История скрипичного искусства в трех выпусках - выпуск 1

Истоки русского скрипичного искусства еще недостаточно исследованы, но то, что уже стало достоянием науки, позволяет проследить многовековую богатую историю становления смычкового инструментария и традиций народного исполнительства на смычковых инструментах. Прослеживаются многочисленные связи русского смычкового инструментария и смычковой культуры с достижениями в этой области других народов, в первую очередь польского, болгарского, чешского.

Все это дает основание предполагать, что становление инструментария и исполнительства на смычковых инструментах в России (как и в Польше и других странах Европы) не проходило изолированно, а было одним из важных звеньев в формировании мировой смычковой культуры в широком взаимодействии традиций и достижений разных народов, каждый из которых вносил свою долю в общий процесс.

Церковь с ее культом монодийного пения относилась с неодобрением к игре на различных, в том числе и на смычковых инструментах, считала это «бесовским» занятием. Церковные служащие неоднократно упрекаются митрополитами за игру «в гусли, в домры, в смыки» («Поучение митрополита Даниила», 1530). В «Стоглаве» (1551) игра на смыках и «всякое гудение» осуждается как недостойное действие. Гонение на народных музыкантов, запрещение игры на смычковых инструментах явилось, видимо, одной из причин того, что в церковных фресках сохранилось так мало изображений смычковых (да и всяких иных) инструментов — они позднее уничтожались, поверх них писались другие сюжеты.

Наиболее древним из обнаруженных при раскопках в Новгороде смычковых инструментов, как указывалось в первой главе, был народный смык. Исполнитель на смыке назывался смычником. Этот инструмент был распространен, по-видимому, в X-XIV веках. Несколько позднее в народе широко применяются инструменты под названием скрипель, скрипица (скрыпица), а также прегудница. Затем появляется и гудок. Всё это были народные инструменты, распространенные до XVI, а порой и XVII веков у бродячих музыкантов — смычников, скоморохов, гудцов, гудошников.

Под влиянием социально-культурных условий, профессиональной дифференциации исполнителей и приемов игры, на рубеже XVI века произошло, таким образом, формирование двух различных типов народных трехструнных инструментов — скрипицы и гудка и, соответственно, двух различных типов исполнителей: скрипаля (скрыпотчика) и гудошника. Существовавшее ранее мнение, что гудок является предком скрипки, следует считать исторически неверным.

Гудок оформлялся как инструмент народных музыкантов — скоморохов-профессионалов. Гудок в большей степени, чем скрипель (скрипица), сохранил черты раскопанных в Новгороде древних смыков. Возможно, его непосредственным предшественником был инструмент прегудница, о котором известно только то, что он был распространен при дворе Ивана Грозного.

Гудок имел грушевидный или овально-яйцевидный корпус, плоскую верхнюю деку без талии, порой у него отсутствовали и резонансные отверстия. Головка была отогнутой, снабженной перпендикулярными колками. Настраивался гудок по квинтам, причем нижние струны использовались большей частью как бурдоны. Играли на гудке оперев его о колено (в сидячем положении) или о верхнюю часть груди (при игре стоя). Смычок был коротким и лукообразным.

Применялся гудок (в отличие от скрипки) весьма широко — «в танцах, с пением и самостоятельно» — по отзыву Я. Штелина. Во многих произведениях русского фольклора упоминается игра на гудке, причем нередко встречаются упоминания о его резком и ярком тембре, перемене строя: «Заиграл Вавило во гудочек, А во звончатый да переладец» (русская былина «Вавило и скоморохи»).

Несмотря на гонения церкви и государственной власти, игра на гудке просуществовала вплоть до середине XIX века, когда гудок был полностью вытеснен скрипкой и виолончелью. Сосуществование скрипки и гудка не могло не приводить и к взаимовлияниям. В народной практике порой скрипка держалась «по-гудошному» и играли на ней коротким лукообразным смычком. При этом всегда использовался народный — трехструнный — тип скрипки.

Такие изображения встречаются до середины XIX века. В то же время некоторые народные скрипки приобретают в строении корпуса черты гудка — выдолбленный корпус, эсообразные отверстия и т. д. Но все же скрипка, как инструмент более богатый выразительными возможностями, неизбежно должна была одержать победу над гудком — инструментом в чем-то более архаичным, менее способным к отклику на изменения социальной жизни, смену музыкально-эстетических вкусов и потребностей.

Скрипка, как самостоятельный инструмент, распространяется на западе и юге нашей страны — в Белоруссии, на Украине, в Молдавии, видимо, несколько раньше, чем в центральных областях,— в XV веке. В этом отношении интересно, что на территории современной Молдавии уже в 1500 году в документах называется семейство Скрипко и некоторые местности получают название Скрипкань, Скрипканешты (23, 11—15).

Одно из наиболее ранних дошедших до нас изображений современного типа скрипки относится к 1692 году. Оно находится в Букваре Кариона Истомина. Это уже четырехструнный инструмент, испытавший влияние развитой культуры производства скрипок в Польше и на Украине. Более раннее изображение скрипки существовало на фреске Симеона Ушакова (1672) в Грановитой палате Московского Кремля, но эта фреска не сохранилась.

Нельзя не отметить и бытование в России (видимо, с конца XIII — начала XIV века) различных типов западноевропейских инструментов — типа виол (гамб), на которых играли иностранные, а затем и русские музыканты. Известно, что, начиная с царствования Ивана III, к московскому двору выписывались иностранные музыканты, игравшие на разных струнных инструментах. Изображения виольных инструментов встречаются в миниатюрах многих летописей, псалтырей, изображающих быт царского двора. Многие видные бояре, богатые купцы немецкой слободы, иностранные послы также содержали у себя музыкантов, игравших на инструментах типа виол.

Путь развития скрипичного творчества в России неразрывно связан с народным искусством, которое на Руси не было обособленным художественным явлением, а частью повседневного быта. Пиры и обряды, гулянья, песни и пляски, былинные сказания, свадьбы, фольклор, связанный с трудовыми процессами,— все это оказывало исключительно сильное влияние на формирование национальных черт художественного сознания, вовлекало в той или иной степени все слои народа в творческую деятельность. Исподволь складывались общезначимые традиции исполнения, а также восприятия музыки.

Постепенно начинает выделяться и группа профессиональных музыкантов широкого профиля: сказители былин и скоморохи. Если первые были связаны с такими инструментами, как гусли, кобза, лира, которые употреблялись в основном для сопровождения пения, то вторые использовали главным образом смычковые инструменты для исполнения чисто инструментальной, главным образом танцевальной музыки (есть сведения и об использовании скоморохами щипкового инструмента — домры, а из ударных — бубна; эти инструменты присоединялись к смычковым, составляя небольшой ансамбль (как правило, из трех человек), сопровождавший выступления медведя на ярмарках).

Первые известия о скоморохах относятся к XI веку. В «Житии» Феодосия Печерского они называются «веселые молодцы», «веселые гулящие люди». В былине о Добрыне восхваляется игра «малой скоморошины»: «эдакой игры на свете не слыхано, на белоем игры не видано».

Древнерусские народные праздники, широкое распространение игры на различных инструментах в быту, связь с языческими обрядовыми действами — все это наталкивалось на противодействие церкви, боровшейся с народным «бесовским» искусством. В Киевской Руси инструментальная музыка изгонялась из всех церковных обрядов и ей отводилось место лишь в простонародном быту.

Церковная и светская культуры были в ту пору достаточно строго разграничены, что признавалось и церковной и светской властью. Церковные запреты касались в основном высших церковных служащих, в среде которых продолжало бытовать инструментальное искусство. Так, митрополит Иоанн I (первая четверть XI века) запрещает «иерейскому чину» «нарицание играния и бесовьского пенья и блудного глумления». Митрополит Иоанн II, осуждая вообще «играние и плясание и гудение» (1080), считает, что церковный брак распространяется пока только на феодальную верхушку общества, а простые люди придерживаются еще языческих обычаев и «поймают жены своя с плясанием и гуденьем и плесканьем».

Постепенно происходит процесс разделения скоморохов на «играющих» и «говорящих». Первые образуют слой собственно музыкантов, вторые, эволюционируя, становятся народными поэтами, артистами, закладывают основы народных форм театрального «действа». В «Слове» епископа Евсевия (XIII век) такое разделение уже ощущается. Осуждая «бесовские занятия», он говорит, что в воскресный день на игрищах «обрящеши ту овы гудущи, овы пляшущи, а другья седяще и о друзе клевещуща».

Скоморохи, по многим сведениям, были и странствующими музыкантами, странствующими далеко за пределами своей родины. Отмечено их появление даже в Италии. Несомненно, деятельность их способствовала взаимному творческому обогащению в области культуры. Это касалось традиции как в области музыкального исполнительства, так и в области народного музыкального творчества.

Период относительной независимости народного инструментального искусства от церковной и светской власти продолжался до начала XV века, когда государство и церковь устанавливают над культурой достаточно строгий контроль. Особенно жестким он становится в периоды разгрома народных восстаний, «еретических» движений, в периоды роста и усиления городов и возникновения достаточно развитых «светских» течений, отражающих интересы и устремления верхушки феодального общества, которое стремится к централизации власти и регламентации всех сторон жизни.

Начиная с XVII века, в связи с усилением церковного влияния, а также с постепенным уходом из города фольклора и формированием собственно городской культуры, происходит дальнейшее ограничение народного инструментального исполнительства, вплоть до уничтожения инструментов и физической расправы с музыкантами-скоморохами. В дополнении к «Судебнику» Романовых (1626) законодательно закрепляется гонение на скоморохов: «упорствующих в глумствах» предписывается «за ослушание бить кнутом по торгам». В «Патриаршей грамоте» (1636) осуждаются «сатанинские игры» и прямо запрещается держать в домах музыкальные инструменты, а в случае «ослушания» приказывается их ломать, а виновников строго наказывать.

Высшей точки преследование скоморохов достигло в 1648 году, когда по указу царя Алексея Михайловича скоморошество было разгромлено и запрещено. Указ предусматривал целую систему наказаний тем музыкантам, кто «от такого бесчиния не отстанет»: на «первый и второй случай — бить батоги», кого же трижды ловили «на богомерзком деле», тот ссылался «в украйные города за опалу». Повсеместно уничтожались и народные инструменты.

По воспоминаниям немецкого путешественника А. Олеария, московский патриарх «сперва строго воспретил существование кабацких музыкантов, и инструменты их, какие попадутся на улицах, приказывал тут же разбивать и уничтожать, а потом и вообще запретил русским всякого рода инструментальную музыку, приказав в домах везде отобрать музыкальные инструменты, которые и вывезены были, по такому приказанию, на пяти возах за Москву реку, и там сожжены» (14, 19).

Репрессии затруднили развитие народного смычкового искусства в центральных городах России, но в "украйных городах" куда ссылались скоморохи, и в сельской местности, где влияние церкви было слабее и продолжали бытовать народные обряды, это искусство продолжало развиваться и совершенствоваться, принимая новые формы в связи с изменением социальных и культурных условий.

В то же время, несмотря на официальные гонения на скоморохов, народные музыканты, с начала XVII века, привлекаются к дворцовым службам, пополняют штат царской «Потешной палаты». То, что не разрешалось простому народу, было позволено правящей верхушке общества. Известно, что царь Иван Васильевич Грозный «не любил прегудениц скрыпения». При царе же Михаиле Федоровиче, по сведениям А. Олеария, во время трапезы «играли на арфе и скрипке, потом плясали русскую».

По царскому указу 1626 года за то, что «тешили царя», «скрыпотчикам Богдашке Окатьеву, Ивашке Иванову да Онашке» было выдано вознагражденье в числе прочих «гусельников и домрачеев» (46, 54). Эти сведения позволяют установить, что в царской «Потешной палате» состоял на службе целый ансамбль народных музыкантов.

По примеру царя многие крупные бояре тоже заводят свои домашние ансамбли, обучают игре на инструментах своих дворовых людей. Такие ансамбли имели И. Милославский, В. В. Голицын, А. С. Матвеев и другие. К концу века игра на скрипке окончательно вытесняет из города гудошное искусство и начинает распространяться не только в центральных и южных областях России, но и в Сибири.

К этому периоду трехструнная народная скрипка под влиянием прежде всего западноукраинского и польского скрипичного инструментария приобретает современный вид и строй. В связи с введением многоголосного партесного пения, пришедшего на смену знаменному роспеву с Западной Украины и Польши, видоизменялись и традиционные приемы игры на смычковых инструментах.

Огромное значение для развития музыкального искусства имели сдвиги в общественном развитии России, особенно в связи с реформами Петра I, который стремился ввести новые формы государственной и общественной жизни, отвечавшие потребностям исторического развития и открывшие простор для развития экономической жизни, укрепления национального государства в рамках абсолютной монархии.

Перелом в культурной жизни России был таким крутым, что это дало основание русским просветителям XVIII века придерживаться взгляда на допетровскую Русь как на эпоху «мрака невежества» (Сумароков). Однако реформы Петра, в том числе и в области культуры, не могли быть осуществлены без их многовековой подготовки, усилившегося процесса подъема экономической жизни, формирования национального самосознания. Эти реформы подготовил и XVII век, ознаменовавшийся новым периодом подъема национальной культуры, борьбы с засильем церкви, средневековым мировоззреньем, домостроевским укладом быта.

Ориентировка Петра на передовые западноевропейские тенденции нарождающегося буржуазного общества, сбрасывавшего путы средневековья, стремящегося к раскрепощению культуры и быта, освобождению от церковной зависимости, была плодотворной для России. Обращение к разуму, критической мысли, светскость литературы и искусства, стремление к развитию образования — характерные черты эпохи петровского просвещения. Однако при этом оказались несколько ущемленными самобытные русские культурные традиции, в том числе и в области музыки.

В эпоху Петра наибольшее развитие получают те виды исполнительского искусства на смычковых инструментах, которые были непосредственно связаны с новыми, открытыми формами общественной жизни, быта, в первую очередь быта царского двора, придворной аристократии, реформированной армии. Постепенно к ним присоединяются и разнообразные проявления и формы народного исполнительства.

Торжественные царские церемонии, пышный быт двора, балы и увеселения потребовали реорганизации и музыкальной стороны дела. Создается большой придворный оркестр, в который входят не только иностранные, но и русские музыканты. Например, в 1714 году оркестр состоял из шестнадцати человек — четырех валторнистов, шести трубачей, одного литавриста и девяти «музыкантов» (то есть исполнителей на смычковых инструментах). К ним зачастую присоединялись и военные музыканты.

В списке исполнителей мы встречаем имена шести русских музыкантов, в том числе трех представителей замечательной семьи скрипачей Поморских — Яна, Георгия и Крестьяне. Позднее стали известны также Григорий Михайлович Поморский (род. в 1721) и Николай Григорьевич Поморский (1747—1804), также служившие в придворном оркестре. В этом списке есть и поляк Андрис Шляховский, и немецкие музыканты.

Каждый иностранный исполнитель, приглашаемый на службу в Россию, был обязан по контракту учить на своем инструменте русских солдатских и крепостных детей, а также детей церковных служащих. Так постепенно закладывались основы профессионального обучения игре на скрипке, происходила передача накопленного опыта.

Не только придворные торжества, но и все военные церемонии начинают проходить при обязательном участии музыкантов. Звучит не только духовая музыка, но и смычковая, начинают широко применяться скрипки и виолончели. При реформе армии Петром I в начале XVIII века в каждом полку были организованы собственные оркестры. Их функции были достаточно широки — кроме исполнения походной и сигнальной музыки оркестры играли на парадах, торжественных приемах, церемониях и балах.

Они состояли из гобоистов, валторнистов, флейтистов и барабанщиков и достигали двадцати семи человек. В составе инструментария были, однако, и «скрипицы», и «скрипичный бас именуемый "фиалончель"». По штатному расписанию лейб-гвардейских полков (1731) «и скрипицам и нотным книгам быть надлежит для того, чтобы и напредь сего оные инструменты и книги в полках гвардии имелись, также что габоисты на оных всех инструментах как наилучшие для приключившейся оказии были обучены» (26, 414).

На балах и торжественных приемах военные оркестры всегда играли со смычковыми инструментами. Такая функциональная дифференциация состава оркестра способствовала развитию исполнения на смычковых инструментах. Немецкий путешественник Я. Штелин писал, что у Петра на балах играли «гобоисты его регулярной гвардии, которые, кроме того, были обучены игре на скрипках и контрабасах». Военные оркестры участвовали и в театральных постановках, усиливали придворный оркестр при постановке опер и т. д.

При гарнизонах было широко поставлено обучение игре на инструментах, созданы «школы музыкантов», где происходило обучение «нотной музыке». В эти школы набирались солдатские дети и дети лиц духовного звания, которые брались в рекруты, а также «злыдни боярские». Военные оркестры снабжались лучшими иностранными инструментами, которые выписывались «из-за моря самого доброго мастерства и прочные». За одну скрипку со струнами платили 10 рублей, за виолончель — 20. Предписывалось менять инструменты через каждые пять лет. В крупных городах страны появляются и мастера, занимавшиеся изготовлением и ремонтом различных инструментов.

К началу XVIII века относятся и первые публичные формы концертной жизни — прежде всего в Петербурге и Москве. Музыка начинает звучать не только при дворе, но и в салонах русских аристократов, создававших собственные домашние инструментальные ансамбли. Появляется вкус к камерно-инструментальной музыке. Многие видные сановники начинают сами музицировать на различных инструментах. Среди них, например,— генерал-прокурор П. И. Ягужинский, С. В. Головин, князь М. Я. Черкасский. Прекрасные оркестры имели А. Д. Меншиков, князья Черкасские и т. д.

С 1722 года в Петербурге, по инициативе П. Ягужинского, в доме тайного советника Бассевича стали регулярно проходить выступления оркестра герцога Голштинского, который несколько лет провел в Петербурге вместе со своим двором. Оркестр исполнял произведения Корелли, Телемана, Кайзера и других композиторов. Для высшего круга посещение этих концертов было обязательным. После отъезда герцога его оркестр остался в России и был зачислен в штат русского двора.

С начала XVIII века обучение игре на скрипке широко распространяется не только в военных гарнизонах и светских учреждениях (например, в частных театрах), но даже и в некоторых церковных учреждениях. Так, в Славяно-греколатинской академии был создан свой оркестр, который исполнял «довольно хорошо» инструментальную музыку.

Руководитель академии Феофан Прокопович вообще считал необходимым для развития моральных и умственных качеств учеников приобщать их к игре на музыкальных инструментах. Исполнение инструментальной музыки и пьес с музыкально-инструментальным сопровождением в различных церковных академиях и монастырях свидетельствует о том, что церковь в ту пору уже допускала инструментальную музыку даже в своих стенах, исключая ее лишь из официальной церковной службы.

В результате широкого размаха музыкальной и театральной жизни даже при царском дворе ощущалась острая нехватка квалифицированных музыкантов. Руководителю придворного оркестра Иоганну Гюбнеру пришлось специально ездить в Германию и Италию для набора исполнителей. Императрица Екатерина I приказала, чтобы были приглашены «иностранные музыканты, являющиеся признанными виртуозами».

Среди приглашенных для работы в России музыкантов-исполнителей мы находим имена блестящих итальянских скрипачей — венецианцев Джованни Верокаи, который служил в Петербурге с 1731 по 1738 год, Луиджи Мадониса, прожившего в России свыше тридцати лет и умершего в Петербурге в конце 60-х годов. В России работали также Доменико Далольо, Пьетро Мира, а позднее и Антонио Лолли (служил с 1774 по 1785 год), Феличе Сартори, немецкий скрипач Фердинанд Антон Тиц (Диц), приехавший в Петербург в начале 70-х годов, и другие.

Все эти музыканты участвуют в придворных концертах, которые проходили регулярно два раза в неделю и в которых, как указывает Я. Штелин, исполнялись «итальянские арии, сонаты, концерты и соло». В Петербурге издаются и инструментальные, в том числе скрипичные сочинения этих музыкантов: «Двенадцать разные симфонии ради скрипки и басса» Л. Мадониса, Двенадцать сонат для скрипки с басом Д. Верокаи, Пять сонат и дивертисментов для скрипки и баса А. Лолли, соната для скрипки и квартеты Ф. Тица, произведения Д. Далольо и т. д.

Исполнительское искусство этих скрипачей было на большой высоте. П. Мира и А. Лолли были выдающимися виртуозами своего времени. Л. Мадонис привлекал глубиной исполнения. Ф. Тиц был исполнителем лирического плана и, по словам современников, особенно выразительно играл адажио, звуки его скрипки буквально заставляли слушателей плакать.

В первой половине века в России расцветает деятельность немецкой, а затем и придворной итальянской оперы. Лучшие артисты — цвет итальянской вокальной школы — поют на петербургской оперной сцене. Оркестр возглавляют скрипачи Л. Мадонис и Д. Далольо. С 60-х годов начинает функционировать и французская комическая опера, занявшая прочное место в репертуаре придворного театра. Лишь с начала 70-х годов впервые на оперной сцене появляется русская бытовая комическая опера.

С ростом концертно-театральной жизни обучение музыке становится обязательным элементом дворянского воспитания. Это приводит к развитию домашнего музицирования, преподаванию игры на инструментах в различных дворянских учебных заведениях, частных школах.

На высоком уровне были поставлены такие занятия в Шляхетном корпусе, Академии художеств, Академической гимназии Московского университета. В этой гимназии экзамены классов искусств становились настоящим праздником; исполнялись увертюры, симфонии, концерты для скрипки и флейты с оркестром и т. д.

Прекрасными скрипачами-любителями были академик и сенатор Г. Н. Теплов (автор одного из первых песенных сборников «Между делом бездельем»), крупный помещик П. А. Болотов, которому принадлежал и один из лучших в России частных оркестров; братья Трубецкие составили даже свое домашнее трио. В любительских квартетах играли многие видные аристократы и представители интеллигенции, например И. А. Крылов, граф С. Г. Строганов. Император Петр III учился игре на скрипке у итальянских музыкантов и участвовал в музицировании.

Во многих помещичьих усадьбах появляются собственные инструментальные ансамбли, а порой и оркестры, в которых крепостных обучали игре на инструментах. Главной функцией таких ансамблей было исполнение танцев на балах и «застольной музыки». Крепостные музыканты находились в тяжелом положении, использовались и для других услуг, порой подвергались жестоким наказаниям и могли быть проданы.

В газетах появляется много объявлений о продаже крепостных, умеющих играть на скрипке, а также извещения о побегах крепостных музыкантов. Быстрому возникновению большого числа крепостных оркестров в середине века и их высокому профессиональному уровню безусловно способствовали давние народные традиции игры на смычковых инструментах, широкое распространение скрипки в народе. Народные музыканты привносили в такие оркестры своеобразие трактовки инструмента, искусство варьирования народных мелодий, игры в ансамбле.

Обычно состав крепостных оркестров ограничивался восьмью-девятью музыкантами, что было характерно и для частных инструментальных капелл Западной Европы. К концу века отдельные помещичьи оркестры достигают сорока — пятидесяти человек. Замечательные оркестры имели А. Шереметев, А. Разумовский, А. Воронцов, Н. Юсупов, А. Суворов и другие русские аристократы. Зачастую такой оркестр составлял основу и крепостного театра. Из крепостных оркестров вышло большинство русских виртуозов-скрипачей XVIII—XIX веков.

По неполным данным, на рубеже XIX века в России существовало свыше трехсот крепостных оркестров. Они оказали огромное воздействие на формирование русского национального симфонического стиля, на творчество русских композиторов не только XVIII, но и XIX века — А. Верстовского, А. Алябьева, А. Гурилева, М. Глинки.

К концу века Россия становится притягательным центром для многих иностранных музыкантов. В Петербурге проходит деятельность выдающихся европейских композиторов, служивших при дворе,— Франческо Арайи (с 1735 по 1762), Бальтазаре Галуппи (с 1765 по 1768), Томазо Траэтты (с 1768 по 1775), Джованни Паизиелло (с 1776 по 1784), Джузеппе Сарти (с 1784 по 1802), Доменико Чимарозы (с 1789 по 1791), Иоганна Вильгельма Хесслера (с 1792 по 1822) и других.

С концертами в Петербурге и Москве выступают выдающиеся европейские скрипачи: Федериго Фиорилло (1780), Гаэтано Пуньяни со своим учеником Дж. Б. Виотти (1781), славянский скрипач, ученик А. Лолли И. М. Ярнович (1789—1791 и 1803—1804).

В репертуаре для домашнего музицирования появляются многочисленные ансамблево-инструментальные пьесы. Основу составляют танцевальные пьесы, главным образом полонез и менуэт, а также вариации на темы русских песен, популярных романсов и оперных арий. Многие из них предназначались для излюбленного ансамбля — двух скрипок и смычкового баса (обычный состав «бальной музыки»).

Вариации эти построены в основном на фактурных изменениях, причем мелодические контуры темы всегда легко угадываются. Вместе с тем русские плясовые напевы подвергаются гораздо большим вариационным изменениям, чем протяжные, нередко в них воспроизводятся приемы игры народных музыкантов. Это было связано, несомненно, с традициями народного музицирования.

В этом отношении чрезвычайно интересна одна из первых дошедших до нас скрипичных пьес такого рода — народный танец «Дергунец», помещенный в сборнике «Музыкальные увеселения» (1774) среди пьес «для клавикордов, скрипок, кларнет и других инструментов». Характерны приемы варьирования, применение двойных нот с открытыми струнами.

Широкая популярность жанра народных песен с вариациями была не случайна; «именно в форме вариаций,— по словам Ю. В. Келдыша,— смогли получить наиболее яркое выражение особенности русского национального музыкального мышления. Она естественно и органично сочеталась с приемами развития песенной мелодии, свойственными народной музыкальной практике. Это обстоятельство играло не последнюю роль в особом пристрастии русских композиторов к данной форме» (19, 389).

Жанр вариаций на русские песни использовали в своем творчестве не только русские, но и приезжие иностранные музыканты. Известны такого рода сочинения Хесслера, Тица и других скрипачей.

В конце века осваиваются жанры симфонии на национальные темы, камерной сонаты и крупной танцевальной симфонической пьесы, в особенности полонеза. В творчестве Тица мы встречаем и ранний образец квартетного жанра, использующего мелодии русских народных песен и танцев. Во всех этих жанрах складываются черты русского национального инструментального стиля, его характерные особенности.

До последней трети XVIII века открытые публичные концерты, даже в Петербурге и Москве, не были регулярными. Наиболее часто они устраивались приезжими солистами-иностранцами. Иногда в них участвовали и любители. Порой небольшой цикл концертов проводился «по подписке», а билеты распространялись среди состоятельной верхушки общества.

Лишь с 70-х годов концертная жизнь приобретает определенную регулярность. Регламентируется время проведения публичных концертов. Концертный сезон официально ограничивается семью неделями великого поста, в течение которого были запрещены остальные «зрелища» и закрыты театры.

Складывались и принципы построения концертных программ. Например, французский скрипач Л. Х. Пезибль дал в 1799 году цикл концертов. Первые отделения этого цикла начинались ораториями Перголези, Гассе, Грауна, Йомелли и других. Во втором отделении исполнялись сольные вокальные и инструментальные номера, в которых выступали сам Пезибль, клавесинист И. Пальшау, итальянские и французские певцы. Концерт завершался симфонической увертюрой.

Многие концерты открывались «большой» симфонией или увертюрой, затем шло несколько сольных номеров. Второе отделение порой также начиналось симфонией, а сольные номера заканчивались «заключительной» симфонией, увертюрой или хором. Такие смешанные программы с обязательным участием оркестра, аккомпанировавшего и солистам, длились порой пять-шесть часов. Их можно рассматривать как переходные к типу чистых сольных программ, вошедших в концертную практику лишь в первой четверти XIX века.

Во второй половине XVIII века концертная жизнь значительно активизируется. Возникают и первые музыкальные общества: «Музыкальный клуб» в Петербурге (1772—1777), «Новое музыкальное общество» (1778 — конец 90-х годов). В 1783 году по указу Екатерины II в Петербурге была организована специальная «Дирекция для управления различными зрелищами и музыкой», в введении которой должны были находиться императорские театры и официальные концерты.

При Петербургском оперном театре была создана специальная музыкальная школа для русских учеников с целью «достигнуть во всех мастерствах, по театрам нужных, замены иностранцев своими природными». Большинство учеников обучалось пению и танцам и одновременно игре на различных музыкальных инструментах, в первую очередь на скрипке. Первыми педагогами-скрипачами этой школы стали Н. Г. Поморский, Л. П. Ершов и Ф. А. Тиц.

Развитие скрипичного исполнительства и педагогики потребовало и создания методических руководств. В 1784 году в Петербурге появляется «Скрыпичная школа или наставление играть на скрыпке», подписанная инициалами И. А. По некоторым данным, автором этой первой русской скрипичной школы, возможно, был скрипач Иван Астахов. В предисловии к «Школе» автор писал: «Начинающих обучаться играть на скрипке обретается много; а наставления ради того ни кем ни какого не сделано; то и предлагаю мой опыт истолкования скрыпичной игры» (46, 322).

Весь музыкальный материал «Школы» — и это одно из главных ее достоинств — построен на интонациях и попевках русских песен и танцев, взятых из живой народной музыкальной практики. Автор, учитывая уровень народных музыкантов, хотя и дает вначале написание и название нот вплоть до ре третьей октавы, излагает все примеры только в первой позиции, хотя порой и весьма сложно в фактурном и штриховом отношениях.

Большой интерес представляют подробные указания учащимся, содержащие понятие лада, в том числе и переменного, свойственного народной музыке, а также качества звукоизвлечения. Здесь же разъясняются наиболее употребительные обозначения темпа в связи с образным содержанием. Так, например, Allegro И. Астаховым переводится словом «весело» и расшифровывается: «Когда над штукой написано аллегро, то разумеется играть штуку отважно, восхитительно, живо, как изображать какое пристрастие» (46, 342), другое темповое обозначение — Andante — приобретает буквальный перевод — «ходовито».

Автор обращает основное внимание на развитие музыкального мышления ученика, его умения быстро ориентироваться в музыкальной образности, строе, ансамбле. Поэтому так много внимания уделено развитию навыков транспонирования в различные тональности (вплоть до семи диезов и шести бемолей) как вверх от основной (C-dur), так и вниз. Такое искусство было особенно необходимо при игре в ансамбле и «подлаживании» к другим исполнителям.

В то же время в «Школе» отводится сравнительно немного места чисто техническим моментам. В главе седьмой «О способе держать скрипку» читаем: «Взявши скрыпку в левую руку, положи оную на левое плечо способно, а правою рукою взявши смычок приложи к струне басовой и продолжай трение в одну сторону или в обе стороны равномерно, тем самым будешь производить скрыпичный голос» (46, 324).

Гораздо больше места отводится настройке скрипки, указываются способы проверки настройки, исходящие из естественного положения пальцев на грифе в пределах первой позиции. Весьма интересна глава четвертая — «О качестве и количестве струн», где мы встречаем указание на сходные со скрипкой типы инструментов и отличие их настройки: струн «на скрыпке четыре, и одна другой должны быть тоньше; если же на оной случится их менее или более числом четырех, то уже не скрыпка называется, и настраивать оную уже должно не пятым тоном, но какой нибудь другой инструмент» (46, 324). Здесь мы получаем указание, что только скрипка в ту пору настраивалась по квинтам («пятый тон»), а все другие инструменты (вероятно, в том числе и гудок) имели иную настройку.

Музыкальный материал «Школы» предполагал, видимо, и сопровождение второй скрипки, или скрипки и баса, что было традиционным в то время. Не случайно автор обозначает слово «трио» как «совершенное согласие».

В конце XVIII века начинают проводиться большие циклы тематических концертов, расцветает театральное искусство, где широко используется музыка. О размахе театральной жизни говорит тот факт, что в Москве в 1797 году существовало пятнадцать частных оперных театров, насчитывавших двести двадцать шесть музыкантов и певцов. За период с 1780 по 1820 год в России действовало сто семьдесят три крепостных театра. В столице работали выдающиеся артисты. По словам итальянского исследователя Стефано Артеги, в конце века «по подбору прекраснейших голосов и самых крупных музыкантов... петербургская опера ныне совершеннейшая в Европе».

Бурный рост русского искусства выдвинул и плеяду первых профессиональных композиторов — Е. И. Фомина, В. А. Пашкевича, М. С. Березовского, Д. С. Бортнянского, И. А. Козловского, расцвет деятельности которых приходится на последние десятилетия XVIII века. Их творчество было связано в основном с оперой и хоровым искусством. Но все же инструментальная музыка оставалась в ту пору еще связанной в значительной степени с бытовыми жанрами — русскими песнями и танцами с вариациями, и большие сифонические обобщения не были ей свойственны.

Лишь единственный из ранних русских профессиональных композиторов посвятил себя всецело области инструментальных жанров. Это был выдающийся скрипач и композитор — Иван Евстафьевич Хандошкин, творчество которого занимает особое место в русской музыке XVIII века, а его исполнительская деятельность дает возможность по праву назвать его родоначальником русского профессионального скрипичного искусства.

Скрипичное творчество И. Е. Хандошкина

С именем Хандошкина (1747—1804) связана слава «первого сочинителя и игрока русских песен». В его искусстве впервые слились многовековые народные достижения в области инструментального творчества и передовые европейские инструментальные традиции скрипичного исполнительства. Его творчество было глубоко национально, близко и понятно широкому кругу слушателей. Он оставил блестящие образцы инструментальной трактовки народных песен и танцев, использующие приемы игры народных музыкантов и обобщающие их лучшие достижения, традиции.

Его подход к инструменту, стремление выявить его мелодические свойства, показать его возможности как самостоятельного сольного инструмента, мощного и полнозвучного, богатого тембровыми, колористическими эффектами, ритмически и интонационно гибкого,— все это явилось неоценимым вкладом в сокровищницу не только русского, но и мирового скрипичного искусства, на многие десятилетия определило пути развития скрипичного искусства в России.

Хандошкин был разносторонне развитым музыкантом. Он блестяще владел не только скрипкой, но и балалайкой, гитарой, клавиром, славился как замечательный дирижер и педагог, был одни из первых собирателей русского народного фольклора.; Хандошкин — первый русский скрипач, чье имя получило широкую известность не только в России, но и за рубежом. Его произведения издаются в Амстердаме. Появление Хандошкина было подготовлено высоким уровнем музыкально-исполнительской культуры в России, давними и прочными народными традициями игры на смычковых инструментах.

Несмотря на огромную популярность искусства Хандошкина, биография его осталась незафиксированной, неизвестно и место его рождения, нет ни одного его портрета, почти нет сведений и о его юности, годах учения. Это — свидетельство пренебрежительного отношения к русским музыкантам. Лишь спустя более тридцати лет после смерти замечательного артиста его биографией заинтересовался В. Ф. Одоевский, работавший над своим энциклопедическим лексиконом. Его беглые заметки — важный материал для воссоздания биографии Хандошкина.

Розыски последних лет в архивах прояснили отдельные эпизоды его жизни, вышла в свет работа Г. Фесечко (42), но и до сих пор все же нет полной биографии первого русского скрипача, родоначальника русского скрипичного искусства. А многие сведения, опубликованные в различных исследованиях, приходится признать спорными или неверными.

Отец Хандошкина был родом с Украины. Иван родился в Петербурге, куда приехал служить отец. Дата рождения композитора была установлена на основании записи о его захоронении на Волковом кладбище в Петербурге: «1804 года, 19 марта придворный отставной мумшенок[8] Иван Евстафьев Хандошкин умер 57 лет от паралича» (42, 3). Следовательно, Хандошкин родился в 1747 году.

Отец его был валторнистом и певчим капеллы графа П. Шереметева, хотя по сведениям Одоевского (записанным со слов одного из современников Хандошкина) отец служил придворным музыкантом «литаврщиком при Петре Федоровиче». Сын его с детства играл на балалайке и в совершенстве овладел этим инструментом. Одоевский пишет, что Хандошкин «воспитывался при оркестре. Попал по принуждении». По другим сведениям, своей игрой Хандошкин обратил внимание графа Л. А. Нарышкина — известного любителя музыки, который взял его в свою капеллу, а затем послал учиться в Италию к Тартини.

Документально подтверждено, что Хандошкин обучался на скрипке в оркестре Петра III в Петербурге, где в течение семи лет его учителем был итальянский скрипач, придворный камер-музыкант Батист Тито Порто (служил при дворе с 1743 по 1783 г.). Точных сведений, подтверждающих поездку Хандошкина в Италию, нет, но нет сведений и отвергающих эту версию. Посылка Хандошкина «для усовершенствования» в Италию была вероятна.

В ту пору многие русские музыканты, в том числе и крепостные, обучались за границей. В Италии учились Бортнянский, Березовский, Фомин, Скоков и другие. Русские дипломаты еще со времен Петра I возили с собой крепостных для их обучения игре на инструментах и создания своего ансамбля.

Косвенный намек на такую возможность содержится в записках Одоевского, который указывает на «методу Тартини», которой придерживался Хандошкин, и на то, что он играл «тартиниевским смычком». Действительно, в ту пору в России слава Тартини как выдающегося скрипача современности была исключительно велика. Его ученик Д. Далольо выступал в Петербурге почти на протяжении тридцати лет.

Петр III, любитель-скрипач, собиравший итальянские инструменты, по словам Я. Штелина, «хочет выписать из Падуи в Петербург старика Тартини, к школе которого он причисляет и себя». Вполне вероятно поэтому, что Хандошкин в Италию не ездил, а с традициями Тартини он, несомненно, мог ознакомиться и в России.

Но важно то, что и до поездки в Италию (если она и имела место) Хандошкин был уже ярким, сложившимся музыкантом, с детства воспитанным на народных инструментальных традициях, прекрасным балалаечником и, видимо, достаточно хорошо обученным у Тито Порто скрипачом. Поездка в Италию могла повлиять только на его общее развитие и более глубокое постижение итальянских скрипичных традиций, но не на формирование его самобытного стиля игры.

В пятнадцатилетнем возрасте Хандошкин был принят на службу в Придворный театр, а с 1764 года начинает работать в Придворном оркестре сначала скрипачом, а затем капельмейстером. Он получает 1100 рублей жалования в год, в то время как А. Лолли, выполнявший аналогичные функции, получал 4000 рублей. И здесь сказывалось отношение официальных кругов к национальным артистам.

Одновременно (с 1764 года) Хандошкин становится первым учителем и организатором музыкальных классов «Воспитательного училища» при Академии художеств, где давалось разностороннее образование начинающим художникам и скульпторам. У Хандошкина было двенадцать учеников. Затем он преподает и в скрипичном классе частного оперного театра Книппера, где обучает детей, отобранных из московского «воспитательного дома». Педагогическая работа Хандошкина была весьма успешной. Среди его учеников мы находим имена известных позднее скрипачей: А. И. Боброва, И. В. Колесина, А. И. Соколова, Г. Н. Теплова, П. А. Смирнова.

В начале 80-х годов Хандошкин принимает деятельное участие в качестве репетитора, первого скрипача и дирижера в постановках балетов вместе со знаменитым французским реформатором балета Г. Анджолини. Одновременно он занимает должность камер-музыканта, играет при дворе, дает концерты в театре Книппера, служит первым скрипачом обоих придворных оркестров.

В Амстердаме издаются его сочинения — «Шесть сонатов на две скрыпки», как сообщали «Московские ведомости» (1781, № 104). Вероятно все же, что это были не сонаты, а одно из первых опубликованных сочинений Хандошкина - Шесть российских песен с вариациями для двух скрипок, изданных позднее и в Петербурге.

В 1783 году в Петербурге выходит из печати его сборник «Шесть старинных русских песен для скрипки и алто-виолы». По сведениям Одоевского, Хандошкин был автором и нескольких придворных балетов. О популярности Хандошкина свидетельствует и факт избрания его почетным членом музыкального общества, куда имели доступ только выдающиеся артисты.

Переломным в судьбе Хандошкина был 1785 год, когда князю Г. А. Потемкину, большому любителю музыки, содержавшему собственную инструментальную капеллу, и поклоннику искусства Хандошкина, пришла мысль организовать при Екатеринославском университете «консерваторию для музыки». Потемкин добился от Екатерины II указа об увольнении Хандошкина на пенсию с небольшим придворным чином «мундшенка» и поручил ему сначала руководство университетом, в котором должна была быть создана «консерватория» («Музыкальная академия»). Пенсия Хандошкину была определена в половину жалования, которое он получал. На место Хандошкина в придворный оркестр был назначен русский скрипач А. М. Сыромятников.

До 1790 (а возможно, и до 1791) года Хандошкин занимается делами университета и консерватории. В Италии закупают музыкальные инструменты, Потемкин подписывает контракты с итальянскими преподавателями, в том числе и со скрипачом Лукиано Джоглио.

Неожиданно «директором музыки» при университете назначается Д. Сарти, и тем самым Хандошкин оказывается отстраненным от всех дел, связанных с организацией консерватории. Однако он, видимо, все же успел сделать немало. И, пожалуй, спорным является утверждение И. М. Ямпольского, что Хандошкин «в Екатеринослав не выезжал и к делам "Музыкальной академии" никакого отношения не имел» (46, 82). Еще во время путешествия Екатерины в сопровождении Потемкина в Крым в 1787 году в Кременчуге их встречали университетские оркестр и хор, состоящие из ста восьмидесяти шести певцов и музыкантов.

Имеющиеся данные позволяют утверждать, что Хандошкину все же удалось организовать в первой русской «консерватории» музыкальные классы, обучить музыкантов и создать хороший оркестр, состоящий из двадцати семи инструменталистов, а также хор и роговой оркестр.

Лишь интриги Сарти, смерть Потемкина, а потом и Екатерины привели к свертыванию, а вскоре и к ликвидации всех дел. Огромная работа Хандошкина оказалась напрасной. С 1790 года он вновь в Петербурге, часто выступает при дворе, в домах знати. Его зовут «наш Орфей», поэты посвящают ему стихи. Описание наружности Хандошкина сохранилось в записках Одоевского: «Росту среднего, плотнаго, красивой наружности, глаза большие — парик носил». После смерти Хандошкина его вдове Елизавете, «оставшейся с сыном в бедности», была оставлена половина пенсии мужа.

Выдающийся скрипач своего времени, Хандошкин не только подытожил лучшие достижения русского инструментального искусства, но и проложил новые пути в скрипичном искусстве, уловил тенденции времени в трактовке скрипки как концертного инструмента, во многом предвосхитил достижения Паганини. Недаром про него писали, что он «играл во многом Паганиниевским образом сходственно, играл на одной струне, а также на расстрой для удобнейшего произведения эффектов» (46, 85), то есть применял скордатуру.

Своим виртуозным мастерством он затмевал лучших европейских артистов, служивших в России или приезжавших с концертами. Ему были подвластны и высокие позиции (в том числе и струн Соль и Ре), и двойные ноты, и аккордовая техника, и головокружительные пассажи, а также разнообразнейшая штриховая техника: переброски смычка через струны, staccato и spiccato, мощные ударные штрихи и т. д.

Но не это определяло его лицо артиста. Самым ценным было проявление народной сущности его искусства. Хандошкин выступал Как выразитель дум и чаяний народа, в его руках скрипка повествовала о горестях, о трагедии забитого крепостного человека. И тогда, «слушая Адажио Хандошкина, никто не в силах был удержаться от слез» (46, 86).

Его игра отражала самобытную силу народа, его отвагу и мужество, его скрипка поражала «гениальным порывом» и «удалью молодецкою», когда «при неописуемо смелых скачках и пассажах, какие он с истинно русской удалью исполнял на своей скрипке, так ноги слушателей и слушательниц сами собой начинали невольно подпрыгивать» (46, 86).

«Первое место в исполнении Хандошкина,— по словам русского критика Ю. Арнольда,— бесспорно занимала народность, тот лиризм и та сердечная теплота, которые столь свойственны русской музе» (46, 85—86). От народного искусства исходили и такие черты его стиля, как частое применение скордатуры — типичный прием народного музыканта, дающий возможность расширения диапазона инструмента, усиления его выразительности не выходя за пределы устоявшихся приемов, фактурных «формул», навыков игры.

Насколько блестяще владел этим приемом Хандошкин, свидетельствует случай, приводимый Одоевским, когда во время музицирования у С. С. Яковлева под сопровождение фортепиано «с 5—6 бемолями — схватил расстроенную скрипку и не успев настроить сыграл 16 вариаций в дур и в молль. Расстрой sol (басок), si, re, sol» (46, 356).

Другой чертой его искусства, также коренящейся в народном творчестве, была стихия импровизационности. Эта импровизационность проявлялась не только в замечательном умении непосредственно реализовать на эстраде свой замысел — искусство, в котором, по отзывам современников, Хандошкину не было равного и он мог «импровизировать по целым сонатам», выходя победителем в соревнованиях с любым виртуозом, но и во всем складе его игры, где особенно проявлялась свойственная русской песне свобода ритма и интонационной стороны.

Свобода высказывания, яркая и выпуклая реализация замысла не была связана у Хандошкина только со скрипичной выразительностью. Органичным и естественным для композитора был процесс создания сочинений и для других инструментов — альта, балалайки, семиструнной гитары, фортепиано. Есть сведения, что он играл и на гудке. Эта широта охвата приводила и к использованию приемов одного инструмента на другом, и к поискам единых средств выражения. Не случайно поэтому, что его скрипку порой сравнивали с другими инструментами, звучности которых он мог воссоздавать на ней во время своих импровизаций, в особенности на темы народных песен и танцев.

Это стремление к тембровой характерности, выявлению всех красок инструмента шло у Хандошкина и от игры народных музыкантов, и от восприятия жизни в ее живом красочном движении, контрастном сопоставлении. Он любил бывать на ярмарках и гуляньях, играть на площадях и рынках среди простого народа. Здесь он вслушивался в народный говор, пение, записывал особо полюбившиеся ему напевы.

Не случайно и венцом его искусства явились народные песни с вариациями, исполнявшиеся им не только на скрипке, но и на балалайке, которой он владел также в совершенстве, и «приводил в музыкальный раж своей балалайкой» не только Потемкина и Нарышкина, но и простой народ на ярмарках.

Своим огромным, необычайно выразительным тоном он всегда выделялся в оркестре и, будучи весьма одаренным дирижером, вел за собой других исполнителей. Современники вспоминали об огромном успехе оркестра под управлением Хандошкина, выступавшего в Петербурге.

Хандошкин был и первым русским профессиональным скрипачом, дававшим открытые публичные концерты. Первое дошедшее до нас объявление о его концерте относится к 1780 году. Но, видимо, он стал выступать намного раньше. Он неоднократно играет в театре Книппера, в антрактах представлений, участвует в придворных концертах, выступает в салонах. Формы тогдашних объявлений были своеобразны. Приведем одно из них, помещенное в газете «Санкт-Петербургские ведомости» 10 марта 1780 года: «В четверток 12 числа сего месяца, на здешнем немецком театре будет дан музыкальный концерт, в котором г. Хандошкин играть будет соло на расстроенной скрипице» (то есть используя скордатуру).

Хандошкин — единственный русский композитор XVIII века, разрабатывавший область сольных инструментальных жанров. Его исполнительские и композиторские достижения были неразрывно слиты и обогащали друг друга. С его произведениями в первую очередь связано формирование русского инструментального концертного стиля. В скрипичном творчестве Хандошкина (как и в его исполнительском искусстве) сконденсировались лучшие достижения не только смычкового искусства (в том числе и ансамблевого), но и певческого, и инструментального (гусли, балалайка, гудок, гитара и др.).

Его сочинения — продолжение, претворение и развитие народных традиций: характерности выражения, интонационной чуткости, слитности с инструментом. Он сумел очень тонко претворить в своих произведениях широкую напевную лиричность протяжных русских песен в стихию инструментальности, преломить их сквозь призму скрипичного колорита, сохранив при этом их выразительную образную силу. Нашли плодотворное претворение у Хандошкина и интонации зарождающегося городского фольклора.

Определяющее влияние народного творчества прежде всего сказалось на создании Хандошкиным самобытного русского концертного жанра «Русская песня с вариациями». Оттолкнувшись от бытовавших прототипов он сумел поднять этот жанр до больших обобщений.

Весьма своеобразное преломление нашли народные истоки в его сольных сонатах. Видимо, и его скрипичные концерты, о которых встречаются упоминания, отличались оригинальными чертами, так же как и балеты.

Оригинальность формы, тонкость и разработанность фактуры, ее полнозвучность, импровизационность, богатая фантазия в вариационной разработке материала — все это сделало произведения Хандошкина вершиной скрипичной музыки России XVIII века, они не утеряли своего художественного значения и поныне.

К сожалению, до нас дошло сравнительно немного его сочинений. Более ста «русских песен с вариациями» принадлежали его перу, мы же располагаем в том или ином виде лишь тридцатью образцами. Сохранились лишь три сонаты для скрипки соло, а еще Одоевский указывал на двенадцать сонат Хандошкина, среди них — соната «На смерть Мировича».

Утеряны концерты Хандошкина, балетная и оркестровая музыка, балалаечные, гитарные, фортепианные пьесы. Забыты и педагогические указания замечательного музыканта. Некоторые произведения, опубликованные в последние годы, вызывают сомнение в принадлежности их Хандошкину («Чувствительная ария» и Концерт для альта). Слишком уж отличны они по стилю и характеру образности от творчества замечательного скрипача.

Русские песни с вариациями Хандошкина предназначены как для солирующей скрипки, так и для различных ансамблей — двух скрипок, скрипки и альта, скрипки и баса. Партия первой скрипки изложена виртуозно и изобилует порой сложными элементами скрипичной техники и звукоподражательными моментами. Вторая скрипка, по народным традициям, выполняет не столько аккомпанирующую роль, сколько самостоятельного подголосочного варианта, хотя и гораздо менее сложного, чем первый голос. В то же время и второй голос, и бас используют более плавные формы движения, их диапазон узок, фактура напевнее.

Хандошкин использует тембровые сопоставления голосов, различие фактуры, штрихов для создания сочной звучности, выразительности. В кульминационных местах он прибегает к максимальной широте диапазона голосов, создавая ощущение пространственности, «стереофоничности» звучания. Вместе с тем он старается выделить каждую вариацию в небольшую самостоятельную пьеску, эпизод, применяя такие выразительные средства, как pizzicato, флажолеты, игра под сурдинку, имитация гитарных и балалаечных звучностей, игра на одной струне и т. д.

Широко применяется им орнаментика, опевание опорных звуков, мелизмы, трели и т. д., приводящие порой к виртуозным каденциям, как бы выросшим из них. В этом отношении характерна вторая вариация песни «Взвейся выше, понесися, сизокрылый голубочек». Одним из необычайно колоритных примеров опевания может служить и изложение темы в Вариациях «Дорогая моя гостейка».

Полнозвучное, мощное изложение встречается во многих вариациях. Интересна насыщенностью тембра шестая вариация песни «Что пониже было города Саратова». Характерно, что это — заключительная вариация небольшого цикла, в каждой вариации которого использованы двойные ноты и аккордовая техника, но наибольшей монолитности и глубины звучания Хандошкин достигает именно здесь, создавая настроение величавого течения музыки.

Обычно Хандошкин использует в вариациях фактурные изменения, реже — тембровые. Во многих вариациях, особенно виртуозно изложенных, он порой довольно далеко отходит от контуров темы, сохраняя лишь некоторые опорные интонации и строго соблюдая протяженность. Поэтому он выписывает на каждый вариационный цикл один бас.

Количество вариаций на тему у Хандошкина изменчиво. Наибольшее количество вариаций мы встречаем в цикле на песню «Калинушка», содержащем 40 вариаций. Наименьшее число вариаций у Хандошкина составляет 5—6.

Обычно к концу цикла фактура сгущается, наступает наиболее полный охват грифа, расширяется диапазон. Особенно любит Хандошкин заканчивать цикл разложенными арпеджио, густыми аккордами, «вязкой» фактурой тридцатьвторых, создающих ощущение вихревого движения. Внутри вариаций он стремится либо к развитию фактурных моментов от вариации к вариации, либо к контрастной их смене, тем самым достигая единства цикла.

Русские песни с вариациями сыграли огромную роль в формировании русского инструментального стиля, в развитии методов варьирования. Хандошкиным впервые даны интересные образцы фактурных и орнаментальных вариаций, оказавших большое влияние на развитие русской музыки. Достаточно вспомнить Арию Людмилы с орнаментальными скрипичными вариациями в оркестре из чётвертого действия оперы «Руслан и Людмила» Глинки.

Скрипичные сонаты Хандошкина, по выражению Асафьева, являются, образцами «концертно-камерного стиля». В ту эпоху в аналогичном жанре мы встречаем только клавирные сонаты Бортнянского. Но последние — более утонченны, «галантны», ближе стоят в чем-то к образцам, связанным с придворным музицированием. Сонаты Хандошкина ближе народному искусству, высечены более мужественной рукой.

Три сольные сонаты (1781) раскрывают выразительные возможности скрипки как самостоятельного полнозвучного концертного инструмента. Эти сонаты можно рассматривать и как попытку воссоздать средствами одного инструмента звучание народного ансамбля из двух скрипачей. Стиль этих сонат — гомофонный, с использованием, порой значительно, элементов народной подголосочной полифонии.

Сонаты состоят из трех частей, которые строятся по принципу: медленно — быстро - медленно, или медленно — быстро - быстро. Некоторым частям сонат свойственна большая драматическая напряженность, например, первой части сонаты g-moll, которая представляет собой редкий в сольной сонате жанр траурного марша, монументального, полного декламационного пафоса.

Можно предположить, что, вероятно, это и есть соната «На смерть Мировича» — поручика, одного из друзей Хандошкина, казненного за попытку освободить императора Ивана Антоновича. Нужна была определенная гражданская смелость, чтобы посвятить «бунтовщику и изменнику» одно из своих сочинений.

Две другие сонаты более лиричны и менее монументальны. В них преобладают элегические настроения, орнаментика.

Вторые части написаны в стиле придворного менуэта, в светлых, поэтических тонах. Особенно интересен "Грациозный менуэт" из третьей сонаты, светлая, умиротворенная тема которого проходит на фоне pizzicato в левой руке. Середина более драматична, и ее настроения перекликаются с траурным маршем первой сонаты. Так Хандошкин внутренними нитями связывает воедино весь цикл.

Третья часть первой сонаты Andante с шестью вариациями. Она оказывается тесно связанной с его «Русскими песнями с вариациями». Финалы двух других сонат — моторны, это своего рода музыкальный perpetuum mobile. Они динамичны и стремительно завершают цикл.

Дошедшая до нас соната для скрипки с басом весьма своеобразна. Она двухчастна, причем первая часть - Adagio — исполняется ансамблем, а вторая — Каприччо — написана для скрипки-соло. Adagio — торжественно-углубленная музыка. На тридцати пяти тактах Хандошкиным проставлено семь фермат, где скрипач может импровизировать каденции. Каприччо по характеру целиком импровизационно, с постепенным усложнением фактуры. Его можно рассматривать как свободные вариации на оригинальную тему.