Музей изящных искусств. Гент

Искусство XIX–XX веков

«Портрет клептомана» входит в серию, состоящую из десяти портретов умалишенных, созданных Теодором Жерико для своего друга, доктора Жорже, автора трактата «О безумии», выступавшего за изучение поведения душевнобольных. Картины должны были служить своеобразным учебным пособием, иллюстрацией для студентов, помогая им выявлять определенные черты во внешности больных и использовать полученные знания на практике.

Жерико попытался объективно показать лицо пациента: из глубоких впадин пустые глаза рассеянно устремлены вперед, но в то же время отображают процесс внутреннего брожения поглощающей его страсти. Облик мужчины неопрятен: неряшливая одежда существует отдельно от исхудавшего тела, торчащие космами волосы, редкая, плохо подстриженная борода усугубляют впечатление общей тревожности и нервозности образа. Губы клептомана плотно сжаты, кажется, что он замкнулся в себе, обдумывая новую кражу. Одичалый облик не внушает ни страха, ни жалости, скорее, художник стремится возбудить в зрителях научный интерес к этому отклонению от психических норм. Автор, сам переживший тяжелое нервное расстройство, был далек от мысли презирать или бояться больных.

Фламандский исторический живописец и портретист Йозеф Франсуа Дюк принадлежал к бельгийской школе неоклассицизма. После обучения в Париже и Риме в 1815 он возвратился в Брюгге и вскоре был назначен директором Академии художеств и придворным живописцем короля Вилема I.

Рассматриваемое полотно — парное к изображению Исаака Йозефа де Мейера — офицера и главного врача голландской армии, имевшего высокий социальный статус и занимавшего важный общественный пост. Данный портрет его супруги Колетт Версавель более поэтический и камерный. Женщина стоит во внутреннем дворике с колоннами и фонтаном, напоминающем итальянский, в ее правой руке кувшин для воды, что символически говорит о ней как о заботливой жене и хранительнице домашнего очага. Стоит обратить внимание на платье, сшитое по последней парижской моде, и тщательно выписанные художником детали костюма (чувствуется влияние французского живописца Жана Огюста Доминика Энгра). Портрет казался бы спокойным и даже блеклым, но кроваво-красная шаль с затейливой каймой «турецкий огурец» становится ярким цветовым акцентом.

Франсуа Йозеф Навез, бельгийский художник, представитель неоклассицизма в живописи, писал портреты в стиле французского мастера Жана Огюста Доменика Энгра и величественные произведения на исторические темы. Мифологические сцены редко встречались в его творчестве.

Сюжет картины основан на одной из глав «Метаморфоз» Овидия. Прекрасный юноша Гермафродит, сын Гермеса и Афродиты, путешествовал по родной Карии, его увидела нимфа Салмакида и с первого взгляда влюбилась в него. Когда герой купался в источнике, в котором жила Салмакида, она прильнула к нему и обратилась к богам с просьбой навеки соединить их. Олимпийцы выполнили ее желание, и они слились в одно целое. С тех пор гермафродитами стали называть двуполые тела.

Мастер изображает нимфу и объект ее любви незадолго до превращения. Сдержанный жест юноши и страстные объятия увлеченной нимфы представляют собой подобие элегантных балетных поз. Он выстраивает нагие тела по всем канонам классицизма, представляя зрителю идеальные фигуры полубожественных созданий.

Легенда о Гермафродите была излюбленной темой не только живописцев, но также скульпторов и поэтов.

Бельгийский живописец XIX века Пьер Франсуа де Нотр очень любил изображать городские пейзажи. Он писал виды Антверпена и Мехелена, бывал в Брюгге, но особенно его привлекал Гент, где художник жил с 1810.

Данная картина сродни современной фотографии, точно фиксирующей для будущих поколений топографию определенного места. Ценность подобного живописного изображения становится очевидной при сопоставлении с современным видом на церковь Святого Бавона и прилегающей к ней площади. Ее застроили во второй половине XIX века, и вид, открывавшийся когда-то взору художника, был безнадежно утерян.

В соответствии с традицией, существовавшей в голландских пейзажах XVII–XVIII веков, де Нотр включает в любовно написанные картины крошечные изображения людей, занятых своими повседневными делами (стаффаж). Мужчина возле группы детей играет с собакой, быстро несется по мосту карета, запряженная четверкой лошадей, на широких ступенях лестницы, ведущей к реке, расположились прачки, стирающие белье. Помимо точности в передаче городской среды художнику прекрасно удается показать световоздушные эффекты освещения, возникающие от проглядывающего из-за туч солнца, и разнообразие оттенков в пределах одной цветовой гаммы, ограниченной серо-коричневым колоритом.

В отличие от французских импрессионистов, которые являлись современниками и друзьями Анри Фантен-Латура, он по натуре был одиноким творцом, ведущим затворнический образ жизни. Стиль живописца больше близок к реализму, новые течения были ему не слишком интересны. Любимые темы мастера — превосходные цветочные натюрморты и портреты близких людей.

Данное полотно, представляющее супругу художника, Викторию Дюбург, на самом деле не является полноценным, самостоятельным произведением. Живописец считал его подготовительной работой и поэтому даже нанес надпись «Этюд» на обратную сторону холста. Но даже в этой незаконченной простой штудии отчетливо видно, как Фантен-Латур вылепил лицо молодой женщины мазками светлой краски, постепенно затемнив и проработав скулы, глазные впадины. Картина отличается точным уверенным рисунком и утонченным сочетанием приглушенных, мягких розово-серых и бело-серых тонов.

Помимо живописных полотен в художественное наследие Пьера Франсуа де Нотра входят примечательные графические листы с архитектурными зарисовками, мотивами лестниц, капителей, арок и перекрытий, показывающие незаурядный талант рисовальщика.

В представленной работе де Нотр продолжает начатую серию видов любимого им Гента, в этот раз выбирая зимнюю пору, он пишет место слияния реки Лис с Шельдой, вблизи рыбного рынка. Художник недалеко отходит от центра города — собор Святого Бавона по-прежнему просматривается на заднем плане. Сегодня эта местность изменилась до неузнаваемости. Раньше зимой каналы замерзали, и горожане развлекались на льду, катались на санках и коньках, прогуливались, дыша морозным воздухом. На картине сумрачный, серый день внезапно озаряется лучами солнца, прорвавшимися сквозь завесу облаков. Они освещают детально проработанные фасады старинных зданий, окружающих скованную льдом реку. Мотив противопоставления мрачных, находящихся в тени построек и яркого света характерен для большинства живописных полотен мастера.

Один из самых прославленных бельгийских художников-маринистов, Жан-Поль Клейс любил изображать прелесть штиля, движение кораблей в портах и на рейдах, поэтичные морские виды и мирную жизнь рек и гаваней.

В картине «После кораблекрушения» отчетливо читается романтический характер творчества Клейса, приобретенный под влиянием французских учителей. Прошедшая ночью буря нанесла непоправимый ущерб судну, его порванный парус безвольно повис на мачте, сник когда-то реявший гордо флаг. Поврежденный яростным натиском волн, изрядно потрепанный корабль едва держится на плаву, дрейфуя между каменными рифами недалеко от берега. Грозовое небо еще не совсем распогодилось, видны уходящие вдаль облака, но постепенно зарождается новый день, лучи солнца озаряют небосвод, даруя надежду на спасение.

Мастер писал добротные морские пейзажи, не интерпретируя их по своему усмотрению, стараясь быть максимально верным природе. Жан-Поль Клейс быстро занял видное место среди самых известных бельгийских художников своего поколения, его работы, продаваемые по высоким ценам, вскоре стали украшать стены многочисленных частных домов и общественных заведений.

Фердинанд де Бракелер, отец известного бельгийского живописца Анри де Бракелера, писал работы на исторические темы в стиле неоклассицизма, а затем переключился на юмористические жанровые сценки.

В картине «Летучая мышь» де Бракелер показал интерьер уютного бюргерского жилища, в котором буквально на глазах все превратилось в хаос — перевернуты стулья, падает посуда, владельцы и жильцы в ужасе и буквально сбились с ног. И что является тому причиной? Маленькая летучая мышь, случайно залетевшая в дом, настоящую охоту на которую начали его обитатели. До XX века под воздействием древнего поверья, усугубленного литературными произведениями XIX столетия Джозефа Шеридана ле Фаню и Брэма Стокера, летучая мышь считалась олицетворением зла, ночью она якобы превращалась в ужасного монстра-вампира, пьющего кровь спящих людей. Де Бракелер использовал это суеверие в сюжете. Взрослые и дети проигрывают шустрому летучему созданию, его не так-то просто поймать. Композиция строится по строгим академическим правилам и по характеру исполнения почти не отличается от жанровой живописи XVII–XVIII веков. Интересно сравнить эту работу с другим произведением художника — «Ловля мыши» (ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва), в котором хозяева пытаются справиться с обыкновенной полевой мышью, но также несут большие потери.

Бельгийский живописец Феликс де Винье происходил из семьи художников. Его брат был скульптором, а сын, Эдмон де Винье, стал архитектором. Де Винье — не только создатель прекрасных портретов и исторических произведений, но также историк. Среди многих книг им написан и проиллюстрирован путеводитель по средневековому костюму.

В картине «Крестины во Фландрии XVIII столетия» живописец обращается к прошлому, одежды персонажей точно соответствуют веку. Семья только что крещеного ребенка — представители зажиточного среднего класса. Родственники спокойно выслушивают наставления духовного лица, кормилица радостно прижимает к себе запеленатого в кружевные пеленки младенца. Но идиллической сценке нарядных и довольных буржуа мастер противопоставляет группу бездомных, изображенных в левой части полотна. Окружающий мир отвергает их, кажется, что героям едва хватает места и в самой картине. Контраст между богатыми и бедными слоями населения — постоянная тема в искусстве XIX века. Подробные изображения, по мнению художников, вносили в произведения социальную подоплеку и добавляли им реализма.

Художник-жанрист Ян Верхас, писавший портреты, морские виды и пляжные зарисовки, наибольшую популярность приобрел в качестве портретиста детей бельгийских буржуа. Он, как никто другой в бельгийской живописи XIX века, интересовался темой детства, играми ребятишек, передачей их движений, мимики и жестов.

Данное произведение представляет умилительную сценку: младший ребенок выводит на бумаге свой нехитрый акварельный рисунок. Юный художник в центре явно был написан с натуры. Вокруг него сгруппировались старшие дети, которые с интересом наблюдают за «мастером живописи», их естественные позы напоминают постановочные фотографии, которыми мастер, вероятно, пользовался для создания композиции картины. Ян Верхас был превосходным салонным художником, прошедшим академическую выучку. Его работы помимо тематики узнаваемы по теплой цветовой гамме, богатому декоративному оформлению, вниманию к деталям интерьера, подчеркивающим атмосферу буржуазного дома.

Ранние работы выдающегося бельгийского художника-символиста и экспрессиониста Джеймса Энсора отмечены чертами реализма. В 1880 он принял решение навсегда остаться в родном приморском городе Остенде. На чердаке родительского дома мастер обустроил студию, где часто работал в компании художника Альфреда Уильяма Финча, также британца по происхождению. В результате многие произведения живописцев этого периода очень похожи по стилю и технике.

Портрет Уильяма Финча кажется незаконченным, как и этюды импрессионистов, созданные быстрыми, широкими мазками кисти, улавливающими только основные черты модели без подробной детализации. Живопись Энсора начала 1880-х называют «темной»: цветовая гамма приглушена, а красочный слой имеет густую фактуру. Но в динамичных мазках белого цвета заметен интерес автора к тональности освещения, вносящего в изображение определенные экспрессивные настроения. В Музее также находится карандашный портрет Финча работы Энсора, датируемый 1883.

Данное произведение является поворотным в творчестве Энсора. В этой картине впервые появляется мотив скелета, предвещая начало иного периода. Кроме того, автор отказывается от импрессионистической манеры, в которой ранее работал, и дистанцируется от изображения действительности. Через раму открытой двери зритель видит комнату, в центре, в кресле, в расслабленной позе расположилась фигура, занятая рассматриванием японских гравюр (а не китайских, как заявлено в названии). На стенах развешаны длинные японские живописные произведения (свитки). Все формы прекрасно уравновешены композиционно, Энсор также вводит новые для его творчества цвета — желтый, голубой и красный. Возможно, картина была написана в мастерской его друга — художника Тео ван Рейссельберге. Около 1888 живописец стал переделывать и добавлять некоторые детали в свои ранние произведения. Исследование в ультрафиолетовом излучении показало, что изначально Энсор написал голову мужчины с бородой, но позже переписал ее в череп. Второй череп, на первом плане слева в углу, также является поздним добавлением. Это радикально поменяло смысл картины, внеся ноту фантастичности. Тема смерти здесь возникла неслучайно, вероятно, после кончины отца живописца.

Картина «Дети за утренним туалетом» представляет сцену в доме семьи Джеймса Энсора. Художник называл эту работу «исследованием цвета», создав ее как эксперимент в духе импрессионистов. Это раннее произведение, по сути, бытовая сценка, показывает стремление мастера к передаче неких фантастических видений. Солнечный свет проникает сквозь занавешенные легкими шторами окна, наполняя комнату золотистым свечением, которое физически ощущается в каждом предмете картины. Атмосфера символизма чувствуется во всем произведении, почти лишенном реалистических деталей. Изображение обнаженного молодого тела является единственным в творческом наследии Энсора, который вскоре увлекся иными художественными приемами и темами, сделавшими его работы безошибочно узнаваемыми.

Художник посвятил этот портрет своему другу, отцу Маргариты Эмилю ван Монсу — покровителю искусств.

Представленное произведение — одна из самых ранних работ бельгийского мастера, выполненная им в духе символизма. Портрет десятилетней девочки был написан вскоре после кончины ее матери. Мечтательной и отсутствующей кажется смотрящая на зрителя Маргарита ван Моне. Черное траурное платье резко контрастирует с ее бледным лицом и тонкими золотыми филенками и накладками на панелях двери. Девочка изображена фронтально, спиной к двойной двери, ее правая рука держит дверную ручку. Возможно, она только что пришла в комнату или, наоборот, хочет ее покинуть. Этот неоднозначный жест, таинственно сверкающий серебряный браслет на руке девочки и общая меланхоличная атмосфера картины придают портрету символический характер. В работе ощущается влияние портретов Джеймса Уистлера, с ними Ван Рейссельберге мог познакомиться на салонах Объединения «Двадцати».

В творчестве Джеймса Энсора графика занимала равноправное наряду с живописью место. В графических работах соседствуют два плана — настоящий и ирреальный, исполненные с натуры пейзажи и фантастические видения.

В знаменитой гравюре «Собор» реальность и вымысел тесно переплетаются. Энсор изображает бесчисленную толпу людей, теснящуюся у подножия готической церкви. В архитектуре здания узнаются черты городского собора Антверпена и церкви в Эксла-Шапель, преображенные фантазией мастера. Развевающиеся флаги указывают на то, что это праздник собрал на площади людей, которые так плотно заполнили все пространство, что их головы уподобились булыжнику мостовой. Контрастом к копошащейся толпе выступает стройное, взметнувшееся вверх здание. Легко, нервно, тонкими как паутинка линиями создает Энсор образ готического собора, отмечая детали его сложного средневекового убранства. Человеческая толпа, напротив, дана обобщенно — лишь на переднем плане различаются отдельные, гримасничающие лица-маски, далее все сливается в общую массу. Теме толпы посвящен целый ряд гравюр, исполненных в 1890-е.

Эта цветная литография была создана Джеймсом Энсором как рекламный плакат для его персональной выставки в Париже, проходившей под патронажем журнала «Перо» («La Plume»), инициатором которой выступил друг автора, бельгийский писатель и критик Евгений Демолдер. За основу мастер взял собственную, исполненную в 1895 гравюру «Черти, что дразнят меня», композицию которой он изменил, сделав более четкой.

Одетый в строгий темный костюм художник отстраненно стоит в окружении разнообразных причудливых чертей, пытающихся обратить на себя его внимание, дергая за плечи и рукава пиджака. Но если присмотреться к этой литографии чуть внимательнее, начинает казаться, что Энсор и нечисть сосуществуют довольно миролюбиво и спокойно. Петух в солярном круге в центре гравюры означает победу над злыми силами. Лаконизм и простота графических произведений Энсора были благосклонно приняты критикой и впоследствии явились отправной точкой для последующего развития бельгийской гравюры.

Считается, что Джеймс Энсор изначально планировал создать портрет Нел Дофф — французской писательницы нидерландского происхождения. Однако заказчица отказалась принять полотно, и художник переработал его по своему усмотрению: водрузил зеленый парик на голову модели и добавил фантастическое окружение — излюбленный мастером мотив многочисленных смеющихся и ухмыляющихся масок, которые олицетворяют человеческое лицемерие и притворство. Автор не забыл поместить в правый угол картины череп — намек на бренность всего существующего в мире. Нел Дофф на момент написания полотна исполнился всего тридцать один год, она была старше художника на два года, но с полотна на зрителя смотрит лицо пожилой женщины с глубокими морщинами. Возможно, живописец намеренно состарил молодую модель, чтобы показать, как лицо человека под влиянием жизненных трудностей постепенно приобретает черты маски, потом становится ею и в конечном счете превращается в череп.

Фламандское сообщество Бельгии недавно смогло приобрести картину «Пьеро и скелет в желтом халате», в течение последних десятилетий хранившуюся в частной коллекции в США. Эта покупка входила в планы правительства, направленные на возвращение на родину ключевых работ лучших фламандских и бельгийских живописцев.

В 1890-х Энсор писал небольшие по формату произведения, в которых графический язык проступал более отчетливо, чем в крупных. В этой картине художник оригинально объединил свой интерес к натюрморту и любовь к пародии. Как и в других знаковых творениях, он смело смешивал придуманное, сказочное и реальные объекты, добиваясь ощущения фантастичности всего происходящего. Центральные персонажи — Пьеро со странным неживым лицом-маской и веселый скелет в желтом одеянии, держащий в руках большую кружку. Из-за углов высовываются странные, уродливые маски, наблюдающие за главными героями. Яркий халат, в который облачен остов, — основной цветовой акцент картины, он притягивает взор зрителя. Считается, что желтый — цвет болезней и безумия, предательства и измен, связанный с дьявольскими кознями. Зная биографию Энсора, втянутого в 1892-1893 в судебные тяжбы, становится понятным выбор темы и такого не слишком характерного для художника цвета. Добавляя к одежде скелета белое судейское жабо, художник таким образом высмеивает раздражавших его законников.

Фернан Кнопф, видный представитель бельгийского символизма, художник и скульптор, писал портреты и пейзажи, создавал иллюстрации к произведениям поэтов-современников.

Фоссет — название небольшой деревни среди Арденнских гор, где родители Кнопфа имели домик для отдыха, в котором художник провел много летних сезонов. Это место и его природа были чрезвычайно ему дороги, поэтому в период с 1880 до середины 1890-х автор исполнил порядка сорока пейзажей, изображающих родные окрестности.

Картина «Пейзаж в Фоссете» — не просто передача определенного живописного уголка природы. Кнопф по-своему интерпретирует знакомые места и пишет то, что чувствует. В результате его детские воспоминания и современное восприятие переплетаются, создавая некую неопределенную реальность, в которую художник добавляет свое меланхоличное настроение. Так, пейзажная местность приобретает иные, неоднозначные и таинственные черты.

Эмиль Клаус — представитель направления импрессионизма в бельгийской живописи, оказавший влияние на развитие национального искусства. Его произведения имели успех у современников, он был награжден различными орденами, в том числе орденом Почетного легиона.

Мастер увлекся новым художественным течением в 1889, в связи с чем провел три зимы в Париже. Картина «Фигуристы» принадлежит именно этому периоду. Однако, находясь под влиянием импрессионизма, Клаус не порвал с реалистической манерой, свойственной его ранним произведениям, поэтому работу следует рассматривать как некую переходную. Зритель отчетливо «слышит эхо» натурализма в резко очерченных контурах фигур изображенных детей, которые закончили игру на льду и поднимаются наверх вместе с санками.

Художник прекрасно передал рефлексы солнечных лучей с помощью градаций легких серых тонов в изображении снега, залил глянцевую поверхность льда розовыми тенями от заходящего вечернего солнца. Интерес к подобным эффектам и придание живописи особого сияния говорят о приближении бельгийского люминизма — направления, в котором основное внимание уделялось отображению эффектов света. В последующие десятилетия Клаус стал ведущей фигурой этого движения.

Живописец впервые выставил картину в Генте в 1891, в начале 1892 она уже была приобретена для музейного собрания как образец искусства импрессионизма во Фландрии.

Французский художник Эжен Буден считается одним из вдохновителей пленэрного пейзажа, а его живописные работы — предтечами импрессионизма.

Сын капитана, он родился в Онфлёре, старом портовом городе Нормандии, и большую часть жизни провел на севере Франции, хотя и предпринимал путешествия в Италию, Голландию и Бельгию. Он предпочитал писать морские пейзажи, в которых большое внимание уделял бескрайнему небу с облаками над поверхностью воды и свету, заливающему все полотно. В 1860-х, чтобы угодить респектабельной, зажиточной публике, живописец создал особый жанр — пляжные виды модных морских курортов, населенные маленькими стаффажными фигурками буржуа, имевших возможность проводить свободное время на берегу. И хотя подобные очень красивые, поэтичные и эстетически привлекательные пейзажи пользовались большой популярностью у коллекционеров, художник решил, что простые люди, рыбаки и женщины, показанные в картине «Этретские прачки», заслуживают не меньшего внимания.

Это полотно, как и многие другие работы мастера, делится на три параллельных горизонтальных пространства, в которых равномерно распределяются воздух, море и пляж. Широкими мазками, упрощая формы, безо всякой индивидуализации Буден пишет группу прачек, занятых стиркой белья. Предвестие импрессионизма чувствуется в передаче влажной световоздушной атмосферы. Холодные серебристые и желтые тона оживляются белыми кепками и красными акцентами одежды на переднем плане. Хотя художник не считал себя импрессионистом, он принял участие в первой выставке объединения, прошедшей в 1874.

Почитаемый и любимый в Бельгии художник Анри Эвенпул написал эту картину за год до своей преждевременной смерти от тифа. Он восхищался работами Эдуарда Мане, многие картины создал под их влиянием, особенно ощутимом в колористическом строе произведений.

Если варьете и ярмарки были одними из любимых тем живописца, то «Шут» является уникальной работой, так как он обратился к нему лишь однажды. Эвенпул показывает своего героя не смешным и веселым, он у него, скорее, трагический персонаж, что подтверждается черным одеянием, нехарактерным для клоунов, и подчеркивается сумрачным колоритом произведения. Лысая голова, ярко раскрашенное лицо в сочетании со странной гримасой на нем производят пугающее впечатление. Вокруг сцены — толпа людей, чьи физиономии выражают разные эмоции: от радости и удивления до скуки и уныния. Зрители могут издеваться над клоуном или смеяться над его шутками, но никто из толпы не поймет подлинного человека, скрывающегося под гримом. Глядя на картину, невозможно не вспомнить работы Энсора с его масками, которыми, безусловно, вдохновлялся Эвенпул, а также знаменитую картину Э. Мунка «Крик».

Портреты кисти Эмиля Клауса — вероятно, лучшие произведения этого жанра в бельгийском искусстве.

На красочном, сияющем полотне художник запечатлел одну из своих учениц, Анну де Верт, бравшую у него уроки живописи и рисунка. Интересна композиция картины: Анна сидит в лодке на реке Лис, в правой руке у нее карандаш, она придерживает альбом. Довольно крупная фигура женщины в голубовато-розовом платье, будто сотканном из невесомых ударов кисти, занимает значительную часть холста. Клаус демонстрирует столь любимые импрессионистами рефлексы цвета и влияние друг на друга располагающихся рядом оттенков. Голубое летнее небо с плывущими по нему облаками, лодка под парусом и зеленовато-желтые деревья, растущие на близлежащем полуострове, отражаются на водной глади.

Анна со своим супругом, либеральным политиком Морисом де Вертом, с середины 1890-х проводила летние месяцы на одной из вилл близ Гента, в непосредственной близости от которой художник и изобразил ее.

В этом красочном офорте Джеймс Энсор воспроизводит свое впечатление от солнечного дня, проведенного на пляже в родном городе Остенде. Слева в ряд выстроились купальные машины — популярное в XIX веке приспособление, позволявшее мужчинам и женщинам принимать ванны на морских пляжах, скрываясь от посторонних глаз. Человек в повседневной одежде заходил в такую крытую повозку на берегу и переодевался в ней в купальный костюм. Запряженная лошадью машина заходила в воду и уже там разворачивалась так, чтобы с берега купальщик не был виден и мог спуститься по ступенькам в морскую гладь. Энсор с тонким юмором и доброй иронией изображает многочисленных купающихся и копошащихся на берегу людей в модных в то время полосатых пляжных костюмах. Кажется, что вся гладь Северного моря заполнена неуклюжими фигурками смешных человечков и животных, любопытные движения и позы которых можно рассматривать продолжительное время. Пляжная жизнь для местных жителей и гостей Остенда, ставшего в XIX веке курортом, являлась забавным зрелищем, на него специально приходили посмотреть и развлечься.

Тео ван Рейссельберге был знаковой фигурой для бельгийской художественной жизни конца XIX — начала XX века. В своем творчестве он испытал сильное влияние пуантилизма, в котором творил французский живописец Жорж Сёра. В точечной, схожей с мозаикой манере автор работал примерно с 1890 по 1910.

На данном красочном и огромном по размерам полотне запечатлены основные писатели и поэты Франции и Бельгии начала XX века. Главное действующее лицо — выдающийся поэт Бельгии Эмиль Верхарн, он в красно-оранжевом сюртуке сидит в кресле спиной к зрителю и поглощен чтением стихов своим друзьям. Его правая поднятая рука плавно движется, как бы отмечая ритм и акценты. Справа расположились художник Анри Эдмон Кросс, писатели Андре Жид и Морис Метерлинк — автор знаменитой «Синей птицы», по левую руку от Верхарна сидит Феликс ле Дантек — французский философ и биолог, чьими трудами восхищался Верхарн. У камина, за столом, — поэт Франсис Вьеле-Гриффин, рядом с ним стоит художественный критик Феликс Фенеон, на стул опирается самый молодой участник лекции — Анри Геон, писатель и доктор. Эта картина — дань уважения и дружбы, которые художник питал к Верхарну — защитнику и поклоннику импрессионизма, национальному гению Бельгии, и одновременно свидетельство идейных и интеллектуальных связей между писателями-символистами и художниками той эпохи.

Шотландец Эдвард Аткинсон Хорнел учился в академиях в Эдинбурге и Антверпене, состоял в «Глазго Бойс» — объединении прогрессивных художников, воспринявших новейшие течения искусства конца XIX-начала XX века. Хорнел работал в манере, близкой постимпрессионистам, но цветовое решение и выбор сюжетов картин выдают в нем символиста и последователя английских прерафаэлитов.

После поездки в Японию художник создал серию картин об этой стране, но постепенно он отходит от восточных тем и пишет более близкие для шотландского общества сцены с детьми среди цветущего пейзажа. К таким работам относится и «Весенняя идиллия».

Эта картина — аллегория времени года. Две девочки, светловолосая и шатенка, как олицетворение разнообразия весны, прилегли среди цветущих кустов, деревьев и первых раскрывшихся желтых примул, усеявших поляну. На заднем плане гуляют козочки, не сразу различимые в чаще, ветки покрыты белоснежными распустившимися бутонами. В живописнопластическом решении произведения, созвучии его мягких тонов ощущается влияние Мориса Дени, некоторая контурность и графичность привнесены в работу под впечатлением от японских гравюр, которыми восхищался художник.

На творчество Фернана Кнопфа сильно повлиял немецкий художник Франц фон Штук, у которого автор заимствовал некоторые женские образы. Данное произведение напоминает созданный Кнопфом фронтиспис к поэтическому сборнику стихов поэта-символиста Грегуара Ле Руа «Мое сердце плачет о прошлом». Круглый формат изображения (тондо) довольно часто повторяется в работах художника, он наводит на мысль, что эта картина — на самом деле зеркало и женщина смотрит на свое отражение. Окружность четко очерчивает и разграничивает изображение, отсекая все лишнее. Лицо героини имеет некоторое сходство с Лили Маке — молодой англичанкой, жившей в Брюсселе и неоднократно выступавшей моделью для произведений художника.

Таинственный, застывший образ с темно-карими глазами, окруженный полупрозрачной, почти невидимой вуалью, гипнотизирующе глядит на зрителей. На переднем плане — цветок и жемчуга в стеклянной тонконогой вазе. Цветок — вероятно, цикламен, его синий цвет символизирует идеал. Сдержанная, преимущественно монохромная гамма произведения позволяет сосредоточиться на пронзительных карих глазах женщины, данный оттенок у символистов означал духовность.

Густав ван де Воестин — самобытный и знаковый живописец, в творчестве которого органично уживались экспрессионизм и символизм. Он принадлежал к так называемой Первой группе из Латема — объединению художников, работавших в деревушке Сент-Мартенс-Латем, недалеко от Гента. Произведения Ван де Воестина графичны, он избирал необычные ракурсы, часто специально пренебрегал законами перспективы. В творчестве автора явно прослеживается увлечение ранними фламандскими мастерами-примитивистами, картинами Питера Брейгеля, а также английскими прерафаэлитами.

В мае 1913 Ван де Воестин совершил поездку в Италию. Во Флоренции он восхищался произведениями Сандро Боттичелли и Фра Анжелико. Влияние итальянских мастеров ощутимо и в данном полотне, узнаваемо в мягких, тонких переливах, золотистом цвете фона. Из работ французского художника Мориса Дени заимствованы бледность красок и пастельная гамма, простота форм. Девушка опустила голову вниз, но ее взгляд направлен вверх, а голова кажется непропорционально большой по сравнению со стройным телом. Подобные искажения и переработка фигур моделей были характерной чертой многих произведений живописца.

Французский художник Альбер Марке принадлежал к группе фовистов, обязанных своим названием стремительному способу писания яркими, чистыми, иногда кричащими красками. Однако использование подобной палитры довольно быстро надоело живописцу, и примерно с 1912 он использовал преимущественно приглушенные и нежные тона с тонкими цветовыми акцентами, техника стала более вдумчивой и спокойной.

Суровая парижская зима сказалась на здоровье художника, и друг, доктор Эли Фор, рекомендовал ему сменить климат на более солнечный. Сначала живописец по приглашению Поля Синьяка отправился в Алжир, а затем переехал в порт Ла-Рошель на берегу Атлантического океана.

Марке создал множество произведений с изображением портов и рек. В данном на переднем плане бухта с набережной, где происходит выгрузка или погрузка бочек. За гаванью, на заднем плане, расположился город со средневековой башней, возвышающейся над крышами домов. Используя минимальное количество цветов, применяя черный контур для многих живописных объектов, мастер создал портрет абсолютно узнаваемого и живого городка.

Испанский художник Хуан Миро выработал собственный узнаваемый стиль, близкий к произведениям абстракционистов. Помимо живописных работ он создавал керамические изделия, печатал литографии и расписывал стены фресками. Творения Миро всегда радостные и оптимистичные, по колористическому строю они напоминают бессвязные рисунки маленьких детей, почти лишенные фигуративности и конкретных очертаний реальных предметов.

«Композиция», как и многие другие работы каталонского художника, — чистая эмоциональность отображения чувств и мыслей, внутренних вибраций души, переполнявших живописца в определенный момент, которые он решил выплеснуть на полотно с помощью таких живительных сгустков расцвеченной энергии. Наивное, отчасти примитивное искусство Хуана Миро довольно долго не было понято современниками. Мастер получил мировое признание и большой успех у публики почти в шестьдесят лет.

Бельгийское искусство XX века неразрывно связано с именем сюрреалиста Рене Магритта. Его работы узнаваемы благодаря контрасту между четко написанными ирреальными предметами и естественным окружением.

В 1950-е Магритт создал серию работ «Перспектива», в ней он спародировал классические произведения, из которых наиболее известные — «Мадам Рекамье» Давида и Жерара и «На балконе» Эдуарда Мане. Живописец выбрал известный сюжет картины, но всех действующих лиц написал в виде гробов. Он посчитал, что персонажи, изображенные на холстах прославленных мастеров, тоже смертны, как и обычные люди. Магритт решил умертвить их в своих версиях картин, рисуя уже заколоченными в гробы. Художник с нарочитым черным юмором продолжил повествование о жизни героев знаменитых полотен, показывая, что с ними произошло и где они сейчас находятся.

Московский Кремль — символ российской государственности. На протяжении многих столетий с этим местом связаны важнейшие события истории нашей страны. Более двух веков назад здесь был создан уникальный музей-сокровищница Оружейная палата. Кроме него в существующий ныне музейный комплекс входят Успенский, Архангельский, Благовещенский соборы, церковь Ризположения, Патриаршие палаты, ансамбль колокольни Ивана Великого. Собрание музеев Московского Кремля насчитывает более 60 тысяч памятников истории, культуры и искусства.