Музей Дж. Пола Гетти

Живопись XIX века

Жак Луи Давид — известный французский художник, представитель классицизма и ампира, а также один из родоначальников неоклассицизма. В 1766 он поступил в Королевскую академию живописи в мастерскую Ж. М. Вьена, в период с 1775 по 1780 посещал занятия во Французской академии в Риме, изучал творчество художников эпохи Возрождения, а также античное искусство.

В своих картинах на исторические и античные сюжеты Давид стремился донести до зрителя идеалы, волновавшие Францию эпохи Просвещения, в то время как на его портретах — реальные, не идеализированные современники. И если после революции произведения портретного жанра становятся более детализированными и отличаются высоким мастерством, то работы на мифологические и аллегорические сюжеты делаются холодными и академическими. Часто в них строгий стиль сменяется изысканностью.

В 1818, находясь в Брюсселе, Давид написал полотно «Прощание Телемаха и Эухарис». Сюжет для него он заимствовал из романа Фенолона «Приключения Телемаха», который был опубликован во Франции в 1699. По существу, этот литературный труд расширил историю, рассказанную Гомером в поэме «Одиссей», и стал источником мотивов для художников XVIII — начала XIX века.

Сын Одиссея Телемах страстно влюбился в красивую нимфу Эухарис. Но юноша должен оставить ее и отправиться на поиски отца. На картине Телемах изображен в фас, а его любимая, обнимающая избранника за шею, — в профиль. Левой рукой юноша держит копье, а правую положил на бедро Эухарис, пытаясь успокоить девушку. Рядом с ним — собака, с нетерпением ожидающая команды.

Давид в этом произведении сопоставляет мужское упорство и женскую эмоциональность. Колористическое решение, строящееся на сочетании сложных тонов розового, синего и охры, характерно для исторических картин мастера позднего периода.

Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес — живописец и график, один из первых мастеров эпохи романтизма, выдающийся представитель испанской школы, воплотивший в своем искусстве трагическую судьбу и надежды родного народа, его бесчисленные страдания и нескончаемую жизненную силу. Реальные события служили для художника источником вдохновения. Он не просто изображал окружающую действительность, а выражал в произведениях личное отношение к тому, что происходило в его стране.

Представленное в экспозиции музея полотно «Бой быков» мастер написал в конце творческого пути. В это время ему было интересно экспериментировать с различными методами живописи. Художник очень свободно подходил к нанесению красочного слоя на холст, накладывал его не только кистью, но мастихином, пальцами и даже тряпкой.

Основное действие на картине сосредоточено на первом плане и композиционно смещено в левый угол. Художник противопоставляет людей и животное. Несколько человек отвлекают внимание быка, в то время как уставший от боя пикадор, сидящий на белой израненной лошади, собирает силы для решающего удара. Невдалеке уже лежит другое убитое животное. Гойя показывает негативные аспекты корриды. Темные пятна в сочетании со светлым тоном арены и яркими плащами некоторых участников действа вносят в произведение драматизм и напряжение.

Известный немецкий пейзажист Каспар Давид Фридрих является представителем романтизма. Художественное образование он получил в Копенгагене, а с 1798 работал в Дрездене.

На своих полотнах Фридрих изображал виды Южной Германии, пустынные дюны, поросшие деревьями скалистые горы, побережье и многое другое. Главная интонация — восхищение мощью и бесконечностью природы. Меланхолически отрешенные пейзажи мастера отличаются четким построением композиции, строгостью рисунка, тонким колоритом, светотеневыми эффектами.

С 1830-х в произведениях художника все чаще звучат нотки грусти и одиночества, нередко они перерастают в ощущение тоски — это можно отметить в полотне «Прогулка в сумерках». Опустив голову, пожилой мужчина идет мимо древних захоронений. Его окружает осенний пейзаж, окутанный сумрачным светом луны. Герой погружен в свои мысли, поэтому не обращает внимания на то, что день закончился и скоро наступит ночь. Голые деревья, словно призраки, сопровождают мужчину в его прогулке. Атмосфера картины полна романтической таинственности, меланхоличности. Колорит, аскетичный пейзаж, место действия, немолодой возраст изображенного говорят о некоторой неудовлетворенности героя, думах о бытие и смерти, обновлении и увядании.

Жан Франсуа Милле — известный французский живописец и график, представитель реализма. Он занимался в Париже у П. Делароша, помимо этого изучал полотна старых мастеров, находившиеся в Лувре. Милле писал портреты, небольшие жанровые сценки, но его подлинный талант раскрылся в картинах, посвященных сельскому быту. В деревне Барбизон в колонии художников он жил и работал с 1848 до конца своих дней.

Данное полотно было выставлено на Салоне в 1863 и вызвало множество споров. Милле так писал о нем: «„Человек с мотыгой“ принесет мне критику многих людей, которые не любят, когда их занимают делами не их круга, когда их беспокоят». Герой картины, простой крестьянин, отдыхая, облокотился на мотыгу. На дальнем плане, в поле, женщина сжигает старую траву. Главной целью Милле было показать человека в сфере его трудовой деятельности. Он создает целостный образ мужчины, занимающегося сельским хозяйством. Утомленный тяжелой работой крестьянин написан с большой выразительностью: лицо лишено детализации, в нем нет индивидуальности, а фигура, словно гора, незыблемо стоит на возделываемой земле. Критика охарактеризовала автора полотна как человека «более опасного, чем Курбе».

Один из крупнейших французских художников XIX века, Гюстав Курбе был ключевой фигурой в развитии реализма. Помимо живописи он известен графикой и скульптурой. Образование Курбе получил в парижской Академии Сюиса, в Лувре он изучал полотна старых мастеров и Ф. Сурбарана. Художник работал во многих жанрах, писал пейзажи, портреты, жанровые композиции и натюрморты.

В 1847 Курбе посетил Голландию и был поражен искусством ее творцов, особенно ему понравилось, как они писали цветы. Во время своего пребывания на западе Франции Курбе создал около двадцати цветочных натюрмортов. Поселившись у Этьена Бодри, он с увлечением занялся изучением цветов в садах и оранжереях друга.

На полотне «Букет цветов в вазе» мастер изобразил растения, цветущие в разное время года, среди них — лилии, розы, гладиолусы, астры и маки. Подобным приемом пользовались голландские художники, которые с помощью ряда средств стремились воплотить аллегорию бренности жизни, ее скоротечности. В отличие от своих коллег Курбе на стал прибегать к точной детализации, а написал растения широкими пастозными мазками, использовал мастихин.

Клод Моне — французский живописец, один из выдающихся представителей импрессионизма. В подростковом возрасте он был известен среди жителей Гавра как карикатурист. Там же молодой человек познакомился с пейзажистом Эженом Буденом и воспринял от него идею создания произведений на открытом воздухе. В 1859 Моне поступил в парижскую Академию Сюиса, а в 1862 — в мастерскую Ш. Глейра. Именно обучаясь у последнего, он познакомился с О. Ренуаром, Ф. Базилем, А. Сислеем, которые впоследствии стали его друзьями и сподвижниками.

Художник любил писать жанровые сценки, пейзажи, пронизанные солнцем, реже создавал портреты и натюрморты. Данное полотно он исполнил в Бурже во время путешествия по Сене. Несмотря на то что оно родилось в мастерской, в нем видны эксперименты, которые Моне активно вел в пленэрной живописи.

Выстраивая композицию, он отказался от традиций, принятых в реалистическом искусстве, и смело обрезал плетеную корзинку с грушами, цветы, стоящие в вазе, фрукты и гроздья винограда, кучками разложенные на столе. Благодаря этому кадрированию художник внес в работу элемент случайности. Все представленное в натюрморте он написал по-разному: широкими мазками — скатерть, отрывочными — яблоки, маленькими — лепестки. Цвета и рефлексы, взаимодействие света и цвета — эти живописные инновации, использованные здесь Моне, в будущем лягут в основу техники импрессионистов.

В 1892 Моне приступил к созданию серии полотен, посвященных Руанскому собору. В нее вошло около 50 картин, изображающих его готический фасад в разное время суток: с раннего утра до позднего вечера. Солнечный свет, озаряющий здание, творит с ним удивительные метаморфозы. Архитектура визуально растворяется в свете и становится эфемерной. Главная задача художника — демонстрация зрителям постоянства и изменчивости. Чтобы выполнить эту задачу, Моне организовал себе импровизированную студию напротив Руанского собора в передней комнате мастерской портнихи. Это дало ему возможность писать серию в любое время и погоду.

Из всех созданных картин художник выбрал около двадцати, которые счел наиболее интересными и законченными, для выставки в 1895. В их число вошло и полотно, представленное в экспозиции Музея Гетти. Серия была очень хорошо принята публикой и имела коммерческий успех.

Пьер Огюст Ренуар — французский живописец, график и скульптор, один из лидеров группы импрессионистов, начавший рисовать с ранних лет. Общение с А. Сислеем, Ф. Базилем и К. Моне привело его к выработке собственного стиля. Главным героем картин художника всегда был человек. Несмотря на работу на пленэре, он никогда не растворял материальные объекты в мерцающих светотеневых отношениях. Это можно увидеть и в данном полотне.

На картине изображена пара парижан, прогуливающихся в саду. Кавалер держит свою даму за руку и жестом приглашает ее пройти по тропинке. Сюжет близок произведениям французских мастеров XVIII века — Жана Антуана Ватто и Жан-Оноре Фрагонара, чьи работы Ренуар изучал в Лувре. Но в отличие от предшественников он, выстраивая композицию, придает ей черты случайности. Фигуры героев погружены в тень деревьев и кустарников. Солнечные лучи светлыми бликами ложатся на платье женщины, костюм ее спутника, тропинку, привнося в полотно легкость и свежесть, живое движение.

Гюстав Моро — выдающийся французский живописец, представитель символизма. Его полотна на библейские и мифологические сюжеты оказали большое влияние на мастеров XX века. Нередко в картинах Моро появляются необычные образы, навеянные восточными сказаниями или античными легендами. В экспозиции музея находится прекрасный образец его творчества.

Деянира в греческой мифологии является женой Геракла и матерью их детей. Вместе с мужем она много путешествовала. Однажды они пришли к реке Эвен и встретили кентавра Несса. Он предложил перевести женщину на своей спине. Геракл же отправился вплавь и, когда вышел на берег, услышал крик возлюбленной — Несс пытался похитить ее. Сын Зевса смертельно ранил кентавра и освободил Деяниру.

На полотне Несс бережно держит женщину в руках. Ее изящный образ противопоставляется его мощной фигуре. Вместе они напоминают танцоров, застывших в сложном па. Фоном служит таинственный пейзаж с высокими деревьями и скалами, решенный в охристо-золотистых тонах. Моро попытался изобразить гармонию, которая может существовать между миром природы в определенное время года и человеком в определенную фазу жизни. Поэтому картина имеет второе название «Осень».

Живописец, скульптор, график и теоретик искусства Фернан Кнопф является ярчайшим представителем бельгийского символизма. Он изучал юриспруденцию, но позднее перевелся в брюссельскую Академию художеств, где занимался в мастерской Ксавьера Меллери. В 1878 на Всемирной выставке в Париже Кнопф познакомился с Гюставом Моро и впоследствии обратился к символизму. Он создавал довольно реалистические картины, образы в которых трансформируются в символистичные знаки.

В 1880 мастер стал популярным портретистом. На данном полотне изображена дочь бельгийского скрипача и композитора Луи Кефера, который был другом художника. Жанна стоит на крыльце перед закрытой дверью. Одну руку она заложила за борт пальто, другую опустила. В позе ребенка читается неопределенность, некоторое противостояние миру. Ощущение усиливается сопоставлением масштабов роста девочки и размера дверей. Жанна с любопытством смотрит на зрителя, словно решаясь сделать шаг вперед. В отличие от большинства работ Кнопфа колорит этой построен в холодной серебристой гамме.

Одним из выдающихся представителей импрессионизма был французский живописец, график и скульптор Эдгар Дега. Уже в раннем детстве он решил стать художником. Эдгару, родившемуся в состоятельной семье, не приходилось заботиться о зарабатывании денег, он мог полностью посвятить себя искусству. Мастер писал портреты, исторические (ранний период) и жанровые картины. Его творчество отличается большим многообразием тем. Дега любил изображать лошадей и скачки, красивых женщин: модисток, прачек, купальщиц и особенно балерин.

Личность позировавшей для данной картины неизвестна. Молодая особа устало держит голову левой рукой, правая безвольно опущена. Ее поза неоднозначна, взгляд кажется безжизненным. Но в холсте ничего не указывает на причину ее недуга. Художник передает сложное эмоциональное состояние своей героини. Эта работа довольно сильно отличается от других произведений Дега, изображающих женщин.

Французский живописец Адольф Вильям Бугро является крупнейшим представителем салонного академизма. Он учился в парижской Школе изящных искусств, совершенствовал мастерство в Риме. Художник создавал полотна на исторические, религиозные, мифологические и аллегорические сюжеты. Он не только тщательно продумывал все свои картины, но и кропотливо прописывал их детали. Бугро ежегодно выставлялся на парижских Салонах.

В данном произведении полуобнаженная девушка сидит на невысоком постаменте. Она, улыбаясь, отталкивает от себя златокудрого малыша с белоснежными крыльями за спиной. Одной рукой Купидон держится за деву, чтобы не упасть, а другой пытается пронзить ее стрелой. Фоном для этой сцены служит пейзаж идиллической Аркадии.

Представленное в экспозиции Музея Гетти полотно является одной из авторских копий, сделанных художником с картины, экспонировавшейся на Салоне в 1880.

Голландский художник Винсент Ван Гог — один из крупнейших представителей постимпрессионизма. Заниматься искусством он стал довольно поздно. Ван Гог учился в Брюсселе и Антверпене, но истинное мастерство, по его же словам, пришло с помощью «непрестанного изучения натуры и сражения с ней». В Париже творец знакомился с произведениями импрессионистов, изучал теорию цвета Э. Делакруа, увлекался японской гравюрой и живописью Монтичелли.

Наследие художника очень обширно. Он писал портреты, пейзажи, натюрморты, жанровые и религиозные композиции. В них Ван Гог стремился представить зрителю сущность изображаемых предметов и явлений, а также передать связанные с ними переживания. Напряженная работа, ряд разочарований, приведших к краху его надежд, обострили психическое заболевание. В мае 1889 художник попал в лечебницу для душевнобольных в Арле, через некоторое время его перевели в Сен-Реми. Здесь в течение последнего года жизни он создал около ста тридцати картин.

Полотно «Ирисы» написано с натуры в саду больницы. В нем заметно влияние искусства японской гравюры, оно читается в подчеркнутых контурах, необычных ракурсах, способах детализации.

Брат художника Тео выставил это произведение на Салоне Независимых в сентябре 1889. Его первым владельцем стал французский искусствовед Октав Мирбо, заплативший за картину триста франков. Ныне «Ирисы» считаются одним из самых дорогих полотен Ван Гога.

Эдвард Мунк — живописец, график, театральный художник и теоретик искусства — является, пожалуй, самым известным норвежским мастером. Его творчество слишком субъективно, чтобы отнести его к кому-то одному направлению. Произведения Мунка преисполнены мотивами смерти, болезни и одиночества. В какой-то степени живописец повторил судьбу своих героев. Оказавшись в лечебнице для душевнобольных, он познакомился с психиатром доктором Линде. С их дружбы началась история арт-терапии — исцеления искусством.

С 1880 в летние месяцы художник часто отдыхал на небольшом курорте Осгордстранда, расположенном к югу от Осло. Мунк был поражен красотой и необычностью этого места, таинством, которое наступает при заходе солнца, и отобразил свои эмоции на полотне. Мистический и меланхолический синий цвет, главенствующий в этом пейзаже, передает предчувствия и переживания мастера. Извилистой плавной линией он намечает берег, переходящий в массу темных деревьев. Белесый забор по диагонали выступает на первый план. На его фоне можно заметить неясные тени. На небе сверкают звезды, отражаясь в водах Осло-фьорда.

Лоуренс Альма-Тадема, английский художник нидерландского происхождения, — один из самых высокооплачиваемых и известных в Викторианскую эпоху. Он писал полотна на мифологические и исторические сюжеты. В 1872 Альма-Тадема совершил продолжительную поездку по Европе, много времени провел на раскопках в Помпеях. В 1899 живописец был удостоен рыцарского звания.

Произведения Альма-Тадемы пользовались успехом у публики. Известно, что, когда в Голливуде принимали решение снимать картины на темы Древнего Рима и Египта, режиссеры изучали полотна этого художника. Так, например, некоторые сцены из фильма «Клеопатра» (1934) навеяны его работой «Весна», ныне находящейся в Музее Гетти.

Процессия из женщин и детей с корзинами цветов под аккомпанемент флейты, бубнов и свирели двигается по узкой улице Древнего Рима. Зрители, наблюдающие с балюстрад, аплодируют идущим. С большим мастерством Альма-Тадема передает атмосферу времени — через одежду героев, архитектурные детали, скульптуру и рельефы.

Джон Уильям Годвард — английский живописец, начавший обучаться искусству довольно рано. В период с 1879 по 1881 он посещал занятия в классе архитектора, живописца и скульптора У. X. Вонтнера в Уимблдоне, затем — в Клэпхэмской школе искусств. С 1887 и по 1905 он регулярно выставлял свои полотна, но близкие не приняли его выбора и порвали с ним.

В 1912 Годвард покинул Англию, переехал в Рим, но в 1919 вернулся на родину. Художник пользовался поддержкой Лоуренса Альма-Тадемы, однако критика была настроена против его работ. Из-за травли рецензентов в возрасте 61 года Годвард покончил с собой, оставив записку с фразой: «Мир слишком тесен для меня и Пикассо».

На большинстве сохранившихся полотен изображены красивые женщины в восхитительных интерьерах или ландшафтах. Годвард изучал археологию, собирал артефакты, нередко запечатлевал их на своих картинах. Он очень любил писать шкуры животных, полевые цветы и мрамор.

В представленной работе «Шалость и Покой» молодая рыжеволосая девушка лежит на тигровой шкуре, постеленной поверх мраморного парапета. Фон полотна — отделанный разными сортами мрамора интерьер. Сидящая рядом красавица щекочет спящую. Обе одеты в полупрозрачные платья, стилизованные под хитоны, которые носили женщины в Древней Греции.

Поль Сезанн — выдающийся французский живописец-постимпрессионист, чьи эксперименты с формой и цветом оказали огромное влияние на развитие искусства XX столетия.

На данном полотне изображена молодая женщина, сидящая у стола, покрытого красивой узорчатой тканью. Опустив голову на согнутую в локте руку, она устало смотрит в сторону. В этой простой позе читаются некоторая заостренность и напряженность. Контраст белой рубашки, желтого платка и яркой ткани с темной юбкой и нейтральным фоном позволяет художнику передать атмосферу грусти.

Сезанн написал произведение крупными широкими мазками и, словно скульптор, вылепил лицо своей героини. Мастер не оставляет даже малейшего сомнения в физическом присутствии девушки в условном интерьере.