Музей королевы Софии Мадрид

Скульптура

Крупнейший испанский скульптор своего времени Хулио Антонио Родригес Эрнандес прославился серией бронзовых бюстов, в которых воплощал национальный характер, в лицах и пластике рабочего люда и крестьян находя типические черты. Каталонский город Таррагону, родину мастера, украшают многие его работы, в том числе «Кастельерос», посвященный тем ловкачам, которые в дни национальных праздников устраивают живые многоэтажные башни, становясь на плечи друг другу.

Самым известным стал памятник героям Таррагоны, модель которого находится в музейной коллекции в Мадриде. Он был воздвигнут в честь героев, погибших в 1811 в сражении с наполеоновской армией. Когда статую установили, разгорелся скандал. Общество было не готово к демонстрации «обнаженной натуры» (скульптуру так и называли — «Обнаженные»), церковь осудила изваяние. Дабы не пострадала нравственность молодежи, было решено прикрыть его занавесом, поставить часовых и подпускать для обозрения только взрослых. Однако королева Испании Виктория Эухения (супруга Альфонсо XIII и бабушка нынешнего короля Хуана Карлоса) во время визита в город пожелала сфотографироваться рядом с памятником. С тех пор он остается открытым.

Пабло Эмилио Гаргальо Каталан родился в Маэлье, местечке близ Сарагосы. В 1888 его семья переехала в Барселону, столицу Каталонии, которая на рубеже веков являлась центром художественной жизни Испании и городом, открытым творческому новаторству. Искусство скульптуры Гаргальо постигал под руководством замечательного испанского ваятеля Эусебио Арнау. Затем он получил правительственную стипендию на продолжение учебы во Франции. Во время пребывания в Париже мастер испытал сильнейшее влияние земляка и близкого друга Пабло Пикассо, однако сохранил собственное видение мира и способы самовыражения. С 1898 началась выставочная деятельность Гаргальо. Его творчество чрезвычайно разнообразно. В общем ряду есть бронзовые изваяния, покоряющие весомостью пластических объемов даже при самом маленьком масштабе. Именно таковой является представленная скульптурная группа, изображающая водоносок, чьи фигуры, столь далекие от совершенства, словно наполнены живительной стихийной силой.

В Сарагосе сегодня функционирует музей Гаргальо, удивляя посетителей органическим совмещением модернистских форм и позднеренессансной архитектуры старинного здания. Здесь хранятся более ста произведений мастера. Но и в Маэлье, и в Барселоне существуют памятные места, связанные с его именем.

Представленная работа — одна из серии, посвященной маске Арлекина. Она сделана в особой технике, способом, который впервые ввел в скульптурный словарь истории искусства Гаргальо (сегодня сказали бы, что это его ноу-хау).

В 1901 творец делил мастерскую с Пикассо в Барселоне, позже последовал за ним в Париж, жил в Бато-Лавуар, затем на Монпарнасе, умножив своим присутствием когорту парижской школы. Здешний дух экстремального экспериментаторства захватил его полностью. Пикассо позировал Гаргальо для портрета, а своими кубистическими опытами решительно повлиял на друга. Экспрессивные маски ваятель делает из листа меди, но в других работах он часто использовал железо или свинец, картон и даже бумагу, ковкой придавая металлу нужную пластику.

Объектом для Гаргальо был не только Арлекин, персонаж итальянской комедии масок, но и реальные, живые модели. Так, он сделал три маски голливудской звезды Греты Гарбо, а также звезды Монпарнаса Кики — модели многих художников и фотографов.

Простейший на первый взгляд подход к форме (искусство «примитивных народов», а также «наивное», то есть непрофессиональное, творчество возбуждали особый интерес у авангардистов) придает ей у Гаргальо необычную жизнь, когда пространство, проникая в нее, пульсируя внутри, становится выразительным элементом, а контур делается острым в буквальном смысле.

Произведение «Великий пророк», над которым мастер работал тридцать лет до самой своей кончины, — одно из подтверждений владения автора как камерным регистром, так и монументальным. Именно этот дар сделал возможным исполнение им (совместно с Дидаком Масана) колоссальной декоративной арки над сценой концертного зала Дворца каталонской музыки в Барселоне, темой которой стал полет валькирий из оперы Рихарда Вагнера. Он работал над ней в период своего пребывания в городе, с 191 4 по 1924. Последние десять лет жизни ваятель провел в Париже, снискав успех как у друзей-профессионалов, так и у коллекционеров и любителей. Умер он в Реусе (на родине Гауди) от пневмонии. Посмертные выставки Гаргальо состоялись в 1935 в Мадриде, Париже (1935, 1947), на Венецианской биеннале (1950).

Странное повторение представленной работы (неизвестного автора) установлено на территории парка, окружающего главный корпус Московского инженерно-физического института.

Полное имя скульптора, художника, графика, сценографа, автора представленной работы — Альберто Санчес Перес, однако в истории искусства он нередко фигурирует просто Альберто. Мастер известен не только в Испании, но и в России. В 1937, за год до отъезда в Советский Союз, у входа в павильон страны на Всемирной выставке в Париже (той самой, где впервые была показана «Герника» Пикассо) была установлена работа Санчеса «У испанского народа есть путь, ведущий к звезде», в которой главным выразительным средством являлась вертикаль. Она доминирует и в этой небольшой скульптуре (ее авторское повторение высится у входа в Центр искусств королевы Софии).

В Россию Санчес был послан республиканским правительством как учитель рисования для испанских детей, которым стал заботливым другом. И в представленном изваянии, несмотря на обобщенность и отвлеченность его обтекаемой формы, ощущается нежное отношение к ребенку, хрупкой маленькой веточке-побегу, так жизнелюбиво возвышающемуся на руке у матери. Твердый материал под рукой мастера оказывается пластичным, когда речь идет об образе, воплощающем сокровенное устремление к объятию, поддержке и надежде.

Хулио Гонсалес родился в Барселоне в семье литейщика, вместе с братом Жоаном помогал отцу в мастерской, поэтому работа «в материале» была ему знакома с ранних лет. Вечерами молодые люди занимались в Школе изящных искусств. Хулио очень рано начал публично демонстрировать свои работы, и в родном городе, и на Всемирной выставке в Чикаго (1893). Унаследовав дело после смерти отца, Гонсалес продал его и с братом и сестрами в 1900 переехал во французскую столицу.

В 1928 он изучил методы автогенной сварки, новаторской для того времени, стал применять их затем в создании скульптурных произведений. Тогда же, в 1928–1932, творец начал сотрудничать с земляком Пабло Пикассо, тот серьезно занялся скульптурой, помогая ему в технике сварки. В произведениях Гонсалеса же совершенно явственно обнаруживается влияние пластических находок кубизма, «изобретателем» которого был Пикассо.

Образы античности в искусстве XX века подверглись значительным метаморфозам. И если сюжет древнегреческого мифа, изложенный Овидием в его «Метаморфозах» в страстных поэтических строках, о превращении целомудренной нимфы Дафны, которую преследует пораженный Эросом Аполлон, в лавровое дерево раньше трактовался художниками и скульпторами чрезвычайно чувственно, красочно и динамично, то кубист Гонсалес оставил лишь намек на трогательную и горячую мольбу дочери Земли-Геи и речного бога Пенея о спасении от насилия.

Пикассо и Гонсалес были первыми, кто стал использовать железо в качестве конструктивного материала скульптуры. В 1955 в Кунстхалле в городе Берне Арнольд Рёдлингер организовал выставку, названную «Железная пластика», на которой впервые столь широко были продемонстрированы возможности нового для ваяния материала. Работы испанца, а точнее, басконца, Эдуардо Чильиды тотчас же привлекли к себе внимание. И в 1958 скульптор представлял свою страну на Венецианской биеннале.

Художник учился в Мадриде в Высшей школе архитектуры. В молодости он успешно играл в футбол за команду «Реал», но оставил спорт из-за травмы. Тогда же Чильида увлекся скульптурой, передавая в абстрактных формах различные состояния и понятия. При этом он использовал не только железо, но и другие металлы, а также камень, глину, гипс, дерево. В Париже, где жил и работал с 1948 по 1951, мастер внимательно присматривался к творчеству своих современников, а также к архаическому искусству. И если его первые работы еще были отражением видимого мира, то затем автор перешел к абстракции, впрочем, не принимая этот термин и называя себя реалистом.

В представленной работе Чильида полностью отказался от узнаваемой фигуративности, следуя так называемой концепции неоднозначности мира, ускользающего от точных определений, однако сохранил структурный порядок, воплощающий понятия движения, взаимодействия, энергии.

В Стране Басков, в девяти километрах от родного города мастера Сан-Себастьяна, открыт музей, посвященный его творчеству. Ваятель не раз удостаивался различных премий и наград, в том числе в 1986 Ордена принца Астурийского, а в 1 991 Императорской премии Японии.

Джакомо Манцони (таково подлинное имя замечательного скульптора) родился на самом севере Италии, в Бергамо, в семье башмачника. Словарные статьи характеризуют его искусство как вобравшее в себя черты утонченного пластицизма Возрождения, гротеска и натурализма. Такое непростое сочетание подразумевает высокий профессионализм, которого Манцу достиг в основном самостоятельными занятиями — скульптурой он увлекался с ранних лет. Первыми моделями были для него десять братьев и сестер, он рисовал и лепил их неустанно. В 11 лет мальчику пришлось оставить школу и начать работать, чтобы помогать семье. Вплотную к художественной профессии он подошел в армии. Во время солдатской службы в Вероне молодому человеку удавалось посещать местную Академию, он с удовольствием выполнял штудии с антиков.

Талант Манцу считался универсальным: будучи другом папы римского Иоанна XXIII, он делал рельефы «Врат смерти» для собора Святого Петра в Ватикане, а как коммунист был привечаем и обласкан в Советском Союзе, в 1966 даже удостоился Международной Ленинской премии «За укрепление мира между народами».

Трагический мир, воплотившийся в монументальных религиозных композициях Манцу, естественно сопрягался в его творчестве с лирической, камерной струей, что так определенно «считывается» и в представленной скульптуре. В подобных произведениях Манцу — на грани гротеска, обладая загадочным умением передавать в пластике состояние подвижности человеческой души. И здесь статика положения девушки, сидящей на стуле, готова взорваться от той внутренней энергии, которую художник подсмотрел в этом на мгновение расслабленном юном теле.

Став эмигрантом и апатридом в Советском Союзе, Альберто Санчес сотрудничал с московскими театрами, готовил декорации для кинофильма «Дон Кихот» Г. Козинцева, создавая близкую ему Ла-Манчу на просторах Украины. Но еще в Испании, зарекомендовав себя авангардным мастером, он сотрудничал с театром Федерико Гарсия Лорки, делал декорации для его передвижного театра «Ла Барака».

Художники XX века часто воплощали образы античности, находясь под аурой архаики. В работе «Минерва Анд» (речь идет о горной цепи Кордильер в Южной Америке) словно само обращение к доколумбовой цивилизации индейцев продиктовало скульптору формальные особенности пластики могущественной богини мудрости, совместившей в себе тотемические животные признаки и грозную воинственность фидиевской Афины Паллады, чье копье своим блеском служило маяком мореходам.

Родился Альберто Санчес в Толедо (в многодетной семье пекаря и служанки), а похоронен на Введенском кладбище в Москве. В 1907 его семья переехала в Мадрид, после службы в армии (1917–1919) молодой человек посвятил себя искусству. Покоренный творчеством уругвайца Рафаэля Переса Баррадеса (он и на юного Дали произвел неизгладимое впечатление), его так называемым вибрационизмом, а самое главное, рассказами о художественных революциях, творящихся во Франции и Италии, под их влиянием и была создана названная манера, Альберто подчинил свои опыты конструктивному мышлению кубизма. Вместе с Бенхамином Паленсиа он возглавил школу Вальекас. Годы, предшествовавшие гражданской войне, стали временем, когда стиль скульптора, совместивший кубистические тенденции с сюрреалистическими, сформировался.

В 2010 на одном из холмов на окраине Мадрида установили скульптуру Санчеса, которую тотчас же окрестили «Памятник птицам». Сам ваятель, создавая ее в России, желал, чтобы статуя стала раем для птиц. Первоначальный вариант, сделанный еще в Испании, не сохранился. Образ устремленности в высоту, вертикали с обозначенным вектором, целенаправленности ввысь построен в представленной версии через ассоциацию мягко перетекающихся и остроконечных форм.

Антонио Лопес Гарсия родился в провинции Сьюидад Реаль за несколько месяцев до начала гражданской войны. Родители полагали, что он пойдет по их стопам и станет заниматься сельским хозяйством, однако его дядя, местный пейзажист, заметил раннее дарование мальчика и помог ему определиться с выбором будущей профессии. Лопес учился в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо.

В полотнах мастера помещенные в пространстве сюрреалистические объекты сменились магическим реализмом, но вскоре взгляд на реальность в портретах и пейзажах сделался точнее и пристальнее. (Ведь что может быть необычнее «обычного мира»?) Более того, в живописи и скульптуре прозвучали отголоски произведений классиков от Дюрера и Тьеполо до Шардена и Дега. (В 1955 по стипендии правительства Гарсия жил и работал в Италии, изучая великое наследие Ренессанса). Но особенно творец был впечатлен реалистическим гением своих земляков — Веласкеса и Сурбарана. Многие его работы можно назвать гиперреалистическими, как и представленную скульптурную группу, запечатлевшую несовершенные и вовсе не юные фигуры обнаженных мужчины и женщины.

В 1992 фильм «Солнце айвы», в котором был заснят процесс создания Лопесом Гарсия полотна с изображением плодового дерева, был удостоен приза жюри на Каннском фестивале. Мастер не раз получал премии, среди наград последних лет — Премия Веласкеса 2006.

Музей Ван Гога в Амстердаме является крупнейшим в мире собранием произведений великого художника, включающим 200 полотен, 580 рисунков, 4 альбома с эскизами и 750 писем. Кроме того, здесь представлены картины XIX — начала XX веков, купленные или обмененные самим живописцем и его братом Тео Ван Гогом у друзей и современников, а также коллекция японских эстампов. Часть работ была приобретена уже после открытия музея в 1973, однако его ядром по-прежнему остается бесценное наследие мастера, история которого чрезвычайно увлекательна.