ПЕРВЫЙ ФЛОРЕНТИЙСКИЙ ПЕРИОД (1464–1482)

Поняв, что сын может добиться успеха в качестве живописца, Пьеро решил отдать мальчика на обучение в мастерскую своего друга Андреа Верроккьо, находившуюся во Флоренции, — месте, в котором процветали искусство и наука. Обстановка в этом городе при Лоренцо Великолепном[1] весьма способствовала культурному подъему общества, что благоприятно повлияло и на развитие гения Леонардо.

Мадонна с Младенцем работы Андреа Верроккьо. 1466–1470 годы. Берлинская картинная галерея (Берлин, Германия).


Мастерская Верроккьо, хозяин которой был великолепным художником, музыкантом, инженером и скульптором, была одной из ведущих творческих школ города. Пьеро собрал рисунки сына и показал их Андреа, который пришел в восторг от увиденного и взял 14-летнего Леонардо на обучение.

Верроккьо считал, что художник или скульптор не сможет добиться успеха без научных знаний. В его мастерской молодые дарования в обязательном порядке знакомились с основными прикладными учениями того времени: геометрией, химией, теориями пропорций и перспективы, а также учились работать с кожей, металлом и гипсом. Для Леонардо открылся новый мир, он впитывал знания, словно губка, и очень быстро совершенствовал свое мастерство. Позже да Винчи писал о том, что хороший художник должен «быть прежде всего хорошим перспективистом, затем ты должен обладать полным знанием мер человека и других животных и, кроме того, быть хорошим архитектором, то есть знать все то, что относится к форме построек и других предметов, находящихся над землею; а форм этих бесконечно много, и чем больше ты их будешь знать, тем более похвальна будет твоя работа; те же, в которых ты не напрактиковался, не отказывайся срисовывать с натуры».

В школе-мастерской Леонардо да Винчи быстро зарекомендовал себя как один из самых талантливых учеников, ему легко давалась не только живопись, но и графика, скульптура, а также музыка.

В раннем творчестве Леонардо-художник продолжил традиции искусства XV века (кватроченто, или Раннего Возрождения)[2], одним из значимых достижений в живописи которого было открытие перспективы. Да Винчи, используя прием сфумато[3], работал над объемностью изображаемых на полотнах героев. Моделей на ранних картинах художник наделял едва заметной улыбкой, что придавало им загадочность.

Портрет Лоренцо Медичи работы Рафаэля Санти. 1516–1519 годы. Частная коллекция.

Фрагмент картины Леонардо да Винчи «Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом».

«Мадонна Дрейфус»


Мадонна Дрейфус. 1470–1475 годы. Темпера, доска. 15,8x12,7 см. Национальная галерея искусств (Вашингтон, США).


Набросок этой работы находится в Дрезденской картинной галерее. Его авторство приписывают Лоренцо ди Креди, ученику Леонардо да Винчи, либо мастеру Андреа Вероккьо. Информация о том, кто написал «Мадонну Дрейфус» спорна по сей день. В пользу того, что полотно принадлежит кисти Леонардо, говорят тщательно прорисованные одеяние Богоматери и фоновый пейзаж. Вместе с тем младенец изображен с явными погрешностями в пропорциях (хотя этот факт можно объяснить и отсутствием натуры для позирования).

Кто бы ни был автором этой картины, очевидно, что она кроет в себе загадку: изображенному на ней младенцу на вид более года, тогда как Иисус в этом возрасте был уже отлучен от матери. Мария держит руку у живота. Это может значить, что она вновь ждет ребенка. Вероятно, идея картины в том, что судьба Богоматери могла бы сложиться совсем по-другому. О чем хотел сказать (или на что намекнуть) этой картиной Леонардо — очередная его загадка.

Картину называют также «Мадонна с гранатом». Мария держит перед сыном раскрытый плод граната. Мадонна выглядит печальной, словно ей известен предстоящий ее сыну крестный путь, символом которого является гранат.

«Благовещение»

Точное время создания этой картины неизвестно. Ее авторство было приписано Леонардо да Винчи лишь в XIX веке. Традиционный по композиционному исполнению сюжет полотна повествует о принесении архангелом Гавриилом Деве Марии благой вести: скоро родится Иисус Христос. Согласно исследованиям искусствоведов молодой Леонардо трудился в мастерской Верроккьо в тот момент, когда там создавалась картина. Да Винчи дописал полотно, начатое другими учениками, исправив их ошибки. В его работе все же остались погрешности: отсутствие перспективы здания и соотнесения фигуры Богоматери с пюпитром.

Благовещение (фрагмент).

Крылья архангела Гавриила в таком виде, каком они представлены на картине, изобразил другой неизвестный художник. В записях да Винчи значится, что Леонардо сам практиковался в их отрисовке, о чем свидетельствуют эскизы, сделанные художником. Крылья изначально были меньше, а после работы неизвестного живописца стали крупнее, что придало им несколько гротескный вид.

Благовещение. 1472–1475 годы. Темпера, доска. 98x217 см. Галерея Уффици (Флоренция, Италия).

«Крещение Христа»222222


Крещение Христа. 1472–1475 годы. Масло, темпера, доска. 177x151 см. Галерея Уффици (Флоренция, Италия).


Картина «Крещение Христа» — это совместное исполнение Леонардо да Винчи и его учителем заказа, который Верроккьо получил от флорентийского монастыря Сан-Сальви. Сюжет полотна основан на библейском повествовании о крещении Иисуса Христа Иоанном Предтечей в реке Иордан, во время которого из рук Бога-Отца снисходит с небес Святой Дух в виде голубя. На заднем плане изображена пальма — символ жизни и спасения.

На картине кисти Верроккьо принадлежат образы Христа, Иоанна Крестителя и одного из ангелов. Как гласят письменные источники, художник не закончил полотно, начатое темперой, и поручил ученику Леонардо дорисовать второго ангела. Да Винчи превзошел наставника в технике, чем Верроккьо был немало удивлен и из-за чего якобы даже перестал рисовать.

На картине «Крещение Христа» из отличительных особенностей, характеризующих почерк да Винчи как художника, — несравненно мягкие линии мазка (в то время как у Верроккьо более жесткий стиль), тонко выписанные детали, а также динамичная трактовка образов.

Галерея Уффици во Флоренции.

Портрет Джиневры де Бенчи


Портрет Джиневры де Бенчи (копия учеников). Около 1474–1480 годов. Темпера, масло, доска. 38,1x37 см. Национальная галерея искусств (Вашингтон, США).


До Леонардо да Винчи художники изображали абстрактных женщин, воплощавших идеал красоты своего времени. Леонардо стал писать конкретных людей, неповторимых в своей индивидуальности. Картина посвящена светской тематике: на ней изображена поэтесса и интеллектуалка XV века Джиневра де Бенчи, вышедшая замуж в 17 лет за человека вдвое старше ее. Она была платонической возлюбленной венецианца Бернардо Бембо, который, вероятнее всего, заказал портрет девушки Леонардо. Джиневра на полотне схожа со скульптурным изображением «Дама с букетом (Флора)» Верроккьо, созданным примерно во время написания портрета. По версии некоторых искусствоведов, например В. Н. Гращенкова, до наших дней полотно дошло в виде фрагмента: предположительно существовала и его нижняя часть, где были изображены руки. Цветовая гамма, использованная в работе, — золотистые, коричневатые, темно-зеленые, оливковые и голубые тона — типична для Леонардо. Портрет Джиневры де Бенчи — единственное полотно да Винчи, находящееся за пределами Европы.

Обращает внимание расположение фигуры на полотне. По традиции во времена Леонардо да Винчи женщину могли писать, когда она соглашалась стать женой, если выходила замуж или же умирала. Художник изобразил модель повернутой влево и с можжевельником на затылке — символом целомудрия. Эти детали могут свидетельствовать, что Джиневра де Бенчи помолвлена, так как на свадебной картине она была бы обращена вправо, чтобы вместе с портретом мужа составлять пару. Однако если это действительно так, портрет не демонстрирует приданого невесты: молодая девушка изображена без обилия драгоценностей, парчового. Гипотеза о том, что портрет Джиневры де Бенчи создан по поводу помолвки или свадьбы, очень популярна.

«Мадонна с гвоздикой»

Первая самостоятельная работа Леонардо да Винчи, выполненная без чьей-либо помощи, стала известна миру лишь в 1889 году, когда на распродаже имущества вдовы из небольшого городка Гюнцбурга полотно за 22 марки купил один делец. Вскоре он перепродал его пинакотеке уже за 800 марок как работу Верроккьо. К большому разочарованию перекупщика картина была оценена в 10 раз дороже как произведение великого Леонардо. Ценители, съехавшиеся взглянуть на вновь обретенное произведение да Винчи, назвали работу лишь копией утраченного оригинала.

Позже искусствоведы обнаружили сходство лика Мадонны на полотне и женской головы на наброске, который хранится в Лувре. Многие видят в «Мадонне с гвоздикой» кисть ученика Леонардо да Винчи Лоренцо ди Креди: броши на этой картине и «Мадонне Дрейфус» (1470–1475) практически идентичны. В пользу авторства Леонардо говорят строки из книги Дж. Вазари, в которой он, восхищаясь великолепным мастерством художника, упоминает о фотографической точности изображенного графина с цветами, у которого запотели стенки, а капельки воды на них выглядели как настоящие.

«Мадонна с гвоздикой» знаменовала отказ Леонардо от графического стиля Верроккьо и переход к экспериментам с трехмерным пространством и светом.

Мадонна с гвоздикой (фрагмент).

В то время как Мадонна находится в спокойном благоговении, младенец Иисус замер в энергичном движении. Ребенок пытается взять пунцовую гвоздику, которую держит в изящной руке его мать. Тонкие острые листья цветка выступают символом страстей Господних, и Иисус протягивает к нему руки с ликом, исполненным скорби, не свойственной детям. Он словно предвидит свое грядущее.

Мадонна с гвоздикой. 1478 год. Масло, доска. 67x42 см. Старая пинакотека (Мюнхен, Германия).

«Мадонна Бенуа»

В 1472 году, после окончания школы у Верроккьо, Леонардо да Винчи стал членом «Гильдии Святого Луки», которая объединяла флорентийских художников. В последние годы обучения молодой мастер уже получал и собственные заказы. В частности, Леонардо создал несколько рисунков и картин, которые произвели большое впечатление на его современников. Среди этих работ были и первые изображения Мадонн, самой известной из которых стала «Мадонна Бенуа» («Мадонна с цветком»). Картина была написана на деревянном основании масляными красками, с помощью них да Винчи смог достичь большей по сравнению с темперой прозрачности и фактурности изображаемого, что для большинства флорентийских художников было в новинку.

Картина «Мадонна Бенуа», или «Мадонна с цветком», прошла сложный путь, прежде чем явила себя миру. Современники Леонардо да Винчи восприняли это полотно с восторгом, было сделано множество копий, а в XVI веке оригинал оказался утерян. Через 300 лет гастролировавшие в Астрахани бродячие актеры продали местному ценителю искусства Александру Сапожникову старую, потемневшую от времени картину. Когда его внучка выходила замуж, то получила в приданое безымянное полотно, о ценности которого никто не знал. К счастью, ее супругом оказался молодой архитектор и будущий президент Академии художеств Леонтий Бенуа, который отвез картину в Берлин и показал искусствоведам. Авторство да Винчи не было признано, и лишь спустя восемь лет в 1914 году к Бенуа приехал один из берлинских специалистов, профессор Моллер Вальде, который изучил рукописи великого художника и нашел среди эскизов подтверждение тому, что картина принадлежала кисти Леонардо.

Тема картины традиционна для живописи эпохи Ренессанса — Мадонна как олицетворение не только святости Девы Марии, но и материнства и женственности. Образ Богоматери Леонардо написан по-новому. Естественная поза, занимаемая Пречистой, простые черты лица, на котором ярко отражаются эмоции: юная мать протягивает младенцу цветочек и смеется от того, что тот не может его поймать пока еще неловкими руками.

Одной из отличительных художественных черт «Мадонны Бенуа» стала сдержанность цветовой палитры, что также не было характерным для живописи того времени. Акцент в картине сделан на игру светотени, благодаря которой фигуры Мадонны и младенца получили необходимый визуальный объем. По мнению современных искусствоведов, именно об этой картине в 1591 году писал исследователь М. Ф. Бокки в книге «Достопримечательности города Флоренции»:

«Дощечка, расписанная маслом рукой Леонардо да Винчи, превосходная по красоте, где изображена Мадонна в высшей степени искусно и старательно. Фигура Христа, представленного младенцем, прекрасна и удивительна, его поднятое лицо единственное в своем роде и поразительно по сложности замысла и тому, как этот замысел удачно разрешен».

На картине тщательно прорисованы детали. Светло-голубое небо в окне поддерживает перспективу и создает впечатление бесконечной дали.

Мадонна Бенуа (фрагмент).

Цветок в руках Мадонны выступает символом грядущих страстей Господних. Крестообразное соцветие — аллегория того, что уготовано младенцу Христу в будущем.

Мадонна Бенуа (Мадонна с цветком). 1478–1480 годы. Масло, перенесенное с доски на холст. 48x31,5 см. Эрмитаж (Санкт-Петербург, Россия).

«Святой Иероним»

Картину, заказанную флорентийскими властями, изображающую святого Иеронима, Леонардо да Винчи не закончил. Завершить работу ему помешал переезд в Милан в 1482 году, и полотно так и осталось в мастерской Верроккьо.

До нашего времени картина дошла в плачевном состоянии — сильно обрезанная и распиленная на две части, она служила, скорее всего, крышкой ларца. Два фрагмента воедино составил кардинал Феш, который, как гласит предание, нашел нижнюю половину полотна в лавке, где оно служило столешницей. После смерти кардинала папа римский Пий IX пожелал иметь работу великого мастера в картинной галерее Ватикана и заплатил за нее в 1845 году 2,5 тысячи франков.

Сюжет картины незамысловат: рядом с Иеронимом мирно лежит лев, который, согласно легенде, привязался к святому после того, как тот вынул из звериной лапы жало. Худое изможденное тело праведника прорисовано с анатомической точностью, которой Леонардо учился, препарируя трупы. Впервые в истории живописи лев на картине изображен реалистично.

Кающийся Святой Иероним работы Альбрехта Альтдорфера. 1507 год. Масло, доска. 23,5x20,4 см. Музейный центр Берлин-Далем (Берлин, Германия).

После того как святой Иероним помог хромому льву, тот стал праведнику верным другом и остался жить при монастыре. В житии преподобного Герасима (Иорданского) можно прочесть историю о том, как льву Иеронима поручили стеречь монастырского осла, пока тот возил дрова. И вот однажды лев заблудился, а осла в это время увели разбойники. Монахи не поверили льву и решили, что он съел осла, поручив невиновному зверю много работы во искупление его греха. Однажды лев увидел в караване пропавшего монастырского ослика, он вернул его монахам и тем самым доказал свою невиновность. Лев до конца своей жизни сопровождал Иеронима. Именно поэтому в западно-европейской живописи святого всегда изображают в сопровождении царя зверей.

Святой Иероним. Около 1480 года. Масло, доска. 103x75 см. Музей Ватикана (Рим, Италия).

«Поклонение волхвов»

По неизвестным причинам полотно с изображением поклонения волхвов, так же как и «Святого Иеронима», Леонардо да Винчи до переезда в Милан не окончил. В 1481 году церковь Сан-Донато попросила художника нарисовать картину с таким сюжетом для украшения алтаря. Заказ был перепоручен Филиппино Липпи. В дальнейшем неторопливость Леонардо в работе стала неотъемлемой чертой его творчества. Да Винчи мог годами писать картину или создавать скульптуру. Нередко работы оставались неоконченными, а клиенты так и не получали готового заказа.

Будучи гениальным живописцем Леонардо да Винчи обладал уникальной способностью — написать традиционный часто использующийся библейский сюжет оригинально. На картине представлены разнообразные типажи всех возрастов с индивидуальной мимикой. Восхищение чудом можно прочесть и на лицах, и в жестах.

Поклонение волхвов (фрагмент).

В отличие от большинства картин, написанных по данному сюжету, работа да Винчи невероятно мрачная. Как правило, холсты с изображением поклонения волхвов наполнены светом, лица сияют умиротворением и радостью. Да Винчи же изобразил мудрецов достаточно инфернально — впалые глазницы, скорбные выражения лиц и жесты идут вразрез с радостным мотивом картины.


Композиция полотна, выстроенная вокруг пальмы и дуба (вертикальных осей), строго вписывается в треугольник и уравновешивает кажущуюся поначалу произвольность в расположении героев. Она не имеет аналогов в итальянской живописи того времени. На заднем плане видны едва намеченные очертания скал, которые создают впечатление грандиозного объема. Лошади, бредущие без всадников, могут символизировать не покоренную человеком природу.

В этот же период закладываются основы творческого метода Леонардо. В первую очередь он избегал придания персонажам своих картин собственных черт. Да Винчи считал это «величайшим недостатком живописца». Позже он писал:

«Как фигуры часто похожи на своих мастеров! Это много раз вызывало мое изумление, так как я знавал живописцев, которые во всех своих фигурах, казалось, портретировали самих себя с натуры, и в этих фигурах видны движения и манеры их творца».

По мнению же британского журналиста и писателя Чарльза Николла, в чей круг интересов входит и изучение творчества да Винчи, среди персонажей «Поклонения волхвов» Леонардо изобразил и себя в возрасте 29 лет (молодой человек справа).

Поклонение волхвов. 1481–1482 годы. Масло, темпера, доска. 246x243 см. Галерея Уффици (Флоренция, Италия).

Диаграмма перспективы для картины «Поклонение волхвов». 1481 год.

Рисунки, эскизы, наброски

Во время работы в мастерской Верроккьо Леонардо да Винчи нарисовал эскиз головы девушки. Набросок демонстрирует художественные приемы, типичные для флорентийской школы живописи: у модели тщательно прорисованные волосы и широко посаженные глаза.

Леонардо прекрасно владел разными техниками рисования — пером, серебряным и итальянским карандашом, сангиной (палочкой из белой глины и оксидов железа), мастерски играл светотенью, мягко подчеркивая плавность линий и форм. Он всегда стремился как можно реалистичнее передать черты лица, мимику и движение тел. По сохранившимся эскизам видно, что сначала Леонардо делал наброски нагих людей и, только добившись достоверности поз, изображал поверх силуэтов одежду.

Рисунок «Старинный воин», очевидно, демонстрирует особый способ письма (так называемый старый тип воина), который Леонардо перенял у своего учителя Верроккьо и который позже часто применял в работах. Профиль воина схож с орлиным, что подчеркивает благородство, смелость и отвагу персонажа. Искусное сочетание четких и мягких линий письма характеризует Леонардо как зрелого мастера графики.

Старинный воин. 1472 год.


Набросок «Пейзаж долины реки Арно» — это первая датированная работа художника, подписанная в традиционной для Леонардо да Винчи манере — зеркальной. Пейзаж с видом на пойму водоема был распространенным сюжетом флорентийской живописи 1460-х годов, но использовался в качестве фона картин.

Среди искусствоведов бытует несколько версий, трактующих замысел рисунка. По одной из них, Леонардо просто изобразил пейзаж родных мест. По второй версии — это зарисовка топографической ситуации для будущих гидравлических устройств в русле реки. Третья версия, построенная на дешифровке рисунка исследователями творчества Леонардо, сообщает о том, что в работе можно увидеть очертания матери, мачехи и отца да Винчи. Во всяком случае снег, изображенный 5 августа, — это явление фантастическое, которое дает широкий простор для догадок.

На эскизе «Тосканскому пейзажу» (1473) Леонардо да Винчи подробно изобразил лошадей (одни из самых излюбленных животных живописца), поражающих анатомической точностью.

Наездников художник лишь набросал карандашом, подведя чернилам только те части, которые соприкасаются со спинами животных.

Молодой Леонардо да Винчи тщательно подходил к созданию картины, делая наброски фрагментов композиции и уделяя большое внимание анатомической точности человеческого тела, что можно увидеть на примере зарисовки женских рук.

Перед тем как приступить к созданию картины, Леонардо да Винчи много времени уделял тщательной прорисовке деталей для ее композиции, создавая множество эскизов и набросков. Среди них — великолепные рисунки драпировок женской фигуры. Художник, будучи истинным исследователем природы всего, что он изображал, специально провел классификацию тканей для более точной цвето- и светопередачи. Он выделял складки с выступающими изломами изломами (для плотных драпировок), мягкие (атлас) и большие складки (сукно или войлок).

Эскиз к тосканскому пейзажу. 1473 год.

Голова девушки. 1470–1478 годы.

Пейзаж долины реки Арно. 5 августа 1473 года.

Женские руки. 1474 год.

Этюд драпировки. Дата неизвестна.

Драпировка женской фигуры. 1477 год.

Загрузка...