Загорский историко-художественный музей-заповедник

РУССКАЯ ЖИВОПИСЬ.
ГРАФИКА И ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО XVIII - НАЧАЛА XX ВЕКА

Экспозиция отдела русского искусства XVIII - начала XX века размещена в бывших покоях наместника монастыря. В отделе экспонируется много замечательных изделий русских серебряников, мастеров фарфора и хрусталя, уникальные коллекции жемчужного шитья и дворцовой мебели.

Здесь можно познакомиться с произведениями выдающихся русских художников И. Никитина и А. Антропова, гравюрами братьев Зубовых, Г. Скородумова, акварелями Ф. Кампорези, работами советских художников - К. Юона, В. Фаворского и В. Соколова.

Переломным этапом в истории русской культуры явился XVIII век. Наступивший расцвет искусства этого времени был связан с новшествами, происшедшими в жизни русского общества и нашедшими свое выражение в реформах Петра I.

Большая часть коллекции музея - произведения бытового назначения. Новый уклад жизни русского общества, сложившийся в годы правления Петра, сказался и на быте троицкого духовенства, в который проникают светские тенденции.

Интерьер зала музея. Жемчужное шитье.

Представленные произведения живописи, графика, бытовое серебро, мебель составляли ранее убранство жилых покоев высшего монастырского духовенства. Ввиду того что они экспонируются в бывших наместничьих покоях, это дает возможность воссоздать в экспозиции наряду с показом произведений искусства также и некоторые характерные черты быта высшего духовенства.

Быт высшего духовенства

Ведущее положение Троице-Сергиевой лавры в русской церковной организации, большой вес ее представителей при царском дворе обязывали духовенство при благоустройстве своей жизни почти ни в чем не уступать именитому русскому дворянству и соперничать с ним в устройстве быта. Светский характер убранства жилья, обилие предметов роскоши, богатые загородные резиденции, торжественные выезды становятся в XVIII веке определяющими чертами его жизни. «В хоромах лиц ангельского чина обилие и довольство били полным ключом; мягкая великокняжеская мебель, персидские ковры, роскошные подушки на диванах, шитые шелками и шерстями, на окнах цветущая флора, за столом сладкие и сдобные яства, лучшие вина и после стола отличный десерт. Захотелось настоятелю прогуляться - пара отличных вороных коней в фаэтоне мчит инока в непроглядную даль», - так нарисовал жизнь духовенства XVIII века один из современников.

А. П. Антропов. Портрет Петра III.

По примеру екатерининских вельмож духовенство большое внимание уделяет строительству жилых сооружений и оформлению их интерьеров. Новые здания возводились не только в стенах монастыря, но и за его пределами. В нескольких километрах от лавры в местности Корбуха духовенство лавры построило для себя резиденцию, а московский митрополит Платон - Спасо-Вифанский монастырь, по существу, вторую загородную резиденцию.

В музее экспонируются макет и литографии XIX века, по которым можно получить наглядное представление об этих, к сожалению, не сохранившихся до наших дней постройках.

Интересными экспонатами, иллюстрирующими быт высшего духовенства и русского дворянства, являются кареты XVIII века. Золоченую двухместную карету английской работы московскому митрополиту Платону подарил Павел I во время своего пребывания в «Вифании». Сохранился рассказ о том, как «в торжественные дни митрополит отправлялся на богослужение в золотой карете… запряженной в шесть белых лошадей в шорах; перед ним шли скороходы, сзади вершники, около кареты бежал народ». Большой многоместный дормез и линейка находились в каретном сарае местного помещика графа Орлова-Денисова в селе Шеметове. Подобные кареты были в обиходе и у Гедеона Криновского, и других высших духовных лиц лавры.

Живопись

Произведения изобразительного и прикладного искусства, составлявшие убранство жилых интерьеров лаврского духовенства, были выполнены в основном петербургскими и московскими мастерами и являются интереснейшими образцами.

Русская культура XVIII века, отвечая новым запросам и вырвавшись из-под опеки церкви, переживает период бурного расцвета, подготовленного всем ходом развития отечественной культуры предыдущих эпох. Основные реалистические завоевания изобразительного искусства сказались в живописи, главным образом в живописном Портрете.

Одним из выдающихся русских художников, заложивших основы реалистического портрета, был Иван Максимович Никитин (1690 - 1740), талант которого по справедливости был оценен в свое время Петром I, пославшим художника учиться за границу. Из работ Никитина в музее представлен портрет Прасковьи Федоровны, жены брата Петра I Ивана Алексеевича. Портрет является, по-видимому, одним из ранних в творчестве художника. В некоторой статичности фигуры, в плоскостности форм, в еще довольно темном колорите чувствуются отголоски парсунного письма конца XVII века. Однако талант Никитина проявляется не только в правдивой передаче внешнего облика человека, но и в выявлении его внутреннего содержания. В грузной, тяжеловесной фигуре Прасковьи Федоровны, как бы втиснутой в рамки картины, в холодном выражении голубых глаз, в упрямо сжатых губах чувствуется натура властолюбивая и деспотичная.

Творчество другого известного русского портретиста XVIII века - Алексея Петровича Антропова (1716 - 1795) развивалось в эпоху, когда на смену глубоко реалистическому портрету времен Петра приходит искусство, призванное прославлять и утверждать высокое социальное положение заказчика, свидетельствовать о его могуществе и богатстве, быть своего рода живописной «похвальной одой». В станковой живописи наиболее соответствовал этим требованиям парадный портрет, обязывающий художника к предвзятой точке зрения на модель. Но у Антропова условности парадного портрета не мешали главному - реалистичности образа, и в этом он был продолжателем лучших традиций русской живописи.

Его полнокровное искусство питали истоки национальной культуры.

Портрет Петра III был написан Антроповым в Москве в 1762 году в связи с коронационными торжествами. По правилам парадного портрета Петр III представлен на фоне роскошного убранства дворцового зала, рядом на бархатной подушке - царская корона и держава, на кресле - горностаевая мантия.

Нескладная фигура Петра III как бы придвинута к зрителю, но от этого она не становится более внушительной. Духовное и физическое убожество императора передано художником во всей своей очевидности.

Портрет Екатерины II написан Антроповым в Москве в том же 1762 году, одновременно с портретом Петра III. Портрет Елизаветы Петровны представляет собой копию с оригинала, написанного придворным живописцем Л. Каравакком и, по-видимому, также принадлежит кисти Антропова, так как имеет все стилистические особенности, присущие его художественной манере.

Среди иностранцев, работавших в России в XVIII веке, был художник Георг Гроот (1716 - 1749) из Штутгарта, искусство которого пользовалось большим успехом при дворе, но. сколько-нибудь заметного влияния на русскую живопись не оказало.

Портрет Екатерины II написан Гроотом в бытность ее великой княгиней. Будущая императрица была представлена без атрибутов царской власти. Поэтому позднее, после коронации, на портрете были приписаны корона, скипетр и орден Андрея Первозванного. Художник придал облику Екатерины хрупкое изящество и миловидность, но лицо, обращенное к зрителю, лишено индивидуальной психологической характеристики.

Художником В. Эриксеном (1722 - 1782), также работавшим в свое время при царском дворе, написан парадный детский портрет Павла I.

Графика

Черты реализма, свойственные живописному портрету XVIII века, отличали и русскую гравюру, которая в эпоху Петра стала одним из наиболее популярных видов искусства. Имея вначале познавательный, отчасти прикладной характер, гравюра вскоре дает высокохудожественные произведения.

Известными мастерами «грыдорования» XVIII века были братья Алексей и Иван Зубовы - сыновья иконописца Федора Евтихиева Зубова.

Славу Алексею Зубову принесли его изображения Петербурга и петровских морских баталий. Одной из интересных работ художника является также «Брак Петра I», где мастер с документальной достоверностью постарался запечатлеть происходящее. В поле зрения художника весь парадный зал, где происходит торжество: огромные зеркала, висящие на стенах, большие окна, сверкающие люстры, необычные туалеты гостей - то новое, что появляется в эпоху Петра. И вместе с тем изображенное не кажется лишь скрупулезной фиксацией, так как сохраняется простота и непосредственность видения, свойственные народному искусству.

Представленные в экспозиции гравюры Ивана Зубова «Сергий Радонежский» и «Сергий и Никон» более традиционны и по теме, и по манере исполнения. Очевидно, это было обусловлено требованиями церкви - главного заказчика гравюр подобного рода.

Творчество талантливого русского гравера Гавриила Ивановича Скородумова (1755 - 1792) получило в свое время общеевропейское признание. Основоположник целой школы русских граверов-пунктиристов, Скородумов был великолепным мастером портрета, гравировал картины известных художников, писал акварели. В технике пунктирной манеры, которой Скородумов владел в совершенстве, выполнен портрет Константина Павловича, где мастер благодаря пунктиру добивается тончайшей градации светотеневых соотношений и передает нежную припухлость детского лица, пушистые волосы, мягкое кружево жабо, а хрупкая фигурка Константина Павловича кажется окутанной воздухом.

А. П. Антропов. Портрет Екатерины II.

Гравюра «Смерть Потемкина» выполнена Скородумовым по рисунку художника М. Иванова, находившегося при штабе Потемкина в качестве официального хроникера событий. Четко обрисовав человеческие фигуры первого плана, художник большое внимание уделяет природе, выступая перед нами тонким пейзажистом. Весь второй план как бы тает в легкой, воздушной дымке, скрадывающей очертания горы и растворяющей силуэты деревьев. Зритель чувствует все очарование южной природы.

Автор акварелей с видами Москвы - итальянский архитектор Франческо Кампорези (1747 - 1831). Он приехал в Россию вместе со знаменитым зодчим Кваренги. Кампорези строил дома и усадьбы для московской знати, занимался декоративной живописью, в течение некоторого времени работал вместе с выдающимся русским архитектором Ф. Казаковым.

Акварели Кампорези, хранящиеся в музее, украшали вифанские кельи митрополита Платона и, очевидно, были выполнены по его заказу. Они доносят до нас несохранившийся облик Москвы конца XVIII века. Как зодчего Кампорези, естественно, в первую очередь интересовала архитектура, все характерные особенности которой он старался запечатлеть, оживляя пейзаж стаффажными фигурками в русских национальных костюмах. В работах Кампорези замечательны виды Кремля из Замоскворечья с не сохранившимися до наших дней соборами и дворцами, набережная Москвы-реки, в то время еще деревянная. На одной из акварелей показаны Петровский дворец, построенный Казаковым в 1782 году и названный современниками за свою причудливую архитектуру «дневной иллюминацией». Кампорези изобразил также деревянный театр в Лефортове, Тверскую и Владимирскую заставы и много других достопримечательных мест города.

В вифанских кельях находилась и гравюра художника Вальперги с портретом митрополита Платона. Композиция ее не совсем обычна для русских гравюр XVIII века. Небольшой овальный портрет митрополита поддерживают амуры и аллегорические женские фигуры, заимствованные художником с гравированного портрета королевы Елизаветы работы Бернигерота.

Платон выступает здесь в роли покровителя искусств. Но портрет духовного лица выглядит в подобном окружении довольно странно. Однако именно это несоответствие как нельзя лучше характеризует одного из самых значительных представителей троицкого высшего духовенства того времени.

Доверенное лицо Екатерины II, законоучитель наследника престола, друг Потемкина, Платон стремился играть роль просвещенного иерарха, которому не чужды современный светский образ жизни, прогресс науки и искусства, нововведения в быту и церковных обрядах, но всегда оставался при этом верным идеологом самодержавия и ревностным защитником церкви. Например, о предполагавшихся в России изданиях французских энциклопедистов митрополит писал следующее: «сии-то гнусные и юродивые порождения т. н. энциклопедистов следует исторгать как пагубные плевела, возрастающие между добрыми семенами». А светские новшества митрополита нередко не шли дальше барственных затей. В Спасо-Преображенском соборе в «Вифании» вопреки церковным канонам вместо иконостаса он устроил некое подобие евангельской горы Фавор, а выезд митрополита на богослужение по своей импозантности мог соперничать с выездом удельного князя.

Интерьер зала музея. Акварели Кампорези и мебель XVIII века.

В отличие от сравнительно небольшой коллекции изобразительного искусства прикладное представлено значительно шире и полнее.

Старинные техники ювелирного дела, шитье, резьба по дереву и новые виды прикладного искусства в своем поступательном развитии исходили в первую очередь из традиций национальной культуры.

В конце XVII века центром, где работали лучшие русские мастера, была Московская оружейная палата. Представленный в музее деревянный позолоченный двуглавый орел - герб Русского государства - сделан мастером Оружейной палаты Василием Коробовским в 1684 году. Петр I и его брат Иван Алексеевич подарили герб Троице-Сергиевому монастырю. Это своеобразное произведение русского декоративного искусства, единственное в своем роде, находилось раньше в алтаре Успенского собора. Выразительный силуэт орла мастер искусно дополнил декоративными вазами и завитками, создающими красивую пирамидальную композицию, увенчанную царской короной.

Фарфор и хрусталь

Высокий художественный уровень декоративно-прикладного искусства XVIII века обусловил быстрое развитие фарфора. Изделия молодой промышленности вскоре стали успешно конкурировать с западноевропейскими.

Появлению отечественного фарфора предшествовали майолика и фаянс, которые были получены на заводе московского купца А. Гребенщикова, основанном в 1724 году. Представленная в экспозиции фаянсовая миска - один из редких сохранившихся образцов.

В 1744 году в Петербурге открылся императорский фарфоровый завод, а затем ряд частных предприятий, среди которых особенно славились заводы Гарднера, Попова, Кузнецова.

В музее хранятся фарфоровая посуда, статуэтки, часы, чернильницы, декоративные вазы, изготовленные на этих заводах. Их отличают высокие пластические качества, белизна фона, в расцветке преобладают чистые, несмешанные тона.

Мотивами росписей чаще всего были цветочные узоры и жанровые сцены на фоне пейзажа. Примечательны в этом отношении тарелки императорского завода и соусница завода Гарднера.

Иногда фарфоровые заводы получали заказы на изготовление специальных сервизов в честь какого-либо выдающегося события. Такие сервизы украшали эмблемами, гербами, вензелями, монограммами. Когда в 1782 году Екатерина II отмечала 20-летний юбилей своего правления и учредила Владимирский орден, то для приема кавалеров нового ордена Гарднеру был заказан парадный дворцовый сервиз, получивший название Владимирского. Этот же завод впоследствии выполнил Андреевский и Александровский сервизы, отдельные предметы из которых также можно посмотреть в музее.

В XIX веке большую известность получили жанровые статуэтки, а также статуэтки, изображающие народности России, изготовленные на заводе Гарднера.

Как и в фарфоре, потребности в стекле и хрустале в XVIII веке были довольно велики. Для строившихся дворцов, гражданских сооружений, жилых домов были нужны осветительные приборы, люстры, зеркала, смальта и цветное стекло. Хрусталь и стекло были популярны и в повседневном обиходе зажиточной части населения. Вначале модный, но дорогостоящий, горный хрусталь вскоре был заменен более доступным искусственным, нашедшим широкое применение.

Находящиеся в музее хрустальные люстры сделаны во второй половине XVIII века. Легкий металлический каркас, красивый хрустальный убор, состоящий из хрупких страз и пирамидок, небольшое количество светящихся точек придают им вид изящных сооружений, прекрасно дополнявших роскошное убранство интерьера. Хорошо найденной пропорциональностью, красотой и разнообразием форм отличаются и хрустальные сосуды. Их украшают тонко написанные золотом или выгравированные монограммы, вензеля, самые разнообразные узоры, жанровые сцены и портреты.

Жемчужное шитье

Сосуществующее с новыми видами искусства традиционное жемчужное шитье в XVIII веке претерпевает большие изменения, а сфера его применения значительно суживается. В музее оно представлено только облачениями высшего духовенства Троицкой лавры, удивлявшими современников своим великолепием. Англичанка мисс Вильмот, посетившая монастырь в 1806 году, писала, что она видела священнические ризы, на которые было нашито по восемь, десять и даже двенадцать фунтов жемчуга.

Духовенство, как и прежде, получало богатые вклады из царского дома, а также заказывало новые вещи известным столичным мастерам и шло в ногу со временем. Господствующий стиль времени - барокко нашел в жемчужном шитье свое отражение. Оплечье и рукава стихаря, шитого в первой половине XVIII века (вклад Анны Иоанновны), украшены орнаментом, напоминающим узорочье XVII века. Впечатлению несколько тяжеловесной роскоши стихаря немало способствуют драгоценные камни, обильно покрывающие оплечье. Епитрахиль, вложенная Елизаветой Петровной, шита только жемчугом. Тщательно подобранный по размеру, он заполняет значительную поверхность, образуя сильно геометризирован-ный растительный узор. На элегантной фелони Екатерины II в отличие от епитрахили жемчужное шитье очень рельефно, оно приобретает характер почти скульптурной лепки. На оплечье - изящная монограмма «ТСЛ», данная латинскими буквами, что свидетельствует о проникновении светских тенденций даже в освященную веками церковную обрядовую одежду. В светском духе украшен и бархатный саккос митрополита Платона, шитый известной петербургской мастерицей Дарьей Лихновской.

Оплечье фелони с жемчужным шитьем.

Серебряные изделия

Бурный расцвет декоративно-прикладного искусства XVIII века сказался и на серебряном деле, имевшем богатые национальные традиции. В коллекции музея представлены предметы, выполненные в традициях XVII века, и лучшие образцы русского серебра XVIII века. Серебряных изделий начала века сохранилось сравнительно немного, так как страна была вынуждена экономить драгоценные металлы, да и Петр I не поощрял изготовление предметов роскоши.

Это потир, дискос и чарки, украшенные гравировкой. Эта техника художественной обработки металла была широко распространенной наряду с чеканкой. На нее, несомненно, оказала влияние популярная в то время печатная гравюра на меди.

В традициях XVII века выполнен также оклад Евангелия работы мастера Серебряникова и оклад иконы Тихвинской Богоматери, покрытые густым растительным чеканным орнаментом.

К середине XVIII века все возрастающая роскошь быта русского дворянства и высшего духовенства требует вещей, соответствующих богатому убранству интерьера, отличающихся разнообразием форм и декоративной насыщенностью. Появляется также большое количество предметов, ранее не употреблявшихся в быту: всевозможные кофейники, чайники, курильницы и т. д.

Одним из лучших серебряных изделий этого времени может служить блюдо 1768 года работы петербургского мастера К. И. Элерса. Блюдо украшено пышным барочным орнаментом, его прихотливые завитки, выполненные в высоком рельефе, дают богатую светотеневую игру, столь ценимую в эпоху барокко. Сюжетное изображение в центре, напоминающее народный лубок, хорошо увязано с формой и орнаментом блюда. Частичное золочение еще более усиливает впечатление роскоши и нарядности.

В стиле барокко сделана и суповая миска работы мастера П. Воробей. Криволинейная поверхность миски покрыта чеканным орнаментом. Тулово, как бы разбухшее внизу, опирается на три широко расставленные ножки в виде звериных лап, упругий изгиб которых подчеркивает массу и вес всего изделия.

Еще чаще, чем раньше, при украшении изделий из металлов применялась техника расписной эмали.

Кувшин. Мастер К. И. Элерс. 1769 год.

Массивный позолоченный оклад Евангелия 1757 года украшен дробницами с изображением «Троицы», евангелистов и страстей Христовых. Звучные цветовые пятна эмали в сочетании с чеканной поверхностью драгоценного металла дают яркий декоративный эффект.

В отличие от расписной эмали изделия с велико-устюжской эмалью украшались белым или синим фоном, на который накладывались серебряные изображения. Таковы, например, рукомой и блюдо.

В лучших традициях русского ювелирного искусства сделана изящная дарохранительница, напоминающая ларец для хранения драгоценностей. Ее прихотливый декор сочетает в себе тончайшую скань, эмаль, чеканку, литье.

Суповая миска. Мастер П. Воробей. Середина XVIII века.

В излюбленной русскими ювелирами технике скани выполнены оклады икон с изображением Зосимы и Сав-ватия и Дмитрия Ростовского, а также оклад книги, рельефная поверхность которой кажется особенно хрупкой, благодаря ажурному сканому узорочью.

Мастера-серебряники XIX века продолжают традиции русских художников в использовании исконной техники по обработке драгоценных металлов. Кадило, крест и оклад иконы «Богоматерь Смоленская» украшены сканью и зернью в сочетании с фольгой, деревом и гладкой полированной поверхностью металла. Лампада, дискос со звездицей и крест-дароносица покрыты гравировкой с чернением глубокого бархатистого тона.

В XIX веке широко применяли накладной ажурный орнамент, резко контрастирующий с полированной поверхностью предметов, а также высокий рельеф и круглую скульптуру, как, например, в потире 1830 года и в потире старца Рафаила.

В течение всего столетия мастера используют механические приемы обработки серебра, действие кислот, литье. Однако, несмотря на то что технически серебряное дело продолжало совершенствоваться, иногда наблюдалась потеря чувства меры в использовании приемов обработки.

Оклад Евангелия. 1757 год.

Мебель

Коллекция мебели музея относится к XVIII - XIX векам. Наиболее разнообразна по своим стилевым особенностям дворцовая мебель XVIII века, формы и пропорции которой часто были продиктованы той архитектурой, которую она должна была дополнять и украшать.

Табурет начала XVIII века отличается лаконичными, удобными, несколько массивными формами, которые соответствовали практическим требованиям и простому убранству интерьеров Петровской эпохи. Сиденье табурета обито кожей. Широко расставленные ножки в виде могучих звериных лап особенно подчеркивают впечатление устойчивости.

В эпоху барокко для пышного и красочного барочного интерьера была необходима декоративная, нарядная мебель. Простота форм начала века сменилась более прихотливыми очертаниями. Привозимые из-за границы вещи не могли удовлетворить все возрастающий спрос, поэтому в России начали изготовлять свою мебель самых разнообразных видов и форм. Для ее отделки использовали резьбу, позолоту, дорогие ткани.

Кресло середины XVIII века замечательно цельностью и органичностью своей конструкции. Узкие внизу ножки с характерным для барочной мебели изгибом расширяются кверху, постепенно переходя в раму сиденья и высокую спинку кресла. Не менее характерным образцом барочной мебели является и столик-консоль, предназначенный для часов, декоративных ваз и т. д. Столик плотно прикреплялся к стене, обычно под зеркалом, и служил вместе с расположенными на нем предметами дополнительным украшением интерьера.

Прихотливые завитки, картуши, покрывающие подстолье и ножки, подчеркивают не конструкцию столика, а его пластическую массу и создают впечатление, что столик вырезан из одного куска дерева, как единый декоративный узор.

Кресло. Середина XVIII века.

Представленные в музее кресла второй половины XVIII века свидетельствуют о новой смене форм и господстве нового стиля - классицизма. Мебель стала строже, практичнее, больше соразмерна человеку и помещению. В отделке наряду с позолотой все более подчеркивается текстура и цвет древесины. Столик-бобик сделан из наборного дерева нескольких сортов, разная текстура и окраска которых хорошо гармонируют друг с другом.

Весьма интересной и редко встречающейся разновидностью мебели XVIII века является металлическое кресло тульской работы. Оригинальная конструкция с перекрещивающимися ножками, ажурный «травный» орнамент ставят его в ряд лучших произведений прикладного искусства того времени.

В музее представлена мебель XIX века, имевшая широкое бытовое распространение. Ее можно было видеть в городских домах и в помещичьих усадьбах.

Целесообразная по устройству, она была удобна в пользовании, Гладкие полированные плоскости столов и спинок кресел дают возможность показать красивую древесину. Нередко встречалась парадная мебель белого цвета.

Представленные в музее произведения искусства XVIII - XIX веков имеют своеобразную историю и специальный подбор, так как они бытовали за монастырскими стенами. И хотя они не дают исчерпывающего представления об искусстве той эпохи, они - свидетели живой связи поколений и преемственности лучших традиций, свойственных русской национальной культуре более раннего времени - XIV - XVII веков.

Графика начала XX века

Уникальный ансамбль произведений русского искусства, сосредоточенный в лавре, имел и имеет непреходящее значение для творчества многих советских художников. В музее представлены работы В. Фаворского, К. Юона, В. Соколова, испытавших значительное влияние народного гения.

Творчество выдающегося советского гравера Владимира Андреевича Фаворского (1886 - 1964) началось в предреволюционное время. Художник был очевидцем революционных событий. Им посвящен лист «Октябрь 1917 г.». В. Фаворский - один из непревзойденных советских иллюстраторов книги. Добиваясь выражения глубокого смысла, заложенного в произведениях классической русской литературы, художник находит свой образный язык для выражения идеи, стиля и характера произведений. Замечательные по линейной четкости и тональности, филигранной отточенности форм ксилографии Фаворского превращают иллюстрируемую книгу в единый художественный организм.

Образы древних русских городов и их замечательные архитектурные ансамбли - одна из главных тем в разнообразном творческом наследии Константина Федоровича Юона (1875 - 1958). Тонко чувствующий неповторимый национальный колорит, Юон явился создателем произведений, проникнутых любовью к творческому гению русского народа, его богатой культуре и истории. Красочной, яркой, нарядной предстоит в его изображении Троице-Сергиева лавра. Величественный Успенский собор выглядит по-весеннему праздничным и торжественным. Литографии, посвященные Сергиеву посаду, доносят до нас не только архитектурный облик лавры, но и жизнь города, проходящую у ее древних стен.

Имя Владимира Ивановича Соколова (1872 - 1946) пользуется заслуженной известностью. Автор тонких пейзажей, жанровых произведений, замечательно владеющий различной графической и живописной техникой, художник был и мастером прикладного искусства. В. Соколов одним из первых советских художников создал образ Ленина. Теме революции посвящены его работы «В революционное время» и «Митинг в с. Терпигорьевском».

В. Соколов жил и работал в г. Загорске. Виды лавры и живописные уголки Сергиева посада - наиболее часто встречающийся мотив в его произведениях. Поэтический, исполненный глубокого лиризма образ лавры и старинного русского города, воспетый художником, помогает нам глубже понять и полюбить богатое наследие народа.