добросовестное ведение записей внимательным наблюдателем помогает не потерять особые моменты в суматохе волнения.

Иногда,

это может быть самый обычный момент

что создает необыкновенное произведение искусства .





Как выбрать


Любое произведение искусства состоит из ряда вариантов, подобно дереву с множеством ветвей.

Наша работа начинается с семени, из которого прорастает ствол основной идеи. По мере его роста каждое принятое нами решение становится ветвью, отходящей в новом направлении и обрастающей все более мелкими деталями по мере продвижения вперед.

На каждой развилке мы можем пойти в любом направлении, и наш выбор изменит конечный результат. Часто радикально.

Как мы решаем, в каком направлении двигаться? Как узнать, какой выбор приведет нас к наилучшему варианту работы?

Ответ коренится в универсальном принципе отношений. Мы можем сказать, где находится что-то по отношению к чему-то другому. И мы можем оценить объект или принцип только в том случае, если нам есть с чем его сравнить и сопоставить. В противном случае это абсолют, не поддающийся оценке.

Мы можем использовать этот принцип для улучшения наших творений с помощью A/B-тестирования. Трудно оценить работу или выбор самостоятельно, без другой точки отсчета. Если поместить два варианта рядом и провести прямое сравнение, то наши предпочтения становятся очевидными.

По возможности мы ограничиваем выбор каждого теста двумя вариантами. Любое большее количество затрудняет процесс. При приготовлении блюда мы можем попробовать два разных сорта одного и того же ингредиента, прежде чем решить, какой из них использовать. Два актера читают один и тот же монолог, два оттенка одного цвета или два разных плана квартиры.

Мы ставим их рядом друг с другом, отходим на шаг и непосредственно сравниваем. Чаще всего предпочтение отдается одному из них.

Если такового нет, то мы успокаиваемся и смотрим, к какому варианту есть тонкая тяга. Следуя естественной обратной связи в теле, мы двигаемся к тому варианту, который намекает на экстаз.

По возможности проводите A/B-тестирование вслепую. Скрывайте как можно больше деталей о каждом варианте, чтобы исключить любые предубеждения, подрывающие справедливость сравнения. Например, некоторые музыканты отдают предпочтение аналоговой или цифровой записи. Стоит записать оба метода, а затем придумать способ прослушивания каждого из них без указания на то, какой из них предпочтительнее. Иногда исполнители сами удивляются своим предпочтениям.

Если вы зашли в тупик при проведении A/B-тестирования, воспользуйтесь методом подбрасывания монеты. Решите, какой вариант будет "головой", а какой - "решкой", затем подбросьте монету. Когда монета будет вращаться в воздухе, вы, скорее всего, заметите тихое предпочтение или желание, чтобы один из двух вариантов оказался в выигрыше. За кого вы болеете? Это и есть тот вариант, который нужно выбрать. Это тот, которого желает сердце. Испытание закончилось еще до того, как монета упала на землю.

При тестировании не следует слишком интеллектуально подходить к выбору критериев. Вы ищете первый инстинкт, мгновенную реакцию, предшествующую размышлениям. Инстинктивная реакция, как правило, является наиболее чистой, в то время как вторая, более разумная мысль, как правило, обрабатывается и искажается в процессе анализа.

Задача состоит в том, чтобы отключить сознание и следовать своим импульсам. У детей это получается исключительно хорошо. За одну минуту они могут пережить несколько различных спонтанных проявлений эмоций без осуждения или привязанности. Когда мы взрослеем, нас учат скрывать или хоронить эти реакции. Это заглушает нашу внутреннюю чувствительность.

Если мы чему-то и должны научиться, так это освободиться от любых убеждений, багажа или догм, которые мешают нам действовать в соответствии с нашей истинной природой. Чем ближе мы к детскому состоянию свободного самовыражения, тем чище наш тест и тем лучше наше искусство.


После завершения работы никакое тестирование не может гарантировать, что мы сделали наилучшую из возможных версий. Эти качества не поддаются измерению. Мы тестируем, чтобы определить, какая версия является наилучшей из имеющихся вариантов.

Независимо от того, какой путь вы выбрали, если вы пройдете его до конца, вы придете к одному и тому же пункту назначения. Этот пункт назначения - работа, которой мы готовы поделиться. Мы оглядываемся назад и удивляемся, как это могло получиться у нас.





Оттенки и степени


При создании произведений искусства пропорции могут быть обманчивы.

Два семени вдохновения могут показаться неотличимыми друг от друга, но одно из них может дать огромный результат, а другое - практически ничего. То, что начинается как молния, может не дать произведения, отражающего его первоначальный размах, в то время как скромная искра может вырасти в эпический шедевр.

В ремесле количество затраченного времени и полученный результат редко находятся в равновесии. Большое движение может реализоваться сразу, а на крошечную деталь может уйти несколько дней. И невозможно предугадать, какую роль сыграет то или иное в конечном результате.

Еще одна удивительная грань процесса - то, как мельчайшие детали могут четко определить произведение. Они могут определить, является ли произведение стимулирующим или вялым, законченным или незаконченным. Один мазок кистью, одна поправка в смеси - и внезапно работа переходит из разряда полуфабрикатов в разряд законченных. Когда это происходит, это кажется чудом.

То, что в конечном итоге делает произведение великим, - это совокупность мельчайших деталей. От начала до конца все имеет оттенки и степени. Не существует фиксированной шкалы. Да и не может быть, потому что иногда самые мелкие элементы имеют наибольший вес.

Если в работе допущено пять ошибок,

она еще не завершена.

Когда в нем восемь ошибок,

это может быть .





Последствия

(Цель)


Иногда вы можете задаться вопросом: Зачем я это делаю? Для чего все это?

Некоторые задаются подобными вопросами рано и часто. Другие, кажется, всю жизнь не задумываются об этом. Может быть, они знают, что создатель и объяснитель - это всегда два разных человека, даже если это один и тот же человек.

В конечном счете, эти вопросы не имеют большого значения. Нет необходимости в том, чтобы то, что мы создаем, имело какую-то цель. При более внимательном рассмотрении эта грандиозная идея может показаться бесполезной. Она подразумевает, что мы знаем больше, чем можем знать.

Если нам нравится то, что мы создаем, нам не обязательно знать, почему. Иногда причины очевидны, иногда нет. И они могут меняться с течением времени. Это может быть хорошо по любой из тысячи различных причин. Когда мы создаем то, что нам нравится, наша миссия выполнена. Не нужно ничего выяснять.

Подумайте про себя:

Я здесь только для того, чтобы создавать.





Свобода


Есть ли у художника социальная ответственность?

Кто-то, возможно, согласится с этим мнением и захочет поощрять художников к соответствующему творчеству.

Те, кто придерживается такого мнения, возможно, не имеют четкого представления о функциях искусства в обществе и его неотъемлемой социальной ценности.

Произведение искусства служит своей цели независимо от заинтересованности создателя в социальной ответственности. Желание изменить мнение людей по какому-либо вопросу или оказать влияние на общество может помешать качеству и чистоте произведения.

Это не означает, что наши работы не могут обладать такими качествами, но, как правило, мы не достигаем их, планируя. В творческом процессе часто бывает труднее достичь цели, если стремиться к ней.

Заранее решая, что сказать, мы не позволяем всему лучшему прийти. Смысл появляется, когда вдохновенная идея воплощается в жизнь.

Лучше всего дождаться завершения работы, чтобы понять, о чем она говорит. Заложником смысла произведения является ограничение.

Произведения, которые пытаются открыто проповедовать какую-то идею, часто не вызывают должного интереса, в то время как произведение, не предназначенное для борьбы с социальным недугом, может стать гимном революционному делу.

Искусство гораздо мощнее, чем наши планы в отношении него.


Искусство не может быть безответственным. Оно затрагивает все аспекты человеческого опыта.

Есть стороны нас самих, которые не приветствуются в вежливом обществе, мысли и чувства, слишком темные, чтобы ими делиться. Когда мы узнаем, как они выражаются в искусстве, мы чувствуем себя менее одинокими.

Более реальные, более человечные.

В этом и заключается терапевтическая сила создания и потребления искусства.

Искусство - это нечто большее, чем суждение. Оно либо говорит с вами, либо нет.

Единственная ответственность художника - это ответственность перед самим произведением. Других требований не существует. Вы вольны создавать то, что хотите.

Вы не должны отстаивать свою работу, как и ваша работа не должна отстаивать ничего, кроме себя самой. Вы не являетесь ее символом. И не обязательно, чтобы она символизировала вас. Она будет интерпретирована и переинтерпретирована в глазах и ушах тех, кто почти ничего о вас не знает.

Если бы вы могли что-то отстаивать, то это была бы защита творческой автономии. Не только от внешних цензоров, но и от голосов в вашей голове, которые усвоили то, что считается приемлемым. Мир свободен лишь настолько, насколько он позволяет своим художникам быть свободными.

Что мы говорим,

что мы поем,

что мы рисуем -

мы можем выбирать.

Мы не несем никакой ответственности

ни к чему, кроме самого искусства.

Искусство - это последнее слово.





Одержимые


Художники часто изображаются в фильмах и книгах как измученные гении. Голодающие, саморазрушающиеся, танцующие на грани безумия.

Это привило веру в то, что для того, чтобы творить искусство, нужно быть сломленным. Или что сила искусства настолько велика, что ломает его создателя.

Ни то, ни другое обобщение не соответствует действительности. Эти заблуждения оказывают удручающее воздействие на начинающих художников. Некоторые творцы живут в глубокой темноте. Другие идут вперед с легкостью и энтузиазмом. Между ними лежит широкий диапазон художественного темперамента.

Для тех, кто призван к искусству и борется с чрезмерной чувствительностью, творческий процесс может обладать терапевтической силой. Он дает ощущение глубокой связи. Безопасное место, где можно высказать невысказанное и обнажить свою душу. В таких случаях искусство не разгадывает творца, а делает его цельным.

Хотя образ мучимого художника, как правило, живет скорее в мифологии, чем в реальности, это не означает, что искусство дается легко. Оно требует навязчивого желания создавать великие вещи. Но это стремление не обязательно должно быть мучительным. Оно может вдохновлять. Все зависит от вас.

Будь то сильная страсть или мучительное принуждение, ни то, ни другое не делает искусство лучше или хуже. Если у вас есть возможность выбирать между этими путями, выбирайте более устойчивый. Художник получает это звание просто благодаря самовыражению, поскольку он работает по-своему, в своем собственном темпе.





Что работает для вас

(Верую)


Есть одна автор песен, которая пишет всю свою музыку в одной и той же грязной комнате в старом офисном здании. К ней не прикасались тридцать лет, и она отказывается, чтобы ее убирали. По ее словам, секрет находится в этой комнате.

Она верит в это, и это работает для нее.

Чарльз Диккенс носил с собой компас, чтобы всегда спать лицом к северу. Он считал, что согласованность с электрическими токами Земли способствует его творчеству. У доктора Сьюза был книжный шкаф с фальшивой дверцей, в которой прятались сотни необычных шляп. Он и его редактор брали по одной шляпе и смотрели друг на друга, пока не приходило вдохновение.

Эти истории могут быть как правдивыми, так и не совсем. Это не имеет значения. Если ритуал или суеверие положительно влияют на творчество художника, то их стоит использовать.

Художники творили всеми возможными способами - в крайностях хаоса и порядка, в точке соприкосновения разных методов одновременно. Не существует ни правильного времени, ни правильной стратегии, ни правильного оборудования.

Советы более опытных художников могут быть полезны, но как информация, а не как предписание. Это может открыть вам другую точку зрения и расширить ваше представление о возможностях.

Как правило, состоявшиеся мастера опираются на свой личный опыт и рекомендуют решения, которые сработали именно для них. Как правило, это касается именно их пути, а не вашего. Стоит помнить, что их путь - это не путь.

Ваш путь уникален, по нему можете идти только вы. Не существует единого пути к великому искусству.

Это не значит, что нужно игнорировать чужую мудрость. Нужно умело принимать мудрость. Примерьте ее на себя и посмотрите, насколько она подходит. Воплощайте то, что полезно. Остальное отпустите. И независимо от того, насколько авторитетен источник, проверьте и настройтесь на себя, чтобы понять, что работает для вас.

Единственная практика, которая имеет значение, - это та, которой вы постоянно занимаетесь, а не практика других художников. Найдите свой самый генерирующий метод, применяйте его, а затем отпустите, когда он перестанет быть полезным. Не существует неправильного способа создания искусства.





Адаптация


Когда мы практикуем, происходит нечто необычное.

Например, когда мы разучиваем музыкальное произведение, мы можем играть его снова и снова. Оно становится немного легче, немного труднее, немного легче. Затем мы останавливаемся и возвращаемся к нему через день или два, и вдруг оно льется из нас гораздо более естественно. Наши пальцы, кажется, стали более ловкими. Трудный узел развязался сам собой.

Это явление отличается от большинства форм обучения. Это не чтение информации и ее запоминание. Это более загадочное явление. Однажды утром вы просыпаетесь и переноситесь в новую реальность, в которой вы вдруг стали обладать большими навыками, чем перед сном. Тело изменилось, адаптируясь к поставленной задаче и поднимаясь для ее выполнения.

Практика позволяет пройти часть пути. Затем требуется время, чтобы практика усвоилась организмом. Мы можем назвать это фазой восстановления. В тяжелой атлетике тренировка разрушает мышцы, а восстановление делает их сильнее, чем прежде. Пассивный элемент тренировки так же важен, как и активный.

Принято считать, что достижение художественного мастерства предполагает неустанный труд. Это действительно так. Но это только половина дела. Можно делать перерывы, отходить от работы и возвращаться к ней позже. Будь то при игре на инструменте или в течение всей жизни, восстановление в подходящий момент приведет к большему скачку в совершенствовании.

Этот цикл практики и адаптации создает многогранный рост. Вы развиваете концентрацию и сосредоточенность, тренируете свой мозг, чтобы учиться более эффективно. Более легко.

В результате улучшаются и другие навыки. Научившись играть на фортепиано, вы, скорее всего, улучшите свой слух. И, возможно, вы станете лучше разбираться в математике.


Этот процесс адаптации играет еще большую роль. Он выходит за рамки обучения. Это аспект Вселенной, проявляющийся через нас. Воля к жизни.

Идея накапливает энергию, создает заряд, жаждет воплощения. Мы слышим ее, видим, представляем, но она может быть на дюймов дальше, чем мы можем до нее дотянуться. По мере того как мы возвращаемся к ней снова и снова, все новые и новые детали оказываются в фокусе, и мы полностью поглощены ею.

Наши возможности растут и расширяются, чтобы прикоснуться к идее, которую предлагает Источник. Мы принимаем эту ответственность с благодарностью, лелеем и оберегаем ее. Признавая со смирением, что она приходит не от нас. Важнее нас. И не только для нас. Мы служим ему.

Именно поэтому мы здесь. Это импульс, благодаря которому человечество развивается. Мы адаптируемся и растем, чтобы получать. Эти врожденные способности позволили людям и всему живому на протяжении многих веков выживать и процветать в постоянно меняющемся мире. И играть предначертанную нам роль в продвижении цикла творения. Поддерживая рождение других новых и более сложных форм. Если мы решим принять в этом участие.





Перевод


Искусство - это акт декодирования. Мы получаем информацию от Источника и интерпретируем ее на языке выбранного нами ремесла.

Во всех областях существуют различные степени беглости. Уровень нашего мастерства влияет на нашу способность наилучшим образом сформулировать этот перевод, подобно тому, как словарный запас влияет на коммуникацию.

Это не прямая зависимость. Это плавная взаимосвязь. Изучая новый язык, вы можете задать вопрос, произнести красиво заученную фразу или случайно сказать что-то смешное. В то же время вы можете чувствовать себя неспособным поделиться более серьезными идеями, более глубокими чувствами и выразить всю полноту своей сущности.

Чем больше мы развиваем, расширяем и оттачиваем свои навыки, тем более свободными мы становимся. Мы можем ощутить большую свободу и меньшую однотипность в процессе создания. И значительно улучшить нашу способность воплощать лучшие версии наших идей в физическом мире.

Как для работы, так и для собственного удовольствия очень важно продолжать оттачивать свое мастерство. Каждый художник на любом этапе своего творчества может стать лучше благодаря практике, учебе и исследованиям. Дары искусства скорее приобретаются и развиваются, чем врождаются. Мы всегда можем совершенствоваться.

Как однажды заметил Арн Андерсон: "Я одновременно и профессор, и студент, потому что если ты больше не студент, то не имеешь права называть себя профессором".

Если вы чувствуете, что не можете взять ноту или точно нарисовать образ, вспомните, что проблема не в том, что вы не можете этого сделать, а в том, что вы этого еще не сделали. Избегайте мыслить категориями невозможности. Если есть какой-то навык или знания, которые необходимы для конкретного проекта, можно выполнить домашнее задание и со временем работать над ним. Вы можете тренироваться для чего угодно.

Хотя эти рамки и расширяют ваши возможности, они не гарантируют, что вы станете великим артистом. Гитарист может сыграть сложнейшее соло, которое, хотя и будет технически впечатляющим, не вызовет эмоционального подъема, а любитель может исполнить простую трехаккордную песню и довести вас до слез.

В то же время не стоит бояться изучать слишком много теории. Это не помешает чистому выражению вашего голоса. Если вы сами этого не допустите. Наличие знаний не повредит работе . А вот то, как вы используете эти знания, может. У вас есть новые инструменты. Вы не обязаны их использовать.

Обучение предоставляет больше способов надежно передать свои идеи. Из расширенного меню мы по-прежнему можем выбрать самый простой, самый элегантный вариант. Такие художники, как Барнетт Ньюман, Пит Мондриан и Джозеф Альберс, получили классическое образование и предпочли посвятить свою карьеру изучению простых, одноцветных, геометрических форм.

Рассматривайте свое ремесло как энергию, живущую в вас. Это такая же часть цикла эволюции, как и другие живые существа. Она хочет расти. Оно хочет цвести.

Оттачивать свое ремесло - значит чтить творчество. Неважно, станете ли вы лучшим в своей области. Практикуя, чтобы совершенствоваться, вы выполняете свое главное предназначение на этой планете .





Чистый лист


Потратив тысячи часов на работу над произведением, трудно судить о нем с нейтральной точки зрения. Когда кто-то впервые знакомится с произведением, уже через две минуты он может увидеть его более отчетливо, чем вы.

Со временем почти каждый художник обнаруживает, что он слишком близок к тому, что создает. После бесконечной работы над одним и тем же произведением теряется перспектива. Развивается некая слепота. Появляются сомнения и дезориентация. Суждения нарушаются.

Если мы приучим себя отстраняться от работы, по-настоящему отрываться от нее, полностью отвлекаться, полностью погружаться во что-то другое...

После достаточно долгого отсутствия, когда мы возвращаемся, мы можем увидеть это как будто впервые.

Это практика очистки листа. Возможность творить как художник и воспринимать работу как первый зритель, отбросив багаж прошлого - то, какой, по вашему мнению, должна быть работа. Задача состоит в том, чтобы быть в настоящем моменте вместе с работой.

Приведем один конкретный пример сохранения чистого листа. Завершающим этапом процесса записи является микширование. На этом этапе звукорежиссер балансирует уровни различных инструментов для наилучшего представления материала.

Прослушивая готовый микс, я составляю список замечаний. Возможно, вокал в бридже звучит недостаточно громко. Барабанная заливка при переходе к последнему припеву должна иметь большее значение. Или нам нужно убрать определенный инструмент во вступлении, чтобы освободить место для другого события.

Обычная практика заключается в том, чтобы внести эти изменения, отметить каждый пункт в контрольном списке, а затем воспроизвести песню с учетом этого списка. Так, вокал в бридже звучит громче, как я просил? Да, проверьте. Барабанная заливка в переходе кажется более важной? Да, проверьте.

Вы предвосхищаете каждую часть. Выборочно обращаете внимание на то, были ли внесены ваши изменения, вместо того чтобы прослушать песню в целом и понять, действительно ли она стала лучше, чем была раньше.

Эго вступает в игру, говоря: "Я хотел, чтобы это произошло, я получил то, что хотел, и проблема решена": Я хотел, чтобы это произошло, я получил то, что хотел, значит, проблема решена.

Но это не всегда верно. Да, изменения были внесены, но улучшили ли они работу? Или они вызвали эффект домино, который породил другие проблемы?

На этой стадии процесса каждый элемент работы является взаимозависимым. Поэтому даже небольшое изменение может привести к неожиданным последствиям. Когда смесь будет обновлена в соответствии с вашим списком, вы можете ошибочно подумать, что достигли прогресса.

Главное - отдать ноты кому-то другому, чтобы он реализовал их, когда это будет возможно, а затем выбросить список и больше никогда к нему не обращаться. Когда пересмотренный микс будет воспроизведен, прослушайте его, как будто в первый раз, и начните составлять новый список замечаний с нуля. Обычно это помогает услышать все как есть на самом деле и направить свой прогресс к наилучшей версии.

Один из способов тренировки "чистоты листа" - не смотреть на работу слишком часто. Если вы закончили какой-то раздел или столкнулись с проблемой, отложите проект и не занимайтесь им в течение некоторого времени. Пусть он постоит минуту, неделю или дольше, пока вы не уйдете в себя.

Медитация - ценный инструмент для того, чтобы нажать на кнопку перезагрузки. Можно также попробовать энергичные физические упражнения, отправиться в живописное путешествие или погрузиться в не связанное с работой творчество.

Когда вы вернетесь с ясной перспективой, у вас, скорее всего, будет достаточно проницательности, чтобы понять, чего хочет и в чем нуждается проект.

То, что позволяет это сделать, - это течение времени. Время - это место, где происходит обучение. И необучение тоже.





Контекст


Представьте себе цветок на открытом лугу.

Теперь возьмите тот же цветок и вставьте его в ствол винтовки. Или положите его на надгробный камень. Обратите внимание на свои ощущения в каждом случае. Значение меняется. В новом окружении один и тот же предмет может приобретать совершенно разные значения.

Контекст меняет содержание.

В своей работе учитывайте последствия этого принципа. Если вы пишете портрет, то фон является частью контекста. Изменение фона проливает новый свет на передний план. Темная обстановка передает иное послание, чем светлая. Плотное окружение ощущается иначе, чем разреженное. Рама, помещение, в котором висит картина, расположенные рядом с ней произведения искусства . Все эти элементы влияют на восприятие произведения.

Некоторые художники предпочитают тщательно контролировать все эти факторы. Другие оставляют их на волю случая. А некоторые создают искусство, полностью зависящее от контекста. Например, коробки Brillo Энди Уорхола. В продуктовом магазине это одноразовая упаковка для полезных кухонных принадлежностей. В музее это редкие предметы, вызывающие восхищение и интригу.

При составлении последовательности композиций размещение тихой песни рядом с громкой влияет на то, как слушатель воспринимает их обе. После тихой песни громкая кажется более взрывной.

Один музыкант, как мне рассказывали, включал свою новую композицию в плейлист вместе с самыми любимыми песнями всех времен и народов, чтобы проверить, насколько его работа соответствует этому контексту. Если нет, он откладывал ее в сторону и продолжал работать над собой.

Социальные нормы любого времени и места - еще одна контекстуальная коробка, в которой живет искусство. Одна и та же история взаимоотношений двух людей может происходить в Детройте или на Бали, в Древнем Риме или в другом измерении. В каждом случае эта история может обрести новый смысл.

Опубликуйте работу в один год, а не в другой, и смысл может снова измениться. Текущие события, культурные тенденции, другие работы, вышедшие одновременно, - все это влияет на восприятие проекта. Время - это еще одна форма контекста.

Если произведение не оправдывает ваших ожиданий, подумайте об изменении контекста. Не ограничиваясь основным элементом, изучите окружающие его переменные. Поиграйте с различными комбинациями. Поставьте его рядом с другими произведениями. Удивите себя.

Несколько распространенных вариантов:

тихо-громко

быстро-медленно

high low

близко-далеко

яркий-темный

большой-маленький

изогнуто-прямолинейный

шероховато-гладкая

до и после

inside-outside

same-different

Новый контекст может создать произведение, более мощное, чем то, которое вы предполагали. То, что вы даже не могли себе представить, изменив один, казалось бы, несущественный элемент .





Энергия

(В работе)


Что побуждает нас так усердно работать? Что заставляет нас заканчивать одни работы, а другие нет?

Нам хочется думать, что это наш энтузиазм. Чувство, которое возникает в момент самовыражения.

Эта энергия не генерируется нами. Мы ее поймали. Мы взяли ее из работы. В ней содержится заряд. Заразительная жизненная сила, которая тянет нас вперед.

Работы, намекающие на величие, несут в себе заряд, который мы можем почувствовать, как статическое электричество перед грозой. Они поглощают своего создателя, занимая мысли и сны. Иногда они становятся смыслом жизни художника.

Чувствуется, что энергия похожа на другую силу созидания в мире:

Любовь.

Кинетическая тяга, не поддающаяся нашему рациональному осмыслению.

В начале проекта волнение - это внутренний вольтметр, за которым нужно следить, чтобы выбрать, какое семя развивать. Когда вы работаете с семенем, а иголка прыгает, это говорит о том, что работа достойна вашего внимания, вашей преданности. Она обладает потенциалом, способным поддержать ваш интерес и сделать усилия стоящими.

По мере того как вы экспериментируете и творите, по мере принятия дальнейших решений срабатывают все более мощные энергетические заряды. Вы замечаете, что теряете счет времени, забываете поесть, отстраняетесь от внешнего мира.

В других случаях процесс превращается в рутину. Минуты проходят медленно, и вы считаете дни до завершения работы. Заключенный вытравливает следы на стенке камеры.

Помните, что энергия, заключенная в работе, не всегда доступна вам. Иногда вы поворачиваете не туда, и заряд теряется. Или вы настолько погружаетесь в детали, что не видите общей картины. Даже при самой большой работе естественно, что воодушевление то нарастает, то спадает.

Если в один прекрасный день работа захватывает, а потом надолго пропадает, возможно, вы столкнулись с ложным индикатором. Если моменты радости кажутся далеким воспоминанием, а работа воспринимается как обязательство по отношению к прошлой идее, это может означать, что Вы либо зашли слишком далеко, либо это конкретное семя еще не было готово к прорастанию.

Если энергия иссякла, нужно либо отойти на несколько шагов назад, чтобы снова получить заряд, либо найти новое зерно, генерирующее возбуждение. Один из навыков, который развивает художник, - это умение распознать, когда ни ему, ни произведению больше нечего дать друг другу.

Все живые существа взаимосвязаны и зависят друг от друга, чтобы выжить. Произведение искусства ничем не отличается от других. Оно вызывает у вас волнение. Оно привлекает ваше внимание. А ваше внимание - это именно то, что необходимо для его развития. Это гармоничная, взаимозависимая связь. Творец и творение зависят друг от друга, чтобы процветать.

Призвание художника - следовать за волнением. Где есть волнение, там есть энергия. А где энергия, там и свет .

Лучшая работа

это та работа, которая вызывает у вас восторг .





Закончить, чтобы начать заново

(Регенерация)


Карл Юнг был одержим идеей построить круглую башню, в которой можно было бы жить, думать и творить. Форма была важна, поскольку он рассматривал "жизнь в круге как нечто вечно возникающее и уходящее".

Мы являемся частью постоянного, взаимосвязанного цикла рождения, смерти и возрождения. Наши тела распадаются в земле, чтобы дать новую жизнь, наш энергетический разум возвращается во Вселенную, чтобы быть использованным заново.

Искусство существует в том же цикле смерти и возрождения. Мы участвуем в нем, завершая один проект, чтобы начать новый. Как и в жизни, каждое завершение приглашает к новому началу. Когда мы поглощены одним произведением до такой степени, что считаем его миссией своей жизни, то для развития следующего произведения не остается места.

Хотя цель художника - величие, это еще и движение вперед. Служа следующему проекту, мы завершаем текущий. Служа текущему проекту, мы завершаем его, чтобы он мог выйти в мир.

Делиться искусством - это цена за его создание. Раскрытие своей уязвимости - это плата.

Из этого опыта рождается возрождение, поиск свежести в себе для следующего проекта. И всех последующих.


Каждый художник создает динамичную историю. Живой музей готовых объектов. Одна работа за другой. Начато, завершено, выпущено. Начато, завершено, выпущено. Снова и снова. Каждое из них - печать времени, отмечающая момент прохождения. Момент, наполненный энергией, теперь навсегда воплощенный в произведении искусства.

Произведение искусства не является самоцелью.

Это станция в путешествии.

Глава в нашей жизни.

Мы признаем, что эти переходы

документируя каждую из .





Играть


Создание произведений искусства - дело серьезное.

Использование творческой энергии Источника.

Передача идей на физический план.

Участие в космическом цикле творения.

Верно и обратное. Создание произведений искусства - это чистая игра.


В каждом художнике живет ребенок, который высыпает на пол коробку мелков и ищет нужный цвет для рисования неба. Это может быть фиолетовый, оливковый или жгуче-оранжевый.

Как художники, мы стремимся сохранить эту игривость при всей серьезности предприятия. Мы принимаем как серьезность обязательств, так и игривость полной свободы в процессе работы.

Серьезное отношение к искусству без серьезного отношения к нему.

Серьезность накладывает на работу груз. Она упускает игривую сторону человеческого бытия. Хаотического оживления присутствия в мире. Легкость чистого наслаждения ради наслаждения.

В игре нет ставок. Нет границ. Нет правильного или неправильного. Нет квот на производительность. Это состояние, в котором ваш дух может быть свободен.

В таком расслабленном состоянии наиболее часто и легко возникают лучшие идеи.

Слишком быстрое придание значения работе пробуждает инстинкт осторожности. Напротив, мы хотим освободиться от оков реальности и избегать любых форм творческой сдержанности.

Не стесняйтесь экспериментировать. Устраивайте беспорядки. Принимайте случайности. Когда время игры закончится, наш взрослый аспект может прийти к анализу: Что сегодня сделали дети? Интересно, хорошо ли это, и что это может значить?

Каждый день - это появление, строительство, разрушение, эксперименты и удивление. Если четырехлетний ребенок теряет интерес к какому-либо занятию, он не пытается завершить его или заставить себя получать от него удовольствие. Они просто переходят к новому занятию. Другая форма игры.

Некоторые аспекты работы могут стать утомительными. Можете ли вы в такие моменты вновь почувствовать дух процесса, заложенный с самого начала?

Однажды в студии с одним артистом мы работали над темповым треком. Мы решили попробовать его в акустическом варианте, что привело к добавлению интересного овердаба. Затем мы выключили звук во всем, кроме овердаба, и услышали его сам по себе, что привело нас к совершенно новому направлению. Каждая итерация приводила к новой версии, и все это было не запланировано и не привязано к какому-то предвзятому мнению.

В итоге получилась прекрасная запись, совершенно не похожая на первоначальное видение песни, которая стала возможной только благодаря тому, что имеющееся было предложено в качестве новой возможности. Вместо того чтобы следовать плану, путь был пройден вслепую.

Это может происходить каждый день. Найдите подсказку, идите по следу, не привязывайтесь к тому, что было раньше. И не зацикливайтесь на решении, которое вы приняли пять минут назад.

Вспомните, как вы были начинающим, когда инструменты вашего ремесла были экзотическими и новыми. Вспомните, как увлекательно было учиться, как радовались первым шагам вперед.

Возможно, это лучший способ сохранить энергию, которая движет работой, и влюбиться в практику снова и снова.

Легко ли дается работа через игру

или с трудом, через борьбу,

на качество готовой продукции не влияет.




Привычка к искусству

(Сангха)


Если вы хотите, чтобы работа поддерживала вас, то, возможно, вы требуете от нее слишком многого. Мы творим в служении искусству, а не для того, чтобы получить от него что-то.

Возможно, Вы стремитесь к успеху как к возможности оставить не приносящую удовлетворения работу и обеспечивать себя за счет своего увлечения. Это вполне разумная цель. Однако если выбор стоит между созданием великого искусства и обеспечением себя, то искусство превыше всего. Рассмотрите другой способ зарабатывать на жизнь. Успеха добиться труднее, когда от этого зависит твоя жизнь.

Искусство - это нестабильная карьера для большинства. Финансовое вознаграждение часто приходит волнами, если вообще приходит. Некоторые художники могут иметь представление о том, что они хотят создать, но могут чувствовать себя сдержанными , поскольку не верят, что это принесет доход. Вполне нормально иметь работу, которая поддерживает ваше увлечение творчеством. И то, и другое - лучший способ сохранить чистоту творчества.

Есть работа, которая требует от вас времени, но не требует ничего другого. Вы можете защитить искусство, которое вы создаете, выбрав профессию, которая дает вам ментальное пространство для формулирования и развития вашего творческого видения мира.

Содержание может быть получено от работы, которая не имеет ничего общего с вашей страстью. Великие идеи часто приходят из неожиданных мест. Многие запоминающиеся песни были написаны людьми, которые занимались нелюбимым делом.

Другой вариант - искать заработок в той области, которой вы увлечены. Это может быть галерея, книжный магазин, музыкальная студия или съемочная площадка. Если поблизости нет работы, спросите, можно ли подрабатывать стажером.

Выбирая работу рядом с любимым делом, вы получаете возможность заглянуть за кулисы ремесла. Вы сможете понаблюдать за повседневной жизнью профессиональных творцов, понять изнутри, что такое индустрия и ее инфраструктура. Прочувствовав на себе, как это работает, вы поймете, достоин ли этот путь вашей преданности.

Даже если на первых порах это означает снижение зарплаты, выбор такой работы может привести к неожиданным возможностям в будущем.

Вы также можете заниматься не связанной с творчеством карьерой, обеспечивающей безопасность, сохраняя при этом искусство как хобби, самое главное в своей жизни. Все пути одинаково достойны.


Что бы вы ни выбрали, полезно иметь рядом с собой попутчиков. Они не обязательно должны быть похожи на вас, просто должны быть в чем-то единомышленниками. Творчество заразительно. Когда мы проводим время с другими творческими людьми, мы впитываем и обмениваемся с ними своим образом мышления, своим взглядом на мир. Такую группу можно назвать Сангхой. Каждый человек в этих отношениях начинает видеть по-своему.

Неважно, совпадает ли их вид искусства с вашим или отличается от него. Приятно находиться в обществе людей, увлеченных искусством, с которыми можно вести долгие дискуссии и обмениваться отзывами о работе.

Принадлежность к творческому сообществу - одна из главных радостей жизни .





Призма себя


Определить свое истинное "я" не так-то просто. Это может оказаться невозможным.

В нас живет множество различных версий меняющегося "я". Предложение быть самим собой может быть слишком общим, чтобы быть полезным. Можно быть собой как художник, быть собой в семье, быть собой на работе, быть собой с друзьями, быть собой во время кризиса или в мирное время, быть собой для себя, когда сам по себе.

В дополнение к этим изменениям в окружающей среде мы постоянно меняемся сами. Наше настроение, уровень энергии, истории, которые мы рассказываем себе, наш предыдущий опыт, то, насколько мы голодны или устали: Все эти варианты создают новый способ существования в каждый момент времени.

В зависимости от того, с кем мы находимся, где мы находимся, в какой безопасности или опасности мы себя чувствуем, мы все время меняемся. Перемещаясь между различными аспектами себя.

У нас может быть один аспект, который хочет быть более смелым или подрывным, который борется с нашим более покладистым, избегающим конфликтов "я". Аспект мечтателя, стремящегося жить в огромных великолепных мирах, может противоречить нашей прагматичной стороне, которая сомневается в нашей способности воплотить свои мечты в жизнь.

Между этими аспектами идет постоянный переговорный процесс. И каждый раз, когда мы настраиваемся на тот или иной из них, возникают различные варианты, меняющие результат нашей работы.

В призму попадает один луч света и разбивается на множество цветов. Самость - это тоже призма. Нейтральные события входят в нее и преобразуются в спектр чувств, мыслей и ощущений. Вся эта информация обрабатывается каждым аспектом "Я" по-своему, по-своему преломляя свет жизни и излучая различные оттенки искусства.

По этой причине не каждая работа может отразить всю нашу сущность. Возможно, это вообще невозможно, как бы мы ни старались. Вместо этого мы можем принять призму себя и продолжать позволять реальности уникально изгибаться через нас.

Подобно калейдоскопу, мы можем регулировать диафрагму нашего видения и менять результаты. Мы можем стремиться работать с одного конкретного аспекта, например, взять персонажа, а создать что-то из нашего самого темного "я" или из нашего самого духовного "я". Эти две работы не будут одинаковыми, но они обе будут исходить от нас, и обе они будут настоящими красками.

Чем больше мы принимаем свою призматическую природу, тем свободнее мы творим в разных цветах и тем больше доверяем противоречивым инстинктам, которыми мы руководствуемся при создании искусства.

Нам не нужно знать, почему что-то хорошо, или задаваться вопросом, является ли это решение "правильным", или точно ли оно отражает нас. Это просто свет, который наша призма излучает естественным образом в данный момент времени .

Любые рамки, методы или обозначения

вы навязываете себе

с такой же вероятностью является ограничением

как открытие .





Пусть будет так


Во-первых, не навреди.

Это кредо является известным руководящим принципом клятвы врача. Считайте это универсальной заповедью. Если вас попросили поучаствовать в проекте коллеги-творца, действуйте деликатно.

Ранний вариант произведения в его черновом виде может таить в себе необыкновенную магию. Прежде всего, это нужно беречь. Работая вместе с другими, не забывайте о клятве.

Простого признания достоинств может быть достаточно, чтобы продвинуть проект. Один знакомый сыграл мне свою текущую работу, попросив высказаться. На мой взгляд, здесь не было ничего, что можно было бы добавить или изменить. Я предложил при окончательном микшировании отказаться от типичной доводки балансов и звуков. Такие стандарты только испортят шедевр. Иногда самое ценное прикосновение соавтора - это вообще отсутствие прикосновения.





Сотрудничество


Призма "Я" отражает один из аспектов нашей сущности в нашей работе. При использовании более чем одной призмы открываются неожиданные возможности. Независимо от того, контрастируют ли перспективы или дополняют друг друга, они объединяются, чтобы создать новое видение.

Назовем это сотрудничество сотрудничеством.

Как и осознанность, сотрудничество - это практика. Чем более умело мы участвуем в этом процессе, тем более комфортным он становится.

Сотрудничество можно сравнить с тем, как импровизирует джазовый ансамбль. Несколько участников, каждый со своей оригинальной точкой зрения, работают вместе, создавая новое целое, действуя и реагируя интуитивно в данный момент. Вы можете вести игру или позволить вести себя, наслаждаясь неожиданностью. Вы можете солировать или полностью выкладываться, как будет лучше для работы.

Каждый раз, когда мы сотрудничаем, мы знакомимся с различными способами работы и решения проблем, которые могут помочь нам в дальнейшем творческом процессе.

Сотрудничество не следует путать с конкуренцией. Это не борьба за власть, чтобы добиться своего или доказать свою правоту.

Конкуренция служит эго. Сотрудничество способствует достижению наивысшего результата.

Рассматривайте сотрудничество как предоставление или получение толчка для того, чтобы перебраться через высокую стену. В этом действии нет борьбы за власть. Вы просто находите оптимальный путь к новой перспективе.

Взвешивать свой вклад в проект - это вредно для проекта. Полагать, что идея лучше всех, потому что она наша, - ошибка неопытности. Эго требует личного авторства, раздувая себя за счет искусства. Оно может отвергать новые методы, которые кажутся нелогичными, и защищать привычные.

Наилучшие результаты достигаются тогда, когда мы беспристрастны и отстранены от собственных стратегий. Мы все выигрываем, когда выбирается лучшая идея, независимо от того, наша она или нет.


Когда я работаю с художниками, мы договариваемся:

Мы продолжаем этот процесс до тех пор, пока не достигнем точки, где мы все довольны работой. Это и есть конечная цель сотрудничества. Если одному человеку все нравится, а другому нет, то, как правило, здесь кроется глубинная проблема, на которую стоит обратить внимание. Скорее всего, это означает, что мы зашли недостаточно далеко и работа не раскрыла свой потенциал.

Если одному из соавторов нравится вариант А, а другой предпочитает вариант В, то решение не в том, чтобы выбрать А или В. А в том, чтобы продолжать работу до тех пор, пока не будет разработан вариант С, который, по мнению обоих художников, является лучшим. Вариант С может включать в себя элементы А, В, обоих вариантов или ни одного из них.

В тот момент, когда один из участников сотрудничества уступает и соглашается на менее предпочтительный вариант ради движения вперед, проигрывают все. Великие решения принимаются не в духе жертвенности. Они принимаются на основе взаимного признания наилучшего из имеющихся решений.

Если вам уже нравится работа в ее нынешнем виде, вы ничего не теряете, пытаясь улучшить ее до тех пор, пока она не станет нравиться всем. Вы не идете на компромисс. Вы работаете вместе, чтобы превзойти текущую версию.


Мы не можем одинаково творить с каждым партнером. Могут объединиться невероятно талантливые люди, но по каким-то причинам они не находят друг в друге отклика. А может быть, кто-то из участников не работает в духе сотрудничества, а задает тон соперничества и убеждения.

Если вы не можете найти общий язык с сотрудником и после многих итераций работы не можете прийти к чему-то особенному, возможно, это не тот человек, который вам нужен.

В то же время может возникнуть и несоответствие, если вы всегда видите собеседника с хорошей стороны. Мы не ищем человека, который думает так же, как мы, работает так же, как мы, и разделяет наши вкусы. Если вы с сотрудником во всем согласны, то один из вас может оказаться лишним.

Представьте себе, что луч света проходит через два фильтра одинакового цвета. Независимо от того, находятся ли они друг от друга или вместе, они дают один и тот же оттенок. В то время как при наложении двух контрастных фильтров получается новый оттенок.

Во многих величайших группах, коллективах и совместных работах определенная полярность между участниками была частью формулы величия. Магия возникает благодаря динамическому напряжению между различными точками зрения, создавая произведения, более самобытные, чем если бы их создавал один голос.

Здоровое напряжение в совместной работе - не редкость. Трение позволяет разгореться огню. Пока мы не привязаны к тому, чтобы все было по-нашему, мы приветствуем эти трения. Это приближает нас к наилучшему варианту работы.

Некоторые коллаборации больше похожи на диктатуру, чем на демократию. Такая система тоже может работать. В этом случае все соглашаются встать в строй за видением одного человека и сделать все возможное для его реализации.

Независимо от того, принимает ли окончательное решение один лидер или коллектив , это все равно совместная работа. Участники предлагают свои лучшие работы в духе сотрудничества.


Коммуникация - основа умелого сотрудничества.

Давая обратную связь, не переходите на личности. Всегда комментируйте саму работу, а не того, кто ее сделал. Если участник принимает критику на свой счет, он, как правило, замыкается в себе.

Будьте максимально конкретны в своих отзывах. Увеличьте масштаб, чтобы обсудить детали того, что вы видите и чувствуете. Чем более клиническим будет отзыв, тем лучше он будет воспринят.

Сказать: "Мне кажется, что цвета в этих двух областях не очень хорошо сочетаются друг с другом" - более полезно, чем "Мне не нравятся эти цвета".

Несмотря на то, что у Вас есть конкретное решение, не стоит сразу сообщать о нем. Возможно, адресат сможет самостоятельно найти лучшее решение.

Когда мы получаем обратную связь, наша задача - отбросить самолюбие и постараться полностью понять предложенную критику. Когда один из участников предлагает конкретную деталь, которую можно улучшить, мы можем ошибочно подумать, что вся работа ставится под сомнение. Наше эго может воспринять помощь как вмешательство.

Следует помнить, что язык - это несовершенное средство коммуникации. Идея изменяется и размывается в результате ее неправильного перевода в слова. Затем эти слова еще больше искажаются через наш фильтр, когда мы их воспринимаем, оставляя нас в мире двусмысленности.

Требуется терпение и усердие, чтобы преодолеть историю того, что, как вам кажется, вы слышите, и приблизиться к пониманию того, что на самом деле говорится.

При получении обратной связи полезно повторить информацию. Вы можете обнаружить, что то, что вы услышали, не совпадает с тем, что было сказано. А то, что было сказано, может даже не совпадать с тем, что имелось в виду.

Задавайте вопросы, чтобы добиться ясности. Когда сотрудники терпеливо объясняют, на какие аспекты работы они обращают внимание, мы можем понять, что наши видения не противоречат друг другу. Мы просто используем разные формулировки или замечаем разные элементы.

При обмене наблюдениями конкретика создает пространство. Она снижает уровень эмоционального заряда и позволяет нам работать вместе на благо произведения.

Синергия группы

не менее важно.

если не важнее.

чем талант

индивидуумов .





Дилемма искренности


Большинство художников переоценивают искренность.

Они стремятся создавать искусство, выражающее их истину. Самую правдивую версию себя.

Искренность, однако, является неуловимой характеристикой. Она отличается от других целей, которые мы можем иметь. Если величие - цель, достойная нашего внимания, то стремление к искренности может оказаться контрпродуктивным. Чем больше мы тянемся к ней, тем дальше она от нас отходит. Когда произведение преподносится как искреннее, оно может быть воспринято как сахариновое. Сладость становится маленькой. Пустая рифма в поздравительной открытке.

В искусстве искренность - это побочный продукт. Она не может быть главной целью.

Нам нравится думать о себе как о последовательных, рациональных существах, обладающих одними качествами и не обладающих другими. Однако человек, который полностью последователен, не имеет противоречий, кажется менее реальным. Деревянный. Пластиковый.

Самые правдивые и иррациональные аспекты нас самих часто скрыты, и доступ к ним мы получаем через создание произведений искусства. Каждое произведение говорит нам о том, кто мы есть, часто таким образом, что зрители понимают это раньше нас.

Творчество - это исследовательский процесс, направленный на поиск скрытого внутри материала. Мы не всегда можем его обнаружить. А если и обнаружим, то это может быть бессмысленно. Семя может привлечь нас, потому что в нем содержится нечто непонятное, и это смутное влечение будет настолько близко к знанию, насколько мы вообще способны его понять.

Некоторые аспекты "я" не любят, когда к ним подходят вплотную. Они предпочитают приходить косвенно, своим собственным путем. Как внезапные проблески, пойманные в случайные моменты, как солнечный свет, отражающийся от поверхности волны.

Эти явления не укладываются в слова, которые можно легко выразить обычным языком. Они необычны. За гранью обыденности. Стихотворение может передать информацию, которую невозможно передать в прозе или разговоре.

А все искусство - это поэзия.

Искусство глубже, чем мысль. Глубже, чем рассказы о себе. Оно проникает сквозь внутренние стены и открывает доступ к тому, что находится за ними.

Если не мешать и позволить искусству делать свое дело, оно может дать ту искренность, которую мы ищем. А искренность может выглядеть совсем не так, как мы ожидали.

Все, что позволяет аудитории

получить доступ к тому, как вы видите мир

является точным,

даже если информация неверна.





Привратник


Независимо от того, откуда приходят ваши идеи и как они выглядят, все они в конечном итоге проходят через определенный аспект вас самих: редактора, привратника.

Именно он будет определять конечное выражение произведения, независимо от того, сколько "я" было задействовано в его создании.

Роль редактора заключается в том, чтобы собирать и отсеивать информацию. Усилить то, что важно, и отсеять лишнее. Отсеять все лишнее, доведя работу до наилучшего варианта.

Иногда редактор находит "дыры" и отправляет нас собирать данные для их заполнения. В других случаях существует огромное количество информации на сайте , и редактор удаляет ненужное, чтобы получилась законченная работа.

Редактирование - это проявление вкуса. Он не выражается в том, что мы указываем на то, что нам нравится: музыка, которая радует наш слух, или фильмы, которые мы пересматриваем. Наш вкус проявляется в том, как оформлена наша работа. Что включено, что не включено, и как эти части собраны вместе.

Вас могут привлекать различные ритмы, цвета и узоры, хотя они могут и не уживаться вместе гармонично. Все части должны сочетаться в контейнере.

Контейнер является организующим принципом работы. Он диктует, каким элементам место, а каким нет. Та же самая мебель, которая подходит для дворца, может оказаться неуместной в монастыре.

От редактора требуется отбросить эго. Эго горделиво привязывается к отдельным элементам произведения. Роль редактора заключается в том, чтобы оставаться непривязанным и видеть за этими страстями единство и баланс. Талантливые художники и неумелые редакторы могут сделать некачественную работу и не оправдать надежд своего дара.

Не путайте холодную отстраненность редактора с внутренним критиком. Критик сомневается в работе, подрывает ее, приближает и разбирает на части. Редактор отступает на шаг назад, рассматривает работу целостно и поддерживает весь ее потенциал.





Редактор - это профессионал в поэзии.


По мере приближения к завершению проекта бывает полезно резко сократить объем работы до самого необходимого, провести безжалостную редактуру.

Большая часть творческого процесса до сих пор была аддитивной. Поэтому считайте, что это субтрактивная часть проекта. Как правило, она возникает после того, как все строительные работы завершены и варианты исчерпаны.

Часто редактирование воспринимается как обрезка, вырезание лишнего. В случае безжалостного редактирования это не так. Мы решаем, что абсолютно необходимо, чтобы произведение оставалось самим собой, что совершенно необходимо.

Мы не стремимся сократить работу до конечного объема. Мы работаем над тем, чтобы уменьшить ее за пределы конечной длины. Даже если обрезка в 5% оставит работу в том масштабе, который вы для нее задумали, мы можем сократить ее еще больше и оставить только половину или треть.

Если вы работаете над десятипесенным альбомом и записали двадцать песен, вы не стремитесь сократить его до десяти. Вы сокращаете его до пяти, только до тех композиций, без которых вы не можете жить.

Если вы написали книгу объемом более трехсот страниц, попробуйте сократить ее до менее чем ста, не потеряв при этом ее сути.

Помимо того, что мы проникаем в суть произведения, в ходе такого жестокого редактирования мы меняем свое отношение к нему. Мы приходим к пониманию его глубинной структуры и осознанию того, что действительно важно, отключаемся от привязанности к созданию работы и видим ее такой, какая она есть.

Какой эффект оказывает каждый компонент? Усиливает ли он суть? Отвлекает ли он от сути? Вносит ли он вклад в баланс? Вносит ли он вклад в структуру? Является ли он абсолютно необходимым?

Убрав лишние слои, вы можете отстраниться и заметить, что работа удалась именно в таком виде, в самом простом. Или вы можете почувствовать, что хотите восстановить некоторые элементы. Если при этом сохраняется целостность работы, то это вопрос личных предпочтений.

Стоит обратить внимание на то, действительно ли все ваши дополнения улучшают работу. Мы не стремимся к большему ради большего. Мы стремимся к большему ради лучшего.

Задача состоит в том, чтобы довести работу до такого состояния, когда, увидев ее, понимаешь, что по-другому и быть не могло. Возникает чувство равновесия.

Элегантность.

Нелегко расставаться с элементами, в которые вложено столько времени и заботы. Некоторые художники влюбляются во все созданные материалы до такой степени, что не хотят расставаться с тем или иным элементом, даже если без него целое будет лучше.

"Усложнять простое - это обычное дело", - сказал однажды Чарльз Мингус. "Сделать сложное простым, потрясающе простым - это и есть творчество".

Быть художником

означает постоянно спрашивать,

"Как может быть лучше?"

что бы это ни было.

Это может быть ваше искусство,

и это может стать вашей жизнью.





Зачем создавать искусство?


Углубляя свое участие в творческом акте, вы можете столкнуться с парадоксом.

В конечном счете, акт самовыражения - это не совсем про вас.

У большинства тех, кто выбирает путь художника, нет выбора. Мы чувствуем, что вынуждены заниматься этим делом, как некий первобытный инстинкт, та же сила, которая зовет черепаху к морю после того, как она вылупилась из песка.

Мы следуем этому инстинкту. Отрицание этого инстинкта приводит нас в уныние, как будто мы нарушаем природу. Если мы увеличим масштаб, то увидим, что этот слепой импульс всегда присутствует, направляя нашу цель за пределы нас самих.

В момент, когда мы чувствуем, что работа обретает форму, происходит динамический всплеск, за которым следует желание поделиться, в надежде воспроизвести этот таинственный эмоциональный заряд в других.

Это призыв к самовыражению, наше творческое предназначение. Не обязательно для того, чтобы понять себя или быть понятым. Мы делимся своим фильтром, своим видением, чтобы вызвать отклик в других. Искусство - это отголосок непостоянной жизни.

Как люди, мы быстро приходим и быстро уходим, и мы успеваем создавать произведения, которые становятся памятниками нашего пребывания здесь. Непреходящие подтверждения существования. Давид Микеланджело, первые наскальные рисунки, детские пейзажи, нарисованные пальцем, - все они повторяют один и тот же человеческий крик, подобно граффити, нацарапанному в кабинке туалета:

Я был здесь.

Когда вы предлагаете миру свою точку зрения, ее видят другие. Она преломляется через их фильтр и снова распространяется. Этот процесс непрерывен и постоянен. В совокупности он создает то, что мы воспринимаем как реальность.

Каждая работа, какой бы тривиальной она ни казалась, играет определенную роль в этом большом цикле. Мир непрерывно разворачивается. Природа обновляется. Искусство эволюционирует.

Каждый из нас видит этот мир по-своему. И это может привести к чувству изоляции. Искусство способно соединить нас, не ограничиваясь языком.

Через это мы получаем возможность посмотреть на свой внутренний мир со стороны, снять границы разделения и принять участие в великом вспоминании того, что мы знали, придя в эту жизнь: Разделения не существует. Мы едины.

Причина нашей жизни

это выражение себя в мире.

И создание произведений искусства может быть самым

эффективный и красивый метод.

Искусство выходит за пределы языка, за пределы жизни.

Это универсальный способ передачи сообщений

между собой и через время.





Гармония








Невидимые нити математики протянуты через всю природную красоту.

Те же соотношения мы можем обнаружить в спиралях морских раковин и галактик. В лепестках цветов, молекулах ДНК, ураганах и дизайне человеческого лица.

Определенные пропорции создают ощущение священного равновесия.

Наша точка отсчета красоты - природа. Когда мы сталкиваемся с этими соотношениями при создании произведений искусства, они успокаивают нас. Наши творения вдохновлены теми отношениями, которые вызывают у нас наибольшее восхищение.

Парфенон, Великая пирамида, "Витрувианский человек" Леонардо, "Птица в космосе" Бранкузи, "Гольдберг-вариации" Баха, Пятая симфония Бетховена - все эти произведения опираются на ту же геометрию, что и в природе.

Вселенная обладает чувством гармонии, представляя собой удивительно глубокую взаимозависимую систему. Когда вы отходите от проекта, над которым работали в течение некоторого времени, и видите новую симметрию, о которой даже не подозревали, что она возможна, вы, скорее всего, почувствуете спокойное удовлетворение. Волнение, в основе которого лежит чувство покоя. Появляется порядок. Ощущается гармонический резонанс. Вы становитесь участником этого сложного механизма.

В музыке правила гармонии изложены в формулах. Каждая нота имеет длину волны колебаний, и каждая волна имеет определенное соотношение с другими. Следуя математическим принципам, можно рассчитать гармонические пары этих волн.

Все элементы имеют длину волны: предметы, цвета, идеи. Когда мы соединяем их, возникает новая вибрация. Иногда эта вибрация гармонична, а иногда диссонирует.

Нам не нужно разбираться в математике, чтобы создавать мощную работу на основе этих вибраций. Для некоторых понимание математики подрывает их природное интуитивное чувство. Мы настраиваемся на себя, чтобы почувствовать гармонию. Мы используем интеллект, пытаясь объяснить ее лишь постфактум.

Для тех, кто не пришел к этому знанию естественным путем, оно может быть развито, если дать ему время. Практикуя сонастройку, вы можете стать более внимательными к этим естественным резонансам. Более остро чувствовать, что находится в равновесии, и распознавать божественные пропорции. Когда вы создаете или завершаете работу, возникает более четкое осознание, гармонический звон. Возникает чувство согласия. Согласованность. Отдельные элементы сливаются и становятся единым целым.

Великое произведение не обязательно должно быть гармоничным. Иногда смысл искусства заключается в том, чтобы показать дисбаланс или создать ощущение беспокойства.

В песне, когда диссонирующая гармония внезапно попадает в такт, возникает приятный эффект. Именно поэтому выбор диссонанса может представлять интерес. Он создает напряжение и разрядку, привлекая наше внимание к гармонии, которую мы, возможно, иначе не заметили бы.

По мере того как мы все глубже погружаемся в фундаментальные гармонические принципы нашего ремесла, мы можем распознавать их повсюду. Работая над конкретным, мы становимся более утонченными и в общем.

Когда мы не можем распознать гармонию в окружающей нас Вселенной, это, скорее всего, связано с тем, что мы не воспринимаем достаточное количество информации. Если мы достаточно сильно уменьшаем или увеличиваем масштаб, то становится понятной интегрированная природа всего сущего.

Как каждый маленький мазок на полотне не может отойти в сторону, чтобы увидеть всю картину, так и мы не в состоянии воспринять великое целое взаимосвязей и противовесов, которое окружает нас со всех сторон.

Наша неспособность постичь внутреннее устройство Вселенной может привести нас в большее единение с ее бесконечностью. Волшебство заключается не в анализе или понимании. Волшебство заключается в удивлении от того, что мы не знаем.

Как бы вы ни относились к себе как к художнику,

рамка слишком мала.




Что мы говорим себе


У нас есть истории о себе, но это не то, кем мы являемся.

У нас есть истории о работе, но это не то, чем является работа.

Все наши попытки разобраться в себе и своем творчестве - это дымовая завеса, обскурация. Они не освещают того, что есть. Они вводят нас в заблуждение. Мы не можем понять, что является незначительным, а что существенным, и что означает наш вклад.

Мы рассказываем себе разные истории о том, кто мы такие и как создается работа. Но ни одна из них не имеет значения.

Все, что имеет значение, - это сама работа. То искусство, которое действительно создается, и то, как оно воспринимается.

Вы - это вы.

Работа - это работа.

Каждый человек в аудитории - сам по себе. Уникально.

Все это невозможно понять, а тем более свести к простым уравнениям или общепринятому языку.

В каждый момент времени доступны миллиарды точек данных, а мы собираем лишь небольшое их количество. С помощью этого взгляда через замочную скважину мы собираем интерпретацию и добавляем еще одну историю в нашу коллекцию.

С каждой историей, которую мы рассказываем себе, мы отрицаем возможность. Реальность уменьшается. Комнаты "я" отгораживаются друг от друга. Истина рушится, чтобы соответствовать вымышленному принципу организации, который мы приняли.

Как художники, мы призваны снова и снова отпускать эти истории и слепо доверять любопытной энергии, влекущей нас по пути.

Художественное произведение - это точка, где все элементы собираются вместе: вселенная, призма себя, магия и дисциплина превращения идеи в плоть. И если они приводят вас к противоречиям, к территориям, которые кажутся непреодолимыми или непознаваемыми, это не значит, что они не гармоничны.

Даже в кажущемся хаосе есть порядок и закономерность. Через все вещи проходит космический ток, который не в силах вместить ни одна история.


Загрузка...