Московский областной краеведческий музей в городе Истре

РУССКОЕ И ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКОЕ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ И ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО XVI - НАЧАЛА XX ВЕКА

Музейное собрание русской и западноевропейской живописи, графики и декоративно-прикладного искусства в большей части представлено на стационарных художественных выставках, расположенных на втором этаже корпуса Трапезных палат. Единичные вещи использованы в исторической экспозиции. Часть художественных коллекций хранится в фондах музея и выставляется эпизодически.

При создании художественных выставок из музейного собрания были отобраны произведения, лучшие по своим художественным качествам и сохранности.

Музейная коллекция русского и западноевропейского искусства постоянно пополняется, что отражается и на составе выставок. Немалая заслуга в этом музейных реставрационных мастерских, где работают специалисты по масляной живописи, графике, мебели, тканям. Пополнение музейного собрания осуществляется разными путями. Это прежде всего закупки, которые ежегодно производятся музеем на средства из государственного бюджета. Ряд новых поступлений составляют дары музею от частных лиц.

Собрание русской и западноевропейской живописи Московского областного краеведческого музея сложилось в основе своей в довоенный период за счет поступлений из подмосковных усадеб и Центрального музейного фонда.

Произведения западноевропейских мастеров составляют лишь небольшую часть собрания. Среди них можно отметить самое раннее в коллекции «Распятие» неизвестного (нидерландского?) художника XVI века, «Католическую процессию» голландского художника, ученика Ф. Хальса Геритта Беркхейде (1638 - 1698), мастера городского пейзажа, пейзаж голландского живописца Питера ван Асха (1603 - 1678), художника, в творчестве которого отразилось стремление к созданию идеального образа природы.

Наибольший интерес в разделе русского искусства представляет собрание портретов, дающее возможность проследить развитие этого жанра с периода его появления в XVII веке до становления реалистического портрета во второй половине XIX столетия.

С проникновением светских черт в русскую культуру XVII века и расширением связей России с Западной Европой связано появление первых русских портретов. Парсуна (от латинского «персона» - так назывался портрет в XVII веке) «Патриарх Никон с клиром» - редчайший пример группового портрета в России второй половины XVII века. На нем изображен стоящий на кафедре патриарх Никон и группа монахов, имена которых известны благодаря надписям над их изображениями.

Никон представлен в рост, в саккосе, омофоре, митре, с деревянным посохом в левой руке. Члены клира изображены по пояс или погрудно. В иерархическом расположении персон, в плоскостности написания фигур и в том, с каким вниманием изображается узорочье одежды, проявляется традиция древнерусского искусства. В то же время лица написаны без идеализации, присущей русскому парсунному письму. В них чувствуется свойственная жанру портрета индивидуализация в изображении человеческих черт и даже передача характера. Властность ощущается во взгляде патриарха, мягкость и некоторая мечтательность в лице юного иподьякона Германа, изображенного поддерживающим лежащую рядом с Никоном открытую книгу. Соединение в парсуне живописных приемов древнерусского искусства с чертами новой европейской живописи дает возможность предположить, что она была написана не одним, а несколькими работавшими в Новом Иерусалиме мастерами, как русскими, так и выходцами из западных земель.

Конец XVII - начало XVIII века - период, подготовивший расцвет портретного искусства в XVIII - XIX веках, когда портрет становится ведущим жанром изобразительного искусства. Светская культура петровского времени развивалась в России во многом через восприятие достижений Западной Европы. Русские художники посылались Петром I учиться за границу, одновременно с запада «выписывались» мастера в Россию.

Один из лучших в музейном собрании портрет Смарагды Кантемир создан неизвестным русским живописцем петровского времени, прошедшим выучку у европейских мастеров. На портрете изображена дочь молдавского господаря Дмитрия Кантемира, переселившегося в 1711 году в Россию и ставшего советником Петра I.

О русском происхождении портрета княжны Смарагды, умершей в 19-летнем возрасте в 1720 году, свидетельствует манера его исполнения. Используя традиционную для барочного европейского портрета схему построения, основанную на встречном повороте головы и корпуса, художник не смог полностью преодолеть свойственную парсуне плоскостность в изображении объемов и некоторую застылость позы. Зато с большим мастерством передана вещественная осязаемость фактуры бархатной мантии, отороченной горностаем, платья и кружев. Но основное внимание художник сосредоточил на изображении лица, добившись большой достоверности и выразительности в характеристике модели. Неизвестному мастеру удалось запечатлеть юное существо, воплотившее в себе черты человека нового времени - личности волевой и деятельной. Портрет Смарагды Кантемир дает возможность судить не только о процессе усвоения художником новой живописной системы, но и о тех достижениях, которые определили особенности русской национальной школы в последующее время.

Периодом блестящего расцвета портретной живописи в России стала вторая половина XVIII века. Русское портретное искусство этого времени развивалось в двух основных направлениях: в жанре камерного и парадного портретов. В камерном портрете с его углубленным вниманием к внутреннему миру человека в большей мере отразилось своеобразие русского портретного искусства, тесно связанного с главными идеями эпохи Просвещения, прежде всего с той частью учения просветителей, которая трактовала вопрос о человеческом достоинстве.

В собрании музея камерный портрет занимает основное место. Кисти ведущего мастера этого жапра Ф. С. Рокотова (1735/36 - 1808) принадлежит портрет М. Ф. Зотовой, написанный художником в 1780-е годы, в зрелый период творчества, когда им были созданы такие выдающиеся произведения, как портрет В. Е. Новосильцевой (Государственная Третьяковская галерея), портрет Е. В. Санти (Государственный Русский музей). По композиционному решению и легкой печати недоговоренности портрет М. Ф. Зотовой близок названным произведениям, хотя представленный здесь образ гораздо скромнее: в нем меньше блеска и идеальности, но есть та верность натуре в сочетании с поэтичностью, которая делает создания Рокотова особенно притягательными.

Интересны работы неизвестных мастеров, в которых прослеживается некоторая родственность рокотовским произведениям. Это «Портрет молодого человека» (1780-е годы), «Портрет неизвестной в полосатом платье» (1780-е годы). Особенно близок своей одухотворенностью рокотовским образам «Портрет молодого человека». Неизвестный художник явно стремился к созданию такой характеристики модели, которая бы полностью совпадала с идеальными представлениями эпохи о внутреннем мире человека.

Расширяет представление о камерном портрете XVIII века «Портрет неизвестного в зеленом кафтане» Ивана Локтева, который предположительно считается портретом Ф. Г. Орлова.

О самом И. Локтеве известно крайне мало. С 1761 года он обучался в петербургской Академии художеств - это был период, когда там преподавал Ф. С. Рокотов, Ранее учителем его был И. Фирсов, первый в России жанровый живописец, оказавший на Локтева несомненное влияние. В портрете из собрания музея художник создает образ, несущий в себе удивительные для искусства XVIII века черты душевной открытости и простоты.

Более позднюю страницу в истории русского портретного искусства представляет портрет С. Ы. Долгорукого (1802) работы знаменитого живописца В. Л. Боровиковского (1757 - 1825). В нем отразились особенно ярко проявившиеся в искусстве художника 1800 - 1810-х годов классицистические тенденции, связанные с распространившимися среди передовой части дворянства идеалами служения обществу.

С. Н. Долгорукий, член Военной коллегии, дипломат, составитель «Хроники Российской Императорской армии», изображен Боровиковским в кабинете на фоне книг, с циркулем в руках. Этот антураж, как и сдержанность и строгость цветового и композиционного строя произведения, характерные для классицизма, помогают созданию образа просвещенного государственного мужа.

Неотъемлемой частью русской художественной культуры XVIII - начала XIX века является творчество иностранных мастеров, работавших в России (так называемая «россика»). Шведскому художнику Александру Рослину (1718 - 1793), жившему в России в 1775 - 1777 годах, приписывается портрет И. И. Бецкого - президента петербургской Академии художеств, общественного деятеля, и портрет генерал-фельдмаршала, президента Военной коллегии 3. Г. Чернышева. В них типичная для творчества Рослина объективность и трезвость характеристики модели «без прикрас» сочетаются с блеском и виртуозностью в написании одежды и антуража.

Кисти другого иностранного мастера - венгра по происхождению, Иоганна Ромбауэра (1782 - 1849), работавшего в России с 1806 по 1821 год, принадлежит «Портрет молодой женщины», созданный художником в 1815 году. Творчество Ромбауэра связано с устойчивой для первой четверти XIX века классицистической традицией, проявляющейся в ее академическом варианте. «Портрет молодой женщины» не отличается глубиной характеристики, но привлекает внимание «стильностью» исполнения, которая выражена в композиции большого полотна, где портретируемая изображена на фоне колонны, и в выдержанности деталей: в «ампирном» белом платье изображенной, в раме кресла в виде сфинкса, в наброшенной на подлокотник модной в то время шали с каймой.

Собрание музея дает возможность ознакомиться с разнообразными тенденциями развития русской живописи, и прежде всего с наметившимся уже в первой половине XIX века процессом демократизации искусства, выразившемся в расширении социального круга портретируемых, во всевозрастающем интересе художников к передаче частной жизни человека.

В «Портрете неизвестной» (1810-е годы) Н. И. Аргунова (1771 - после 1829-го) сказалось добросовестное и честное отношение художника к натуре. Правдивым изображением некрасивого лица с длинным носом, с выцветшими, но выразительными глазами мастеру удалось передать своеобразие модели, ее внутренний мир. Цветовое решение портрета, построенное на сочетании белого и красного цветов одежды и коричневато-серого фона, отвечает характеристике образа, исполненного простоты и достоинства.

С романтическими настроениями, существенными для русской культуры первой четверти XIX века, связан портрет А. М. Голицына (1820-е годы) кисти знаменитого живописца В. А. Тропинина (1776 - 1857). Правда, для самого Тропинина, умевшего видеть красоту прежде всего в повседневном и интимном, эти настроения не были определяющими, и в портрете A. М. Голицына для художника главным остается верность натуре. Отсюда некоторое несоответствие, возникающее между романтизированностью формального строя произведения и характеристикой самой модели с ее несколько вялым и добродушным лицом.

В собрании музея хранится еще один портрет кисти B. А. Тропинина, относящийся к позднему периоду творчества мастера - портрет Н. И. Бера (1857), доктора Сапожковского уезда Рязанской губернии. Произведение не только хронологически, но и по живописно-образному строю выходит за рамки искусства первой половины XIX века, сближаясь с реалистической концепцией портрета второй половины столетия. Скупыми средствами - работа проста по композиции, фон нейтрален, цветовая гамма сдержанна, почти монохромна - художник дает точную и объективную характеристику, которая позволяет не только судить о конкретном человеке, но и создает определенный социальный тин. Реалистичен выразительный по глубине психологической трактовки образа и передаче социальных черт изображенного «Портрет неизвестного пожилого мужчины» (1868) Н. В. Неврева (1830-1904).

Наряду с работами знаменитых мастеров в музее хранятся произведения неизвестных или малоизвестных живописцев, позволяющие судить о многообразии портретных форм в русской живописи XIX века. Примечателен своей непосредственностью в передаче натуры «Портрет Е. А. Аникеевой» (1839), исполненный учеником.А. Г. Венецианова художником А. А. Васильевым (1811 - 1879). Этим же отличается «Портрет Е. А. Аникеевой в старости» (1864), написанный также А. А. Васильевым, братом изображенной.

Особое место в русской портретной живописи занимает так называемый купеческий портрет, связанный с развитием городского народного искусства. К такому типу принадлежит «портрет купца» (1840-е годы), выполненный неизвестным художником в манере, близкой к лубочной, ярким локальным цветом. Характерно для таких портретов привнесение в изображение бытовых предметов: купец сидит возле стола, иа столе стоит чернильница, песочница, лежит книга. Другое интересное произведение этого направления - «Портрет купчихи в повойнике» (1840-е годы).

Небольшой раздел пейзажной живописи в музейной коллекции дает возможность на отдельных примерах проследить различные этапы развития русского пейзажа. К типу видового пейзажа, художественной целью которого обычно является изображение «портрета» определенной местности, относится «Вид Нижнего Новгорода» (1837) Н. Г. Чернецова (1805 - 1879). Используя схему панорамной композиции, мастер создает своеобразный портрет города, точный и добросовестный. В построении картины есть определенная доля условности, исполнение отличается некоторой сухостью рисунка, тщательно фиксирующего все детали. Но, несмотря на это, в произведении проявились черты лирического отношения к натуре.

С романтическими тенденциями в русской пейзажной живописи первой половины XIX века связано творчество М. Н. Воробьева (1787 - 1855). Правда, романтизм часто понимался художником с внешней, сюжетной стороны, что наложило печать на многие его произведения. Образный строй «Итальянского пейзажа» (1847) наполнен гармонией. В нем в нераздельном единстве сосуществуют величественная природа и лю-. ди, изображенные среди пейзажа в своих повседневных занятиях.

Понимание М. Н. Воробьевым пейзажа как сочиненного, возвышенного оказало воздействие на творчество его ученика, прославленного русского мариниста И. К. Айвазовского (1817 - 1900). Своеобразной идеальностью проникнуто полотно Айвазовского «Часовня на берегу моря» (1845). Другие пейзажи из собрания музея, относящиеся к более позднему периоду: «Заход солнца на море» (1866), «Окрестности долины ночью» (1866) - отмечены большой непосредственностью, лиричностью в восприятии природы.

С утверждением русского реалистического пейзажа связано искусство А. К. Саврасова (1830 - 1897). В музее хранится позднее его произведение, написанное в конце 1880-х - начале 1890-х годов. Избрав простой, излюбленный мотив с березками, покосившейся избой, водоемом, художник передал красоту и одухотворенность родной природы.

Реалистический русский пейзаж представлен в музее также произведениями художников - последователей передвижников: М. X. Аладжалова (1862 - 1934), П. И. Петровичева (1874 - 1947), Л. В. Туржанского (1875 - 1945). К этому же периоду принадлежат этюды С. А. Коровина (1858 - 1908) к картине «На миру», отличающиеся остротой типажных характеристик, жанровая сцена «Тульские бабы» С. А. Виноградова (1869-1938).

Почти монографически (в собрании 120 живописных и графических работ художника) освещает музейная коллекция творчество К. И. Горбатова (1876 - 1945). Как живописец Горбатов сложился в дореволюционный период, с 1904 по 1911 год обучаясь в петербургской Академии художеств. Большинство его работ выполнены в путешествиях по Европе. Он жнл в Германии, долгое время пробыл на острове Капри, путешествовал по Сирии, Палестине, работал в Венеции. В музей произведения Горбатова были переданы из ГДР в 1964 году.

Архитектурный пейзаж - так можно определить излюбленный жанр художника. Его полотна доносят до нас виды старых русских городов: Новгорода, Пскова, Смоленска. Позднее импульс для творчества художника дают многочисленные заграничные поездки. В это время (1920 - 1930-е годы) живописец, работая в «академической» системе построения, приходит к большей декоративности, цветовой насыщенности картин. Именно эта праздничная яркость, широкая география его пейзажей и добротность их исполнения привлекают в творчестве художника.

Наиболее ценной частью музейного собрания графики является коллекция графического портрета.

Миниатюрные и малоформатные портреты были широко распространены в России в конце XVIII - начале XIX века. В масляной живописи малоформатный портрет в начале XIX века постепенно сходил на нет, хотя и не исчез совершенно. Миниатюрный же портрет сохранялся в русской художественной практике в течение всей первой половины XIX века, однако лучшие образцы этого искусства относятся к концу XVIII - началу XIX века.

Миниатюра - это вид живописного портрета малого, от 1,5 до 20 см, формата, выполненного гуашью или акварельными красками на бумаге или слоновой кости, керамическими красками по фарфору, в технике эмали и т. д. В музейной коллекции по уровню художественного качества выделяется несколько миниатюр работы неизвестных мастеров. Это тонкий и одухотворенный.«Портрет неизвестного» (конец XVIII века), написанный гуашью на слоновой кости, портрет графа 3. Г. Чернышева, также датируемый концом XVIII века. Он исполнен с большим профессиональным мастерством в технике эмали. В этот же ряд миниатюрных портретов можно поставить созданный в 1810-е годы очень красивый и выразительный портрет. Е. Д. Сонцовой, урожденной Чертковой, сестры известного нумизмата и библиофила А. Д. Черткова.

Малоформатный и миниатюрный портрет дал толчок развитию графического портрета. Портрет, сделанный карандашом или акварелью с применением других техник, быстро развивался в первые десятилетия XIX века.

Из художников, чье творчество создало прекрасные образцы такого портрета, в музейном собрании представлен Александр Молинари (1772 - 1831), итальянец по происхождению, друг писателя и художника Э. Т. А. Гофмана. С 1806 по 1816 год А. Молинари жил в России и портретировал представителей московского и петербургского высшего общества. В его мастерски исполненных, но несколько однообразных по композиции женских портретах с изящными поворотами головок и взвихренными порывом ветра прическами, одинаково прелестными лицами угадывается стиль той эпохи. В музее хранятся три работы А. Молинари, сделанные углем и подцвеченные акварелью. Это портрет М. Д. Ралль, урожденной Римской-Корсаковой, приятельницы матери А. С. Пушкина, и портреты двух молодых женщин, чьи имена пока не удалось установить.

Одним из самых популярных портретистов первой половины XIX века, работавших в жанре акварельного портрета, был П. Ф. Соколов (1791 - 1848). В 1839 году он получил звание академика «по живописи портретной акварельной». К 1830-м годам - периоду расцвета творчества художника - в музейном собрании относится портрет Е. Г. Чертковой, урожденной баронессы Строгановой. В это же время П. Ф. Соколовым были созданы и детские парные портреты сестер М. А. и Н. А. Строгановых. Портреты овальные; образы девочек полны изящества и задушевности. Исследователи творчества П. Ф. Соколова выделяют в его работах 1840-х годов группу портретов, отличающихся своеобразными художественными особенностями. Это портреты со сложной композицией, в которой модель окружена многочисленными, подробно разработанными аксессуарами и представлена на фоне пейзажа или интерьера. К этой группе работ П. Ф. Соколова принадлежит хранящийся в музее овальный портрет Н. Е. Макухиной. Она позирует художнику в интерьере, опираясь на столик, задрапированный восточной тканью. На заднем плане виден мольберт с морским пейзажем. В 1857 году Н. Е. Макухина получила звание академика портретной живописи за портрет князя Г. П. Волконского и ряд портретов, выполненных для императорской семьи.

Графический портрет первой половины XIX века, являясь частью русской художественной культуры, имеет бесценное значение документа своего времени, передающего приметы моды, бытовой обстановки. Почти документально точен в своих портретах Карл фон Гампельн (1794 - 1880) - художник-акварелист, рисо-валыцин, гравер, миниатюрист. В музее хранятся три его портрета. Среди них можно выделить «Портрет неизвестного офицера», созданный в смешанной технике (итальянский карандаш, гуашь, акварель). Неизвестный военный представлен сидящим в кресле, в мундире с эполетами. Высокое качество работы отличает еще одно произведение кисти К. Гампельна - акварельный портрет Т. П. Львовой, сестры А. П. Керн, которая позирует, сидя за клавесином, как бы на мгновение обернувшись к художнику. Оба портрета датируются концом 1830-х годов.

Среди других графических портретов музейного собрания привлекают внимание необычайно тонкие по исполнению акварельные портреты В. И. Гау (1816 - 1895), отличающиеся непосредственностью портреты К. А. Шрейнцера (1819 - 1887), почти протокольно документальные портреты военных Ф. Крюгера (1797 - 1857).

К вершинам русского акварельного портрета относится хранящийся в музее акварельный портрет Е. Б. Грановской (1841) работы К. А. Горбунова (1815/22 - 1893), известного живописца и литографа, друга В. Г. Белинского. В 1830 - 1840-е годы К. А.Горбунов создал портреты В. Г. Белинского, А. В. Кольцова, В. Ф. Одоевского, М. Ю. Лермонтова, И. С. Тургенева. Известна серия его литографических портретов А. И. Герцена, Н. В. Гоголя, Т. Н. Грановского, Е. Ф. Корша и других деятелей русской культуры. Портрет Е. Б. Грановской, жены историка Т. Н. Грановского, создан в период расцвета творчества художника. Сдержанная цветовая гамма, отсутствие какой-либо романтической эффектности, простая и строгая манера исполнения, соединенная с высочайшим профессиональным мастерством, позволяют отнести портрет Е. Б. Грановской к лучшим созданиям К. А. Горбунова.

Довольно большой, хотя и неравноценный раздел собрания составляет коллекция рисунка.

Рисунок считался одним из основных средств художественного выражения в эпоху классицизма. G конца XVIII века он становится практически самостоятельным видом искусства. Большое значение рисунку придавалось в процессе обучения в Академии художеств. Непременны были штудии с изображением обнаженной натуры, в которых художник-классицист подправлял натуру, сверяя ее со слепками с античной скульптуры. Академику Г. И. Угрюмову (1764 - 1823) приписывается карандашный рисунок с изображением двух фигур атлетически сложенных юношей. Имеющий вспомогательное значение, выполняющий роль подготовительного эскиза, наброска, рисунок очень важен для понимания художественного процесса.

Об особенностях романтического мировосприятия О. А. Кипренского (1782 - 1836), пожалуй, не в меньшей степени, чем портреты, дают возможность судить его зарисовки из альбомов. В собрании имеется несколько подписных листов О. Кипренского, среди которых наибольшей законченностью выделяется рисунок, выполненный на евангельский сюжет «Исцеление больных» (1823).

Известному портретисту В. А. Тропинину принадлежат лист с карандашными набросками фигур и эскиз к большому парадному портрету в рост императрицы Марии Федоровны.

Интересны графические произведения второй половины XIX века, отражающие общее состояние искусства этого времени с его интересом к бытовому жанру, со склонностью к описательности. Среди них выделяются жанровые зарисовки А. И. Корзухина (1835 - 1894), Н. В. Неврева, С. А. Коровина, портреты и жанры С А. Виноградова.

Блестящий период расцвета русской графики начала XX века представлен в музее немногочисленными, но высокохудожественными произведениями, в частности, листом, выполненным в смешанной технике акварели и гуаши «Вильно» (1902) М. В. Добужинского (1875 - 1957), члена объединения «Мир искусства», с которым связаны основные достижения русской графики начала XX века. Поиск монументальных форм отражен в картоне «Диана и Актеон» (1916) 3. Е. Серебряковой (1884 - 1967), исполненном художницей как эскиз росписи.

К этому же периоду относится великолепный портрет Высоцкой-Готц (1911) Л. О. Пастернака (1862 - 1945). Изображение полнофигурное, модель представлена в интерьере, сидящей в кресле. Большой формат холста (139X94), композиция, стильность предметов интерьера, единство тона и общая матовость поверхности картины, исполненной пастелью, сообщают ему черты парадного портрета, с которым связаны существенные особенности русского искусства начала XX века.

Довоенная коллекция мебели МОКМ, которая сформировалась в 1920-х годах благодаря поступлению художественных ценностей через Отдел по делам музеев и охране памятников Наркомпроса, полностью погибла во время Великой Отечественной войны. Данные довоенных учетных документов позволяют отчасти представить себе музейное собрание того времени - дворцовую мебель екатерининской эпохи, осветительные приборы барокко и ампира. Как и многие другие погибшие коллекции, это собрание не может быть воестановлено. В настоящее время музей комплектует фонд предметов декоративно-прикладного искусства, убранства интерьеров XVII - XIX веков.

В экспозиции музея представлена мебель русского и западноевропейского происхождения XVII - XIX веков. Наиболее ценной в художественном отношении является западноевропейская часть коллекции. Четыре резных ореховых стула происходят из частного собрания и приобретены музеем в 1975 году. Их можно датировать концом XVI - первой половиной XVII века; выполнены они, вероятно, в Польше или Германии, в подражание итальянской резной мебели эпохи Возрождения. Конструкция и декор их являются типичными для средневековья и Ренессанса: это так называемая «дощатая» конструкция, когда спинки и две стойки-ножки представляют собой цельнорезные доски. Резьба на стульях сквозная, орнамент составлен из упруго закрученных завитков и листьев аканта с включением причудливых декоративных элементов - гротесков и гербовых щитов.

Следующая группа предметов немецкого происхождения. К XVII веку относятся два кресла северонемецкого региона. Тип их конструкции оригинален, называется курульным (от латинского названия парадной складной мебели). Х-образный контур кресла из дуба украшен резьбой, отличающейся некоторой жесткостью, обусловленной материалом, из которого сделан предмет. Спиралевидные завитки, листья и гроздья кажутся накладными; украшая детали кресла, резьба позволяет прочесть контуры конструкции. Это характерно для раннего барокко, когда декор в произведениях прикладного искусства еще не' столь обилен и пластичен, не растворяет саму форму предмета.

Храм Гроба Господня в Иерусалиме. Гравюра XVII в. План храма Гроба Господня в Иерусалиме

План Воскресенского собора Новоиерусалимского монастыря

1. Часовня Гроба Господня

4. Придел Марии Магдалины

6. Собор Воскресения

7. Царская арка

8. Главный алтарь

10. Придел Успения Богоматери

12, 14, 15. Заалтарные приделы: Логина Сотника, Разделения риз, Тернового венца

16. Алтарь подземной церкви Константина и Елены

22. Придел Иоанна Предтечи

23. Захоронение патриарха Никона

29. Колокольня с приделом Всех святых

34. Лестница на хоры

Воскресенский собор Новоиерусалимского монастыря. Вид с юго-востока. Фото начала XX е.

Неизвестный художник. Парсуна «Никон с клиром». XVII в.

Шатер ротонды Воскресенского собора. Внутренний вид до разрушения. Фото 1930-х гг.

Воскресенский собор бывшего Новоиерусалимского монастыря, взорванный при отступлении немецко-фашистскими захватчиками в декабре 1941 г. Вид с юга. Фото 1940-х гг.

Воскресенский собор бывшего Новоиерусалимского монастыря в процессе реставрации

Керамический фриз «павлинье око». Раппорт орнамента. Акварель

Портал придела Успения Богоматери

Святые (восточные) ворота, надвратная церковь и Дамасская башня

Больничные палаты

Северное прясло крепостной стены с башнями Ефремовой и Варуха

Скит патриарха Никона

Церковь Богоявления из с. Семеновского

Икона «Спас Вседержитель». Конец 1650-х - начало 1660-х гг.

Шитая икона «Богоматерь Владимирская». 1640-е гг.

Неизвестный художник. Смарагда Кантемир. 1710-е гг.

В. А. Тропинин. Н. И. Бер. 1857 г.

Ф. С. Рокотов. М. Ф. Зотова. 1780-е гг.

Молодой человек в желтом камзоле. Мейсен, средина XVIII в.

Мальчики, дерущиеся после игры в бабки. Гжель, вторая половина XIX в.

Изделия гжельских заводов. Вторая половина XIX в.

Р. Р. Фальк. Девочка в красном. 1952 г.

А. Н. Волков. На работу. Утро в Шахимордане. 1932 г.

В технике резьбы, золоченной по левкасу, выполнен столик с мраморной крышкой, украшенной мозаичной композицией из разноцветных пород камня. Столик происходит из собрания дворца «Шарлоттенбург» в Германии и датируется первой половиной XVIII века. Его великолепная резьба из завитков, раковин и листьев аканта характерна для немецкого барокко: в миниатюрной вещи чувствуется значительность и некоторая утяжеленность форм, орнамент оплетает предмет, составляя с ним неразрывное целое.

В коллекции западноевропейской мебели есть два голландских стула с высокими сквозными спинками первой половины XVIII века. В Англии и Голландии в XVII - XVIII веках сложился особый стиль мебели, отличающийся удобством и изяществом. В английской мебели появился своеобразный тип ножек «кабриоль», изогнутых, с широкой лобовой частью, часто украшаемой резьбой. Именно такие ножки поддерживают довольно низкое сиденье голландских стульев. Спинки их украшены наборными композициями: в вазоне - ветви разных цветов, на стеблях которых сидят птички. Для создания тонкой колористической гаммы использованы разные породы дерева: палисандр, береза, розовое дерево, древесина, подкрашенная светло-зеленым и мореная до черноты. Крошечные цветы, включенные в композицию, инкрустированы костью.

В экспозиции музея представлено изделие французских мебельщиков конца XVIII - начала XIX века. Это двустворчатый низкий шкаф, выполненный в стиле классицизма из розового дерева, фанерованного «в елку» с инкрустациями из палисандра. Простота конструкции, строгость формы и точность пропорций сочетается в этом предмете с обилием золоченых бронзовых украшений, к сожалению частично замененных в более позднее время.

Мебель классицизма может считаться воплощением главного художественного принципа декоративного искусства: красота форм, выверенность пропорций, изысканность орнамента неразрывно связаны с выполнением вещью ее функционального назначения, то есть с удобством, комфортабельностью. Мебель русской классики - ярчайшее проявление этого важнейшего условия. Большая часть коллекции русской мебели Московского областного краеведческого музея демонстрирует стиль классицизма как в ранних его проявлениях, так и в формах ампира. Своеобразие коллекции состоит в том, что она формировалась чаще всего из разрозненных предметов, реже - из небольших комплектов. Из мебели русских усадеб в экспозиции музея составлены небольшие интерьеры.

Для изготовления предметов убранства русского жилого интерьера конца XVIII - начала XIX века чаще всего использовали красное дерево, орех, карельскую березу, кап тополя или клена. Этими породами фанеровали гладкие поверхности крупногабаритных предметов: секретеров, столов, шкафов, горок. Украшали мебель классицизма в России довольно скромно: плоскорельефной резьбой, золоченой резьбой, тонкими инкрустированными тягами, реже - накладками из латуни или золоченой бронзы.

Гостиный круглый стол, окруженный креслами, выполнен из красного дерева и украшен латунными накладками, подчеркивающими конструкцию предмета. И стол и кресла сделаны в стиле жакоб, созданном французскими мастерами в последнее десятилетие XVIII века. Одной из особенностей этого стиля является сочетание довольно приземистых, устойчивых пропорций предметов с графичностыо тонких решеток-спинок и гибкой изогнутостью локотников. Предметы стиля жакоб украшались ребристыми латунными накладками и профилями.

К первым годам XIX века относится столик-консоль, ножки которого исполнены в виде резных грифонов. Резьба этих фигур зачернена по левкасу и украшена золочеными элементами. Гладкая фанерованная крышка являет весьма своеобразное сочетание с крупными, объемными в своей резьбе ножками, которые представляют как бы самостоятельные скульптурные композиции. Столик сделан по эскизам А. Н. Ворони-хина, он аналогичен столику в Павловском дворце и датирован 1806 годом.

Приятным золотистым тоном привлекает мебель из карельской березы, обладающей красивым рисунком из темных «глазков» на желтом фоне. Круглый стол из гостиного гарнитура привлекает выверенными пропорциями и сочетанием гладкой крышки с изящно и причудливо изогнутыми ножками. В центре крышки круглая вставка из темного палисандра, единственный чисто декоративный элемент. Два полукресла около стола сделаны из тополя. Спинки их как бы составлены из пар резных, золоченных по левкасу грифонов, повернутых друг к другу спиной. Это одна из многочисленных разновидностей спинок стульев и кресел мебели русского классицизма. Характерна для этого времени и спинка маленького стула карельской березы в виде полуовального щитка, со вписанной в него пальметтой, резной и черненной по левкасу.

Из корпусной мебели эпохи классицизма особый интерес представляют разнообразные по форме и устройству секретеры. Этот вид комбинированной мебели появился в XVIII веке в Западной Европе, он пользовался популярностью и в России. В собрании музея есть несколько образцов наиболее распространенных типов секретеров. Миниатюрный секретер карельской березы представлен в экспозиции. За его откидной доской ряды ящичков и ниш, внизу три больших выдвижных ящика. Плоскости янтарной древесины карельской березы украшены тонкими окантовками мореного дуба.

В подражание предметам античного искусства в мебели классицизма использовались разнообразные формы курильниц и треножников при создании декоративных подставок и тумб. Две высокие курильницы из тополя с диагонально пересекающимися стойками и круглой чашей, к сожалению утратившей завершение, аналогичны тем, что находятся в собрании Павловского дворца-музея. Завершены стойки бронзовыми золочеными головками баранов. Использование дорогой золоченой бронзы характерно только для дворцовой мебели русского классицизма, широкого распространения такого рода украшения в мебельном искусстве России не нашли. Курильницы происходят из подмосковной усадьбы Ильинское.

Более простая по конструкции, удобная, прочная мебель николаевского ампира производилась большими партиями в мастерских мануфактурного типа. В мебели для сидения выработалась конструкция с цельно-вырезанной боковой стороной, когда стойка спинки, задняя и передняя ножки представляют собой единое целое. «Дощатые» ножки и вкладные сиденья заменили сложную конструкцию конца XVIII - начала XIX века, позволили упростить и ускорить массовое производство мебели, сделать ее дешевле и доступнее.

На художественных выставках музея предметы мебели дополняют интерьеры, предоставляют возможность познакомиться с некоторыми формами русского и западноевропейского мебельного искусства, материалами и техниками изготовления, стилями и направлениями разных эпох.

Коллекция художественного металла Московского областного краеведческого музея состоит из предметов убранства жилого и дворцового интерьеров XVIII - XIX веков. Это осветительная арматура (канделябры, бра, подсвечники), скульптура малых форм - каминная и настольная, вазы, подставки, курильницы, письменные приборы. Большинство прекрасных образцов русской и западноевропейской художественной бропзы происходит из подмосковных усадеб Никольское-Урюпино и Дубровицы. Среди осветительных приборов наибольшую ценность представляют канделябры французского скульптора-бронзовщика Пьера Филиппа То-мира (1751 - 1843). Стояк их выполнен в форме египетской колонны, оплетенной листьями. Свечники помещены в клювах лебедей, их изогнутые шеи окружают верхнюю часть колонны. Канделябры отличает высокое совершенство чеканки, великолепное золочение с сочетанием полированных и матовых поверхностей. Трех- и четырехсвечные настенники-бра также, вероятно, западноевропейской работы. Тонкая графика очертаний спирально закрученных рожков, в раструбы которых вставлены свечники, ясно прорисовывалась па глади стен интерьера классицизма, окрашенных в один тон или оклеенных обоями с неброским рисунком. Декоративные светильники-скульптуры с античными фигурами, каминные скульптуры сфинксов, амуров, декоративная ваза с опорами в виде полуфигур кариатид - все это великолепные скульптурные миниатюры, выполненные в пластически совершенных формах из патинированной бронзы изысканного коричневого или темно-оливкового цвета.

В экспозиции музея представлена полностью небольшая коллекция часов. Все они отреставрированы, механизмы исправлены. Самые ранние из часов собрания - настольный будильник, изготовленный в мастерской дрезденского часовщика И. X. Науманна в первой половине XVIII века. Циферблат будильника расположен на верхней горизонтальной грани восьмигранного корпуса. Подобная форма часов была самой распространенной в XVII - первой половине XVIII века.

Увлечение техникой и отношение к часам как к сложному и ценному механизму, свойственное тому времени, проявились в том, что на боковых сторонах будильника сделаны стеклянные окошечки, сквозь которые видно его устройство.

В мастерской Роберта Филиппа, работавшего в Лондоне в 1776 - 1788 годах, изготовлены часы с футляром красного дерева, украшенным бронзовым завершением в виде балдахина, под которым помещена фигурка сидящего турка. Такая деталь характерна для изделий, предназначавшихся для продажи в восточных странах. Массивный корпус заключает в себе сложный механизм с тремя барабанами: хода, боя часов и музыкальным. Каждые три часа на верхней части циферблата поднимается шторка и открывается пейзаж с фигурками музыкантов и танцоров. Музыканты «играют» на скрипках одну из четырех мелодий, под которую пляшут подвижно укрепленные фигурки.

Из Англии происходят часы последней четверти XVIII века, выполненные мастером Джоном Тейлором. Корпус красного дерева имеет металлический циферблат с накладным орнаментом из завитков. Каждые четверть часа на 12 колокольчиках вызванивается довольно сложная мелодия.

В стиле рококо исполнен корпус настенных часов с круглым циферблатом, охваченным провисающими гирляндами. Тяжелая золоченая бронза, из которой они выполнены, причудливо сплетается завитками, завязывается крупным бантом, превращается в живые листья гирлянд. Эти часы сделаны в мастерской парижского мастера Жана Габриэля Ленэ (1724 - 1784) в 1770-х годах.

На циферблате часов в виде бронзовой золоченой арки на четырех каннелированных столбах нет имени мастера, но качество исполнения корпуса, который представляет собой не просто футляр для механизма, а изящную композицию, позволяет вспомнить французского бронзовщика П. Ф. Томира и датировать часы последней четвертью XVIII века. Перед нами произведение искусства с тончайшим рисунком миниатюрных архитектурных деталей, ажурных накладок ювелирной работы: летящие богини с трубами, крылатые кони Посейдона, трубящие амуры, грифоны. Завершает композицию фигурка коленопреклоненной богини, льющей вино в две чаши, стоящие по сторонам от нее. Эти часы являются прекрасным образцом расцвета французского классицизма.

Сложную скульптурную композицию представляют каминные часы мастера Л. И. Лагеса, работавшего в Париже в конце XVIII века. Они имеют мраморное овальное основание, на котором установлена бронзовая золоченая фигура Венеры; богиня сидит в колеснице, мчащейся в облаках, перевитых стеблями роз. Среди клубящихся облаков расположен циферблат часов. Обработка материала отличается тщательностью. Это дорогие часы-украшение, часы-скульптура, изготовленные для дворцового интерьера. В исполнении фигуры Венеры чувствуется влияние Э. М. Фальконе. В композиции ощущается характерное для раннего классицизма сочетание движения и пластики барокко с обращением к античному сюжету и использованием классических форм.

Под влиянием стиля неоготики выполнены немецкие каминные часы с корпусом в виде фасада готической часовни. Такого же типа русские часы из чугуна изготовлены в 1834 году. Под аркой - фигуры прощающихся кавалера и дамы. Необычный декоративный эффект дает нетрадиционный для предметов интерьера материал - чугун с глубоким, бархатистым черным цветом. Высокое качество литья позволило достигнуть тонкой моделировки элементов орнамента и фигур без проработки деталей после отливки чеканом.

На часах с циферблатом, укрепленным на стеклянных, кобальтового цвета колонках, стоит имя мастера Ковалдина (даты жизни неизвестны). Механизм этих часов полностью открыт: циферблат прорезан фигур-» ным отверстием, сквозь которое видна деталь в форме лиры. Такого рода часы назывались «скелетон» и помещались под стеклянный колпак. Датируются часы по стилистическим признакам 1840-ми годами.

Сложную композицию - аллегорию морской стихии - представляют часы с механизмом, выполненным Ж. Чарльзом. Среди волн, сплошь покрывающих корпус, - фигуры Посейдона и морских божеств, раковины, кораллы, переплетающиеся морские растения. Корпус перегружен обилием деталей, которые дробят композицию. Часы имели утраченный в настоящее время деревянный золоченый постамент с корабликом, который качался на волнах в проеме нижней части корпуса.

Древнерусская металлическая утварь в коллекции представлена всеми основными ее разновидностями: братинами, ендовами, ковшами и стопами. До XVIII века в России медь и ее сплавы не имели широкого распространения при изготовлении предметов бытового назначения, поскольку металл был дорогим, добыча его была ограниченна. Медная утварь была дорогой, редкой даже в домашнем обиходе высших слоев общества; она богато украшалась и тщательно исполнялась.

Формы братины (большого широкого сосуда для меда или вина), ендовы (ковша с носиком-сливом и колечком-подвеской), ковша и стопы (цилиндрического стакана) восходят к традиционным прототипам - народной деревянпой и глиняной посуде. Применение иного материала повлекло за собой некоторое изменение первоначальных форм и очертаний предметов: металлические братины, ковши и ендовы имеют более жесткий контур, тонкостенный металл дал возможность сделать более четким рельеф, усложнить объемный и гравированный орнамент. Сочетание мягкости, округлости очертаний, присущих народной утвари, с драгоценной отделкой приемами, заимствованными в ювелирном деле, придает изделиям из цветного металла особую привлекательность и своеобразие.

Среди братин в коллекции выделяется прекрасный сосуд XVII века из посеребренной меди. Шлемовидное туловище расчеканено рядами килевидных ложек (округлых выпуклостей высокого рельефа). Ложки покрыты сплошным резным орнаментом из листьев, гроздьев, ветвей с включением изображений грифонов, попугая, дракона, крылатого льва.

Старые формы утвари долго сохранялись в быту в XVIII - начале XIX века, соседствуя с новыми, западноевропейскими. Очень распространенными были ковши, предназначавшиеся преимущественно для питья медов, - полусферической формы, с горизонтально укрепленной ручкой в виде сердечка или листа. Тулово ковша делалось гладким или расчеканивалось выпуклыми ложками. Ендовы делались разных размеров, их основным украшением также являлись ложки, в то время как братины имели не только рельефный, но и гравированный орнамент. Все эти типы сосудов и разнообразие их украшений представлены в коллекции музея.

Одна из немногочисленных точно датированных вещей в собрании - плоская медная посеребренная тарелка, по борту которой выгравирована надпись: «Тарелка Великих государей села Измайлова взята из овощной палаты в 1689 году».

К 30-м годам XVIII века относится большая медная посеребренная стопа с красивым гравированным рисунком из картушей, перьев, завитков. В одном из картушей помещена надпись: «Благочестивейшей и самодержавнейшей Великой государыне нашей императрице Анне Иоанновне всей России виват, виват, виват».

С появлением в России в XVIII веке промышленной добычи меди и других цветных металлов расширяется производство металлической утвари. Одним из центров изготовления становится Урал. Изделия заводов Демидова отличаются высоким качеством исполнения, разнообразием форм и декорировки, следованием стилю и моде того времени. Образцом произведений уральских заводов служит небольшой круглый самовар из меди, датируемый 1740 - 1750-ми годами. Его тулово сплошь украшено чеканным и резным орнаментом в стиле рококо: завитками, раковинами, гребнями, среди которых птицы и картуши. К этому же времени относятся медные луженые кофейник граненой формы и грушевидный кувшин, сплошь расчеканенные орнаментом в стиле рококо. В подобных предметах примечательно наивное сочетание грубоватых форм с изысканным декором из гребней и раковин.

На уральских заводах Демидовых произведены и большие цилиндрические кружки с откидным крышками на шарнирах, их форма заимствована у немецких и голландских изделий. В этих предметах чувствуется фактура и весомость материала, из которого они изготовлены, - мягкой меди светло-желтого или красного оттенка, цвет которой не скрыт полудой или серебрением. Гладкую полированную поверхность кружек сплошь устилает гравированный растительный орнамент. Среди спиральных ветвей с пальчатыми листьями - птицы и гроздья ягод, излюбленный орнаментальный мотив конца XVII - начала XVIII века, в подобных вещах сохранявшийся и позднее.

Значение самостоятельного раздела коллекции художественных изделий из цветных металлов имеет собрание русских самоваров второй половины XIX века, производством которых занималось множество фабрик, сосредоточенных, главным образом, в Туле, Москве, на Урале.

Изготовление самовара - сложный процесс, состоящий из целого ряда операций, в которых были заняты мастера разных специальностей. Из листа металла (меди, латуни, томпака), спаянного в цилиндр, выковывали (выколачивали) форму молотками. Каждая конфигурация тулова имела собственное название: «банка» (цилиндр), «кубок» (цилиндр, расширенный кверху), «дуля» (грушевидная форма) «византийский» (усложненная форма с ажурными кронштейнами ручек) и др. Ручки, краны, конфорки, основания отливались по одинаковым формам с небольшими вариациями. Отверстия в штампованных конфорках пробивали прессом. В производстве самоваров сочетался индивидуальный труд мастера с применением деталей, изготовленных поточным, машинным методом. При этом соблюдалась особая тщательность отделки: металл полировался, литые детали нередко прорабатывались вручную.

В собрании музея представлены разнообразные по технике исполнения, материалу и времени изготовления экспонаты.

Особой усложненностью формы отличаются самовары фабрик В. М. Дубинина, К. Я. Пеца и Ф. И. Эмме в Москве. Сложная вазообразная форма самовара из посеребренной меди с орнаментом в стиле рококо накладного серебра фабрики Дубинина дополняется причудливо изогнутыми ручками и фигурным основанием. Посеребренный самовар фабрики К. Пеца в форме вазы с рельефными ложками имеет костяные детали на ручках и ветке крана.

Фабрики второй половины XIX века таких предпринимателей, как В. С. Баташов и его преемники, И. Ф. Капырзин, А. Н. Воронцов, М. А. Зубов, Б. Г. Тейле, изготовляли более массовую продукцию. Красивы самовары простых форм, приближающихся к очертаниям яйца, шара или конуса. С такими формами хорошо сочетается зеркальная поверхность отполированной или никелированной латуни. Грушевидные самовары часто обрабатывались овальными или круглыми ложками.

В некоторых самоварах конца XIX - начала XX века имеются любопытные технические усовершенствования. Керосиновый самовар имеет в нижней части горелку и резервуар, спиртовой - спиртовку. Большого распространения подобные изделия не имели, в целом самовары сохраняли привычный вид и устройство.

Коллекцию самоваров и бульоток дополняют кофейные и чайные наборы из никелированного и посеребренного металла.

Музейное собрание фарфора и фаянса начало формироваться в 1920-х годах. Этому способствовали передачи предметов искусства из окрестных усадеб. В послевоенные годы музей провел большую и кропотливую работу по комплектованию собрания фарфора, как западноевропейского, так и русского. Наиболее интересные экземпляры из этих коллекций экспонируются на художественных выставках.

Датой рождения европейского фарфора можно считать 1709 год, когда Иоганну Бетгеру в Мейсене (Саксония) удалось разгадать секрет его производства. Это событие привело к перевороту в производстве европейской керамики. После обнаружения залежей каолина стало возможным получение твердого белого фарфора.

Первые изделия Мейсенской мануфактуры подражали китайским образцам. Такова в музейном собрании чашка-боль для шоколада с двумя ручками и росписью в золотистых рамках. В сложном рисунке удачно сочетаются элементы восточных мотивов с пейзажной росписью. Тщательно выписанные золотом домики в китайском стиле и фигурки фокусников не являются попыткой точного воспроизведения причудливых форм национальной архитектуры и костюмов, но удачно сочетают в себе переработанные, наиболее характерные стилистические признаки с деталями растительной орнаментации, создавая гармонически слаженную и выразительную, подчеркнуто декоративную систему росписи.

В музейной коллекции широко представлены разнообразные предметы мейсенского фарфора, украшенные пейзажной росписью и изображением жанровых сцен в пейзаже.

30 - 50-е годы XVIII века явились временем творческого расцвета скульптора Иоахима Кендлера. Им создаются модели бесчисленных полихромных фарфоровых статуэток. Одна из представленных в экспозиции статуэток, изображающая молодого человека в желтом камзоле, обращает на себя внимание характерной манерностью позы и мастерством проработки деталей.

Интерес к скульптуре сказался не только на расширении ее производства в середине XVIII века, но и на оформлении других изделий из фарфора 1740 - 1750-х годов. Так, тулово небольшой вазочки для цветов сплошь покрыто мелкими рельефными цветочками и обвито золотой ветвью со скульптурно вылепленными птичками. Тулова двух ваз-холодильниц сплошь покрыты лепными расписанными плодами, навершия крышек выполнены в виде ягод клубники. При создании ленных цветов и фруктов мастера стремились к предельной натуральности передачи. Обилие объемных украшений способствовало созданию неожиданных декоративных эффектов: обвитые лепными ветвями предметы частично теряли свою статичность и воспринимались в динамике сложных форм и очертаний.

Продукция Мейсенской мануфактуры второй половины XVIII века представлена наиболее полно. Это украшенные цветочной росписью тарелки, бутылочные и рюмочные передачи (т. е. емкости для подачи к столу бутылок и рюмок), подносики различных форм, чашки с блюдцами. Интересны и предметы с сюжетной росписью: два небольших блюдца с аллегорическими композициями «Май» и «Февраль».

1774 - 1814 годы деятельности Мейсенской мануфактуры связаны с именем скульптора К. Марколини. К концу XVIII века относится представленная на выставке скульптурная группа, изображающая жанровую сцену: женщину с кувшином и сидящего мужчину с виноградной гроздью в руках.

В 1753 году производство фарфора началось в Фюрстенберге. В экспозиции представлены рюмочные передачи с фигурными ручками в виде стеблей с листами аканта. Фестончатый край борта придает их вытянутым формам особую выразительность и вместе с декоративной росписью оформляет эти предметы.

Среди изделий Венской императорской фарфоровой мануфактуры, ведущей свою историю с 1718 года, - тарелка и круглое блюдо с высоким бортом. Декор этих предметов сочетает низкорельефную плетенку по борту с росписью букетами садовых цветов, непременно с сиреневой розой. Здесь же представлен фарфоровый поднос ромбической формы со скругленными углами, с приподнятым бортом и ручками в виде переплетающихся стеблей. В расписных букетах подноса, исполненных в розово-лиловой гамме, - розы, тюльпаны, георгины.

Изделия Севрской мануфактуры в собрании музея представлены первой третью XIX века, когда особое распространение получают сюжеты, почерпнутые из античности. На выставке экспонируются большой столовый сервиз с росписями, имитирующими античные камеи с изображениями римских императоров и героев мифологии, а также две вазы овоидной (яйцевидной) формы, с ручками в виде золоченых голов слонов. На одной из них в овальных рамках изображена Артемида с луком в руке, держащая за рога лань, и Аполлон, также с луком в руке и лирой у ног. Все предметы декорированы орнаментом из золотых лавровых листьев.

Собрание западноевропейского фарфора в Московском областном краеведческом музее дает возможность познакомиться с изделиями ведущих фарфоровых мануфактур европейских стран XVIII - XIX веков. Хронологические рамки коллекции позволяют проследить эволюцию основных технологических и художественных приемов, определивших различия в фарфоровом производстве.

Кроме западноевропейского фарфора в музее экспонируется и другой, более ранний по происхождению вид керамики - фаянс. Он отличается от фарфора более тонким пористым черепком белого или светло-серого цвета, который, в отличие от фарфора, не обладает способностью пропускать свет.

Если фарфоровое производство достигло наивысшего расцвета в XVIII веке, то производство фаянса уже в XVII столетии было хорошо развито во многих европейских странах.

Большой славой пользовалась фаянсовая продукция голландского города Дельфта. Она расписывалась кобальтом и обжигалась при высоких температурах. Популярны были изделия с изображением пейзажей и жанровых картин, столь характерных для голландского искусства.

На стопе из музейного собрания изображен пейзаж с мельницей на речном берегу в обрамлении растительного орнамента. Два кувшинчика, каждый с небольшой ручкой у горла, декорированы рельефными рокайльны-ми завитками и бусинками. На широких, сторонах тулов роспись: на одном - пейзаж с мельницей, на другом - с парусной лодкой у берега. Цилиндрической формы рукомой тоже украшен пейзажной росписью с мельницей и парусными лодками.

Могущественная голландская Ост-Индская компания ввозила изделия из Китая и Японии. В Европе экзотика входила в моду, это и побудило голландцев имитировать в фаянсе китайский и японский фарфор.

Экспонируемая в музее ваза с росписью из цветов и птиц в синих тонах - явное подражание китайской керамике. Аналогичен и расписной декор двух фаянсовых бра.

Во Франции во второй половине XVIII века большой известностью пользуется фаянсовая фабрика вдовы Перрен в Марселе. На выставке представлена ваза для фруктов в форме корзины с маркой этой фабрики. На зеркальной плоскости дна изображена пасторальная сцена. Борт прорезной, край борта и ручки сделаны в виде жгута из разноцветных прядей.

Дальнейшее усовершенствование технологии, относительная дешевизна по сравнению с фарфором, появление в первой половине XIX века техники печатного рисунка на керамике способствовали росту производства фаянсовой продукции для массового потребителя, также в небольшом количестве представленной в собрании музея.

Начало производства изделий из фарфора в России связано с именем талантливого русского ученого Дмитрия Ивановича Виноградова (1720 - 1758). На «порцелиновой мануфактуре» под Петербургом (с 1765 года - Императорский фарфоровый завод) в 1747 году он решил сложную технологическую задачу производства фарфора из отечественных материалов. Недостаточная отработка рецептуры массы для изготовления фарфора явилась причиной неоднородности качества первых изделий завода. Технологическими причинами было также обусловлено изготовление небольших вещей: табакерок, шпажных грифов, черенков для ножей и вилок, пуговиц, пасхальных яиц, а из посуды - чашек с блюдцами, сахарниц, солонок и других мелких предметов.

В музейном собрании представлено несколько солонок, особенности приемов росписи и фарфоровой массы которых позволяют отнести их к виноградовскому периоду деятельности завода.

Одна из солонок - в форме листа с высоко поднятым бортом, на трех ножках. Борт рельефный, в верхней части рифленый. Ручка в виде раковины. Скромная цветочная роспись не скрывает изъянов фарфоровой массы и глазури. Дополняя сложную форму предмета, она придает ему необходимую законченность.

Усовершенствование технологии, строительство новых больших муфельных печей открыло возможность изготовлять крупные объемные предметы из фарфора с применением разнообразных форм и способов декора.

В коллекции музея представлена относящаяся ко второй половине XVIII века сухарница в форме плетеной овальной корзинки с ажурным бортом. В декоре сухарницы удачно сочетаются элементы рельефа и живописи, что придает предмету особое изящество.

Предметы коллекции второй половины XVIII века как в форме, так и в росписи повторяют достигнутое в предыдущий период: кашпо, бутылочная передача и некоторые другие изделия удачно это показывают. Но в то же время в русском фарфоровом производстве создаются и произведения, форма и декор которых приобретают новые черты, черты эпохи классицизма. В музейной коллекции к этому направлению относится настольный фарфоровый обелиск, выполненный в честь Кючук-Кайнарджийского мира в 1774 году,

В первой четверти XIX века деятельность Императорского фарфорового завода характеризуется единством художественного направления. Этим направлением стал характерный для всего европейского искусства того времени стиль ампир.

В экспозиции представлен чайно-кофейный сервиз, формы предметов которого напоминают формы античных сосудов. Здесь используются не только различные орнаментальные мотивы, но и разнообразные приемы и способы декора, придающие предметам особую нарядность. Полихромная роспись сочетается с темно-бордовым крытьем (красочным покрытием) и обильной позолотой. Золоченые части предметов, в свою очередь, декорированы цировкой (гравировкой по золоту). Изысканные формы предметов сервиза прекрасно сочетаются с яркой декоративной росписью и позолотой, создавая строгое, стилистически выдержанное единство.

Многие изделия Императорского фарфорового завода второй четверти XIX века отмечены эклектичностью. Значительную часть продукции составляют придворные и казенные заказы.

В музейном собрании хранится столовый сервиз, отличающийся простотой форм. Подчеркнутая геометричность очертаний выявляет красоту белой фарфоровой массы, являющейся прекрасным фоном для росписи. На предметах сервиза изображены двухфигурные жанровые сценки на фоне пейзажей, характерные для росписи европейского фарфора середины XVIII века. Широкие золотые отводки сообщают изделию конструктивную четкость, служа одновременно и обрамлением для росписей.

Широко представлены в музейном собрании произведения из фарфора фабрики обрусевшего английского купца Франца Гарднера, основанной в 1766 году в с. Вербилки близ г. Дмитрова Московской губернии.

Предприятие Ф. Я. Гарднера носило коммерческий характер, поэтому среди его изделий были и более простые и дешевые (для продажи), и дорогие художественные, выполненные на заказ. К первой категории в музейной коллекции относятся соусник, молочник, тарелки, чайницы. Это предметы простых строгих форм, украшенные небольшими расписными букетами, неотъемлемой частью которых является характерный только для фабрики Гарднера розан.

Более сложное декоративное оформление имеет сахарница с ажурной плетенкой в верхней части полусферического тулова и в нижней части крышки. Сахарница расписана многоцветными букетами и отдельными цветочками, в диагональной плетенке борта тулова и крышки помещены рельефные зеленые розетки с желтыми сердцевинами.

На выставке можно увидеть корзину для десерта с волнистым ажурным бортом и рельефной гирляндой из цветов и листьев, выполненную в форме корзины из знаменитого Георгиевского сервиза, только без орденского креста и ленты. Плетенка ажурного борта корзины придает ей, несмотря на значительный размер, легкость и выступает важным средством в решении художественного оформления.

Скульптуре на фабрике Гарднера в XVIII веке уделялось меньше внимания, чем посуде, однако статуэтки изготовлялись со времени ее основания и на первых порах явно испытывали влияние мейсенской скульптуры. Скульптура «Юный садовник», относящаяся к 1780-м годам, представлена на выставке.

В XIX веке фабрика Гарднера также, как и Императорский фарфоровый завод, начинает использовать для росписи изделий антикизированные орнаментальные мотивы, пейзажи и фигурные изображения.

К середине XIX века качество фарфоровых изделий резко снижается. Выпускаемая в это время продукция ориентирована на определенного социального заказчика - средние слои населения.

В экспозиции представлен чайный сервиз 1860-х годов, цветочная роспись предметов которого выполнена на фоне голубого крытья, постепенно темнеющего до черного цвета. Более сложные формы предметов и новое понимание декоративности, доводимой порой до пестроты, сочетаются с отдельными деталями, позаимствованными у предыдущего периода: это и ручки в виде двух переплетающихся стеблей с листиками на концах, и отмеченные тонкими золотыми отводками края борта и основания.

Фарфоровые статуэтки фабрики Гарднера, изображающие национальные типы России, в середине XIX века приобрели большую популярность. Выполнялись и статуэтки, изображающие персонажей литературных произведений. На выставке можно увидеть скульптурки героев «Мертвых душ» Н. В. Гоголя.

Из других частных русских заводов, производивших предметы из фарфора в XIX веке, в музейном собрании имеются изделия завода А. Г. Попова в с. Горбунове Дмитровского уезда, для которых характерны прекрасное качество фарфоровой массы и высокий уровень художественного оформления.

Особой декоративностью отделки отличаются тарелки с росписью в резервах (поверхностях, лишенных окраски). Интересна грелка с заварным чайником, выполненная в форме крепостной башни. Среди представленных в экспозиции предметов фабрики А. Г. Попова обращает на себя внимание и ваза с туловом кобальтового крытья и пейзажной росписью в картушах.

В 1835 году в Санкт-Петербурге был основан завод купцом М. С. Корниловым с братьями. Для работы были приглашены мастера с лучших русских заводов. Изделия завода отличались высоким качеством, что принесло его продукции мировую известность.

В музейном собрании завод представлен чайным сервизом 1830-х годов. Полусферические граненые формы предметов с ручками в виде акантовых стеблей дополнены рельефными листами аканта и завитками. Букетики из роз, васильков, вьюнков и других цветов выполнены в нежных розовых, голубых и зеленых тонах. Мелкая цветочная роспись подчеркивает белизну фарфора и позволяет по достоинству оценить его высокое качество. Фигурные сложные ручки хорошо сочетаются с рельефным золоченым декором предметов, в которых еще видны очертания классических форм.

На общем фоне фарфорового производства в России XIX века особое место занимает такое самобытное явление, как Гжельский керамический район. Фарфоровое производство появилось в нем в XIX веке. Мелкие крестьянские заводики с небольшим количеством рабочих изготовляли фарфоровую продукцию с учетом вкусов мещанства, крестьянства - дешевую, с неприхотливой росписью, и одновременно стремились подражать высокохудожественным изделиям из фарфора ведущих русских заводов.

Экспонируемые тарелки, кружки, чайники, чашки с блюдцами - типичные образцы продукции крестьянских заводов с яркой цветочной росписью.

Молочник завода Гулиных (1830 - 1850-е годы) строгой классической формы с пейзажной росписью в прямоугольном резерве, обильно вызолоченный в верхней и с рельефными акантовыми листьями в нижней части тулова успешно следует образцам ведущих заводов того времени.

Чайный сервиз фабрики А. Л. Киселева (1850-е годы) восхищает сложными формами предметов кобальтового крытья с цветочной росписью в фигурных белых резервах, золотым сетчатым орнаментом на кобальтовом фоне, густым золочением ложчатых нижних частей всех предметов. Сочетанием кобальтового фона с позолотой достигается особая декоративность в росписи сервиза.

Конической формы миска, кружка и глубокая тарелка завода М. Дунашова (вторая половина XIX века) оформлены несложным орнаментом из зеленых листьев и золотыми волнистыми отводками.

В коллекции широко представлены созданные на Гжельских крестьянских фарфоровых заводах статуэтки, изображающие народные типы - крестьян, ремесленников, торговцев, полные непосредственности и обаяния жанровые сцены: «Мальчики, дерущиеся после игры в бабки», «Мальчик с раком». Тонким юмором проникнуты изображения «Медведь-библиофил» и «Обезьяна-дирижер».

Музейное собрание западноевропейского и русского фарфора позволяет более или менее последовательно проследить общую линию развития этого вида декоративно-прикладного искусства.