Музей изящных искусств. Гент

Искусство XVII–XVIII веков

Известно, что Питер Брейгель Старший написал несколько картин на тему крестьянских свадеб и ужинов. Одно из таких оригинальных произведений хранится в Художественно-историческом музее Вены. В Генте находится несколько уменьшенная по размерам копия, сделанная сыном мастера — Питером Брейгелем Младшим для настоятеля аббатства Святого Петра в Генте.

В городской среде, где проживал Питер Брейгель Младший, многие люди забывали сельские обычаи, но художник был хорошо знаком с особенностями крестьянского быта XVI столетия. Это знание, а также интерес к своим персонажам позволили ему изобразить их с теплотой и любовью, что способствовало большой популярности картин. Живописец досконально воссоздает атмосферу и особенности поведения людей. Свадебное пиршество происходит в большом сарае, где сложена солома. Стол не ломится от яств, крестьянская пища скудна и проста — это хлеб, вино и блины. Крепкая румяная невеста с распущенными волосами, согласно ритуалу, сидит, опустив глаза и сложив руки, она не ест. Ее роль — самая ответственная, ведь она является центром торжества. Взгляд зрителя останавливается на человеке в шапке, берущем тарелки с импровизированных носилок, еще недавно служивших дверью. На крестьянской свадьбе в ход идут любые предметы, сделанные из подручных материалов. За столом царит спокойствие, музыканты играют на волынках, толпа людей желает попасть в зал, но не может, так как по указу испанского короля запрещались многолюдные сборища. На переднем плане выделяется смешная фигура мальчика, облизывающего тарелку.

Питер Брейгель Младший, первый из трех детей известного художника Питера Брейгеля Старшего, во многом способствовал распространению и популяризации работ отца. Он руководил студией, специализировавшейся на подражании и копировании его произведений в большом количестве экземпляров. «Сельская свадьба», вероятно, является копией с утраченного оригинала Брейгеля Старшего или же это произведение — компиляция из различных элементов крестьянских сцен, которых было так много в его творчестве. Существует большое количество вариантов этой картины, около тридцати из них написаны Питером Брейгелем Младшим, его младший брат Ян Брейгель также исполнил несколько версий, некоторые из которых в зеркальном отображении.

Действие разворачивается на деревенской улице, уже убраны почти все столы, за исключением одного на заднем плане, за которым сидит скромная невеста. Свадебное веселье вошло в заключительную стадию: звуки знакомой мелодии в исполнении волынщиков, стоящих около дерева, разбудили чувства всех присутствующих. Гости отплясывают, выкидывая коленца, кто-то подпевает или осушает кружку с вином или пивом, некоторые празднующие нашли себе пару и, не обращая внимания на остальных танцующих, обнимаются и целуются.

Художник контурно очертил крепко сбитые фигуры веселящихся на свадьбе крестьян. В их грубых и резких движениях Брейгель передал некую первобытную силу и мощь народного темперамента.

О нидерландском мастере XVII столетия Юсте Корнелисе Дрохшслоте почти ничего не известно. Уроженец города Утрехта, он специализировался на написании деревенских видов, которые были чрезвычайно популярны в XVI и XVII веках.

Изображенная здесь деревушка — не индивидуальный, а скорее собирательный образ, художник не стремится к точному топографическому представлению. Мальчик в правом нижнем углу картины держит книгу. Возможно, это относится к существовавшей поговорке «выйти за пределы своих границ». За столом слева выпивают нарядно одетые господа, на втором плане — крестьяне в простой, грубой одежде, все полотно наполнено праздно гуляющими в светлый, теплый день парами. Эта жанровая работа также несет морализаторское наставление: зрителю завуалированно предлагается быть умеренным в желании выпить. Художник оставил свою подпись и дату создания «Деревенской ярмарки» на фасаде гостиницы с таверной. Произведения Юста Корнелиса Дрохшслота — бесценный источник информации о нравах и обычаях Нидерландов того времени.

Поездка в Италию в 1617 и знакомство с полотнами Караваджо оказали на Теодора Ромбоутса решающее влияние. Он перенял художественные приемы великого итальянца, его сложную светотеневую моделировку, в сюжетах работ живописца появились цитаты из произведений Караваджо.

Картина «Зубодер» в композиционном построении, позах и жестах персонажей имеет прямые аналогии с одноименным произведением Караваджо, но в ней отсутствуют нарочитая натуралистичность и сарказм. В этой жанровой сценке каждый из присутствующих в свойственной ему манере наблюдает за страданиями пациента, кто-то с сочувствием или ужасом, иные с любопытством, размышляя, что они будут ощущать, если окажутся на его месте. Лишь один главный персонаж чувствует себя спокойно и уверенно. Левой рукой зубодер крепко держит предплечье страдальца, правой осталось сделать лишь одно движение — и все будет кончено. В отличие от произведения Караваджо картина Ромбоутса более светлая и красочная по цветовой гамме.

Фламандский живописец и младший земляк Питера Пауля Рубенса, Теодор Ромбоутс любил исполнять исторические и аллегорические картины, жанровые сцены с изображением певцов, игроков в карты и шарлатанов. Однако во многом это было для художника лишь поводом поэкспериментировать с палитрой цветов и показать свои технические навыки. В результате использования дешевых пигментов многие его работы со временем потускнели, в особенности пострадали синие цвета.

Представленная картина была заказана художнику в 1632 епископом Гента Антонием Триестом. Подобные аллегорические изображения были чрезвычайно популярны в XVI–XVII веках. В данной работе каждый персонаж символизирует определенное чувство и для облегчения идентификации зрителем снабжен собственными атрибутами.

Элегантный молодой человек с трубкой и чесноком символизирует Обоняние, весельчак со стаканом вина в руке и едой возле ног представляет Вкус, в слепом мужчине в центре с фрагментами скульптур перед ним легко узнается Осязание. Слух играет на теорбе — басовой разновидности лютни, рядом с ним расположились духовые и струнные инструменты. Зрение — пожилой человек в очках, опирающийся правой рукой на зеркало в черной раме, в нем зритель видит отражение части инструментов.

Младший современник и друг Питера Пауля Рубенса, фламандский живописец Корнелис де Вос успешно трудился в различных жанрах. Он считался прекрасным портретистом, но также создавал величественные картины на известные религиозные и мифологические сюжеты.

Талант художника особенно проявился в портретах зажиточных горожан, которые он писал между 1620 и 1640. Представленный семейный портрет относится к числу самых жизненно убедительных произведений Де Воса. Его мастерство проявляется в расположении персонажей, ровном нейтральном освещении и правдивом изображении детей. Де Вос был одним из первых живописцев XVII столетия, кто отошел от традиции представлять детей как маленьких взрослых. Он подчеркнул непосредственность, живость и открытость, присущую всем четырем детям в их возрасте. Композиция этого портрета четкая и ясная, автору свойственна реалистичность передачи каждой детали нарядных костюмов и ткани. Удивительна естественность в жестах моделей, держащихся за руки, таким образом показывающих, что они вместе и являются друг другу родными людьми. Существует предположение, что на этой картине изображена семья самого художника.

Прославленный нидерландский живописец Франс Халс сам датировал этот портрет, кроме того, указал возраст изображенной — 53 года, но личность женщины в черном платье и белом гофрированном воротнике до сих пор остается неизвестной. Художник всегда стремился с помощью живописных средств передать характер модели, а не просто изобразить ее на портрете.

Строгое лицо женщины с поджатыми губами говорит о сильной и волевой личности. Ее образ смягчает лишь взгляд грустных, будто просящих о чем-то глаз. Она — олицетворение буржуазного самосознания голландского золотого века. Общий эффект этого лаконичного, без лишних атрибутов и деталей портрета достигается с помощью светотени и прямых, нервных мазков кисти, особенно заметных в прописи лица и несколько грубо выполненных рук.

Предполагается, что «Портрет женщины» образовывал дуэт с портретом мужа, но в настоящее время пара к хранящемуся в Генте произведению не обнаружена.

Голландский натюрморт XVII века занял ведущее положение среди картин этого жанра европейской живописи. Эстетические принципы работ были регламентированы: горизонтальный формат полотна, нижний край стола с изображаемыми объектами параллелен раме, складки на столовой скатерти, как правило, уходили параллельными линиями, предметы рассматривались с высокой точки зрения, чтобы было легче охватить их взглядом.

Один из первых мастеров голландского натюрморта XVII века, Вилллем Клас Хеда был весьма ценим современниками и коллекционерами, хотя карьеру начинал с создания портретов и картин на религиозные сюжеты.

Данное произведение относится к так называемому монохромному натюрморту: его общая гамма выдержана в одной тональности — коричнево-серой, с немногочисленными вкраплениями розоватого и голубого цветов. Кажущийся случайным набор продуктов и посуды — старательно созданная композиция. Хеда заботливо передает объемы различных предметов, расположившихся на белоснежной льняной скатерти, застеленной поверх синего бархатного полотна. Изысканно сервированный стол дополняют недоеденный кусок пирога с ежевикой, обязательный атрибут голландского натюрморта — лимон, изящно срезанная корка которого, закручиваясь, свисает вниз, наполовину полный бокал с вином и зеленые оливки на блюде. Исходящий от окна свет мастер фиксирует на поверхности лежащего на боку серебряного кубка. Стеклянные и металлические сосуды добавляют произведению основательности, но их цвет почти сливается с общей серебристой гаммой. Интересно, что в данную работу Хеда вводит фантазийный пейзажный фон с дворцовым сооружением вместо обычного темного задника.

В представленной работе Хеда обращается к излюбленному в Голландии типу «завтраков» — изображению накрытого стола со скромным набором предметов трапезы и домашней утвари. Вещи только кажутся расположенными в беспорядке, свободно и естественно, словно еще помнят прикосновения человека, следы его недавнего присутствия: в бокале недопито вино, надрезан лимон, порезана часть окорока, упала серебряная вазочка. Композиция произведения тщательно продумана, она окутана мягким рассеянным светом на сером или светло-оливковом фоне в границах коричневато-золотистой и серо-серебристой цветовой гаммы. Условное название «монохромные завтраки» только подчеркивает общую сдержанную живописную тональность.

Особенностью натюрмортов было скрытое, иносказательное значение, которым наделялись многие изображенные предметы. Для европейской культуры XVII века тема бренности всего земного была очень важной. Вещи могли нести скрытый аллегорический смысл, к примеру, серебряная посуда означала земное богатство, окорок — чувственные радости, а лимон — внешнюю красоту, внутри которой скрывается горечь. Подобная символика с назидательным смыслом была более понятна современникам художников, чем сегодняшнему зрителю.

Уроженец Антверпена Дэниел Зегерс специализировался в жанре цветочного натюрморта и писал преимущественно гирлянды из цветов. Член ордена иезуитов, он обучался у Яна Брейгеля — непревзойденного мастера цветочных композиций. Зегерс ввел новшество — стал изображать каменные картуши, вокруг которых располагались гирлянды или букеты. Работа строилась следующим образом: Зегерс писал цветы и картуши, а композиционный центр, где затем помещалось изображение святых, оставлял для заполнения другим художникам. Некоторые его соавторы остались неизвестны, среди имен стоит назвать Корнелиса Шута, Симона де Воса и даже Питера Пауля Рубенса.

В этой работе изображение Мадонны и Младенца принадлежит кисти барочного фламандского живописца Эразма Квеллина II. Гирлянды часто состоят из нескольких букетов цветов, ассоциирующихся с Богоматерью и объединенных независимо от времени их цветения. Творчество Зегерса отличается тщательным наблюдением, легкой манерой письма и сложными колористическими гармониями. Его работы были чрезвычайно популярны среди коллекционеров того времени. Однако художник не продавал произведение, братство иезуитов использовало их как подарки для знати, жертвовавшей средства на поддержание деятельности ордена.

Корнелий Норберт Гисбрехтс — фламандский живописец XVII века, известный преимущественно натюрмортами и изящными «обманками». Уроженец Антверпена, он состоял в гильдии живописцев Святого Луки, располагавшейся в городе. Почти пять лет Гисбрехтс провел в Копенгагене, в должности придворного художника датского короля.

«Обманка», или «тромплей» (от французского «trompe l'oile» — «обман зрения»), — разновидность натюрморта. Подобные картины получили распространение в Европе с XIV века, хотя традиция аналогичных изображений восходит к Древней Греции. Живописец мастерски создает образ трехмерных объектов на поверхности полотна, показывая их как можно более естественными, тем самым пробуждая в зрителе желание дотронуться до предметов: ощутить бархатную поверхность зеленого занавеса, развернуть и прочитать многочисленные письма, отогнуть уголки листов бумаги и узнать адресатов и отправителей, рассмотреть пистолет и музыкальные инструменты. Мастер умело использует светотень, с ее помощью передает блеск металла, подчеркивает различную фактуру вещей, стараясь сделать их осязаемыми и реальными. Иногда для большего иллюзорного эффекта «обманки» даже не вставляли в рамы, намеренно запутывая зрителя, заставляя его задуматься и как можно дольше рассматривать произведение.

После Питера Пауля Рубенса фламандец Якоб Йорданс был одним из самых плодовитых живописцев своего времени. Некоторые детали его алтарного образа «Вознесение Марии» имеют сходство с произведением Рубенса, написанным в 1624 для собора в Антверпене. В нижнем правом углу представленной картины можно обнаружить плохо читаемые, полустертые герб и надпись: «Dono Dedit V. D. Venne», что отсылает зрителя к семье Ван де Венн, которая выступила заказчиком. Произведение выдержано в барочном стиле и характеризуется динамизмом композиции, пышностью форм, светотеневые рефлексы контрастно подчеркивают выразительные жесты персонажей.

Один из апостолов, в центре полотна, имеет черты Абрахама Графеуса. Он был официальным гонцом гильдии Святого Луки в Антверпене — должность почетная, но для современного человека не очень понятная. Выразительное лицо Графеуса привлекало своей характерностью многих живописцев, в том числе Корнелия де Воса и Ван Дейка, но особенно им восхищался Йорданс, сделавший с него много этюдов. Один из них также находится в Музее.

Эгберт ван Хемскерк I — уроженец города Гарлема, живописец золотого века нидерландского искусства. Его родной отец был дантистом, а отчим — торговцем картинами. Произведения Ван Хемскерка — это изображения обычных современников, завсегдатаев кабачков и таверн, решенные в сатирической форме. Брадобреи и врачи особенно часто высмеивались в искусстве XVII столетия, к ним относились как к шарлатанам, выманивающим деньги у простого люда. Интересно, что до середины XVI века парикмахерам и цирюльникам разрешалось заниматься также хирургией и зубоврачебной практикой. Судя по этой картине, введенный запрет на совмещение профессий в Нидерландах не был воспринят серьезно. Помещение переполнено людьми, на первом плане врач обрабатывает рану на лице хорошо погулявшего накануне парня, рядом женщина самостоятельно перевязывает свою поврежденную руку, на скамейке расположились убогие калеки, костыль одного из них валяется неподалеку. За ширмой пациенту вырывают зуб. Очаровательна и непосредственна девочка в переднике на первом плане слева, удивленно наблюдающая за действиями врача.

В начале 1680-х мастер перебрался в Лондон. Его сатирические изображения действительности неоднократно приводили к конфликту с английским королем Карлом II. Стилистически работы живописца чрезвычайно трудно отличить от картин его сына, Эгберта Ясперса ван Хемскерка.

Голландский живописец, график и гравер Альберт Якобс Кейп родился в городе Дордрехт в семье художника-портретиста Якоба Герритца Кейпа. Под его руководством он вскоре стал одним из самых значительных пейзажистов «Золотого века» нидерландской живописи. Однако сначала отец и сын работали совместно, один создавал портреты, а другой дополнял их природным фоном. Около 1645 Кейп стал развивать свой собственный стиль, который характеризовался богатой цветовой палитрой и наполненной светом атмосферой. Этот особенный свет, не слишком свойственный голландским живописцам, он приобрел под влиянием пейзажей итальянских мастеров, хотя сам никогда не бывал на юге. Помимо итальянизирующих пейзажей художник также писал натюрморты, портреты, мифологические и библейские сцены, но особого мастерства достиг в изображении различных животных.

На представленной картине домашние птицы максимально приближены к зрителю. Живописец создал как бы групповой портрет пернатых созданий, продумал их позы и место в композиции. Он любуется оперением важного петуха на первом плане и примостившихся рядом кур, вырисовывая каждое перышко так, как будто пишет изысканные костюмы и аксессуары знати. Каждая из изображенных птиц индивидуальна.

Яркий представитель голландско-фламандской барочной живописи Корнелис де Хем обучался у своего отца, художника Яна Давида де Хема. Корнелис де Хем много работал в Лейдене и Гааге, состоял в гильдии живописцев Антверпена. Его прекрасные пышные, репрезентативные натюрморты с фруктами, цветами и музыкальными инструментами хранятся во многих европейских музейных собраниях.

Зрителя поражают удивительная достоверность и тщательность в изображении каждой детали этого сбалансированного роскошного натюрморта. На контрастном темном фоне натуралистично написаны свежие и сочные персики, виноград, благоухают ароматные цветы. Но художник включает в композицию и увядающие листья, намекая на быстротечность жизни и земных радостей. Эта работа имеет также религиозный и морализаторский смысл. Колосья пшеницы, гроздья винограда и бокал вина — символы жертвы Христа и Евхаристии. Апельсин заменяет здесь яблоко, выступая в качестве обозначения первородного греха. Цветы также соотносятся с культом Богоматери и называются цветами Девы Марии. Де Хем помещает в натюрморт пару незаметных на первый взгляд персонажей — маленьких улиток, ползущих в разные стороны по ветке лозы. Улитка — противоречивый символ, она считалась олицетворением стойкости, но в то же время лени и греха, иногда отождествлялась со злыми силами и праздностью.

В собрании гентского Музея изящных искусств английская школа живописи XVIII века представлена одним произведением. «Спящую девушку» Джошуа Рейнолдса нельзя назвать портретом, скорее, это штудия для исторического полотна, вылившаяся в законченную картину. Название работы и несколько театральный костюм модели навевают мысли о мифологическом или сказочном сюжете. Возможно, художник вдохновился такими литературными произведениями, как «Сон в летнюю ночь» Вильяма Шекспира или «Спящая красавица» Шарля Перро. Кто эта погруженная в сон прекрасная незнакомка — земное существо или волшебное создание, — зрителю остается только гадать. Магическое ощущение и очарование придает произведению светотеневой контраст, будто живописец запечатлел момент, когда спящую девушку обнаружил принц или возлюбленный и огнем факела осветил ее фигуру, выхватив из ночного мрака, которому она так долго принадлежала.