Записки музыковеда 4

Глава 18. Музыкальная Франция. Май

Май особенно богат годовщинами французских музыкантов. О некоторых из них, родившихся в мае, эта глава.

Паганини органа

137 лет назад, 3 мая 1886 года в Руане, в музыкальной семье, родился французский композитор, педагог и один из крупнейших органистов XX столетия Марсель Дюпре. Отец Марселя был великолепным органистом, мать — талантливой виолончелисткой и пианисткой. Естественно, Дюпре, который был ярко выраженным вундеркиндом, начал получать музыкальное образование в семье. В восьмилетнем возрасте Марсель был приглашен на презентацию нового органа в городе Эльбёф, где исполнил сложную органную прелюдию Баха. В 1897 году с ним начал заниматься выдающийся органист, педагог и композитор Александр Гильман.

Совершенствованию Дюпре как органиста не помешали два постигшие его несчастья. В четырехлетнем возрасте вследствие развившегося у мальчика остеомиолита пришлось удалить его правую ключицу — тогда Марсель на полгода был прикован к постели. А через семнадцать лет в результате несчастного случая его правая рука была обездвижена более чем на месяц. Но Марсель и здесь не пал духом, а придумал сложную систему упражнений, при помощи которой совершенствовал работу ног при пользовании педалью.

Когда Марселю было 14 лет, друг его отца, знаменитый строитель органов Аристид Кавай-Коль, поставил в их доме великолепный орган.

В 1904 году Дюпре поступил в Парижскую консерваторию по классам фортепиано, органа и композиции. Его наставником становится знаменитый органист и композитор Шарль-Мари Видор, который через два года сделал Марселя своим ассистентом в церкви Сен-Сюльпис. Уже тогда М. Дюпре успешно концертировал. Успешными были и его первые композиторские опыты. В июле 1914 года кантата «Психея» принесла ему Римскую премию. Однако поселиться как ее лауреату на вилле Медичи помешала первая мировая война.

Само собой разумеется, перенесенные травмы сделали Марселя полностью непригодным к военной службе. Он остался в Париже, доводя до совершенства свою органную технику и создавая новые произведения, в основном церковную музыку.

После войны М. Дюпре вернулся к активной концертной деятельности. Среди прочего, в 1920 и 1921 годах он дал в консерватории две серии по десять концертов, включавших все органные произведения Баха, при этом исполнил их по памяти. В следующем году эта беспримерная серия была повторена в парижском дворце Трокадеро.

В том же году музыкант отправился в грандиозный гастрольный тур по США, спонсировавшийся известным предпринимателем Джоном Ванамайкером, в распоряжении которого имелись великолепные органы. Дюпре дебютировал в Нью-Йорке, в Филадельфии он дал 18 сольных концертов. В общей сложности музыкант сыграл 94 сольных концерта в 1922 году и 110 в 1923 году.

В 1925 Дюпре переехал в Мёдон. Это живописнейшее парижское предместье в XIX веке — ХХ веках стало подлинной меккой для творческих людей. Здесь жили Мопассан, Роден, Ренуар и Мане. С Мёдоном связаны последние годы жизни писателей Рабле и Селина. Рихард Вагнер сочинил здесь «Летучего голландца», а Марина Цветаева — посмертное послание к Рильке. В следующем году Дюпре стал профессором Парижской консерватории, где преподавал до 1954 года. Среди его учеников в классе органа — Оливье Мессиан. В это время М. Дюпре создал целый ряд ценных трудов и методических пособий по теории и практике органной игры. С 1954 по 1956 годы Дюпре — ректор консерватории.

В 1929 году Дюпре провел грандиозный концерт на стадионе в Чикаго, о котором сам отозвался так: «… Это было так, как если бы самого страстного любителя шоколада бросили в бассейн, наполненный шоколадом…».

В 1939 году он совершил масштабный мировой тур, дав 40 концертов в Австралии и 60 в США и Канаде, включая исполнение всех органных сочинений Баха в Монреале. Его слава продолжала постоянно расти. В 1947 году он принял обязанности генерального директора Американской консерватории в Фонтенбло.

Долголетняя дружба связывала Дюпре с выдающимся русским композитором Николаем Метнером. Вместе с русской скрипачкой Цецилией Ганзен Метнер выступал в концерте, который состоялся 3 ноября 1927 года в Мёдоне в доме М. Дюпре. Они сыграли Вторую сонату Дюпре для скрипки и фортепиано.

Хотя большинство сочинений Дюпре-композитора созданы для органа, каталог его музыкальных произведений также включает музыку для фортепиано, оркестра и хора, камерную музыку, ряд переложений.

Дюпре отредактировал и снабдил методическими указаниями издания органных произведений Баха, Генделя, Моцарта, Листа, Мендельсона, Шумана, Сезара Франка и Александра Глазунова. Среди его научно-методических трудов Методика игры на органе (1927), 2 трактата по органной импровизации (1926 и 1937) и книги по гармоническому анализу (1936), контрапункту (1938), фуге (1938) и сопровождению григорианского песнопения (1937), а также очерки по органостроению, акустике и философии музыки. Когда Дюпре не играл и не сочинял, он писал книги. Его природный талант умножался на необыкновенное трудолюбие.

Как импровизатор Дюпре преуспел, как, пожалуй, никто другой в XIX — ХХ веках. На заданную тему он мог импровизировать монуменальные композиции, используя при этом сложные полифонические приемы, в том числе и фуги.

Совершенная техника, которой обладал Дюпре, делала при жизни композитора его органные сочинения практически неисполнимыми для всех, кроме него самого. В этом отношении его часто сравнивают с Паганини. Иногда акцент на виртуозности наносит ущерб содержательности музыки, но к М. Дюпре это никак не относится. Его лучшие органные сочинения на редкость цельны и содержательны.

Марсель Дюпре умер в 1971 году. До самой смерти он служил органистом в церкви Сен-Сюльпис.

Французский день музыкального календаря

12 мая — день рождения двух выдающихся французских композиторов.

В 1842 году в Монто, предместье Сент-Этьенна, родился Жюль Массне, которому было суждено внести большой вклад в развитие французского музыкального искусства.

Уроки музыки начала давать ему мама, талантливая пианистка. В 1848 году семья Массне обосновалась в Париже. Успехи мальчика в музыке были настолько блестящи, что после прослушивания в Парижской консерватории Жюль единогласным решением экзаменаторов был принят в учебное заведение в возрасте 9 лет. Один из экзаменаторов, знаменитый композитор Амбруаз Тома, стал наставником Массне на время учебы.

В студенческие годы Жюль не захотел «сидеть на шее» у семьи, и постоянно подрабатывал: давал частные уроки музыки, играл в оркестре на ударных, работал концертмейстером. На одной из таких «подработок» юный композитор познакомился со своим музыкальным кумиром, Рихардом Вагнером. По окончании консерватории за кантату «Давид Риццио» Массне был удостоен Римской премии— высшей награды Франции в области искусства. Полученный приз позволил композитору провести более двух лет в Риме, на вилле Медичи. Но и здесь Жюль работал — он устроился в собор Св. Петра. Это помогло ему изучить музыку немецких и итальянских композиторов прошлого. Он лично познакомился с Ференцем Листом.

По возвращении во французскую столицу в 1867 году была исполнена, правда, без особого успеха, первая опера Массне "Двоюродная бабушка". Но уже следующей его опере, "Дон Сезар де Базан", сопутствовал больший успех. А созданная в 1877 году опера "Царь Лахорский" заставила весь Париж говорить о Массне. Восемь итальянских оперных театров, Берлин, Вена, Дрезден, Лондон, — «Царя» ставили везде. Талант и трудолюбие помогли композитору во второй раз покорить Париж. Массне был очень плодовитым автором. Благодаря привычке рано вставать, композитор каждый день с 4 утра до полудня сочинял музыку, а во второй половине дня преподавал.

Карьера Массне достигла вершины. Дирижеры Ж. Падлу и Э. Колонн включают в свои программы увертюры и сюиты Массне. В 1873 году с успехом была поставлена античная поэма Леконта де Лиля "Эринии" по Эсхилу, к которой Жюль Массне написал музыку, в том числе знаменитую "Элегию". Она позднее стала излюбленным концертным номером Шаляпина. А созданная в том же году оратория ("Священная драма") Массне «Мария Магдалина» с Полиной Виардо в заглавной роли (впоследствии исполненная в Ницце как опера) стала настоящим триумфом композитора.

В 1876 году маэстро стал Кавалером ордена Почетного Легиона. В 1878 году Массне был избран членом Института Франции. В том же году его пригласили преподавать в Парижскую консерваторию. Среди его учеников — А. Брюно, П. Видаль, Р. Ан, К. Леру, Г. Шарпантье, Ф. Шмитт, Ш. Кёклен и многие другие видные композиторы. После Гуно Массне является самым популярным композитором французской лирической оперы. При жизни Массне пользовался во Франции большим авторитетом и уважением; премьеры его произведений были значительным музыкальным событием.

Вершинами творчества Массне являются написанные в 80-х с перерывом в два года "Вертер" по роману Гёте и особенно "Манон" по новелле Прево. Через десять лет Пуччини не побоялся написать на тот же сюжет собственную оперу, и на вопрос, как же он на это решился, ответил, точно подметив различие в подходе, так: «Массне написал «Манон» как француз — с пудрой и менуэтами. Я же напишу как итальянец — с отчаянием и страстью». И «Вертер», и «Манон» с их знаменитыми ариями занимают по сей день почетное место на мировой оперной, в том числе русской, сцене.

В 1894 году Массне создал оперу "Таис" на либретто Луи Галле по мотивам одноимённого романа Анатоля Франса. Сама опера на сцене не удержалась, но огромную популярность приобрел один ее фрагмент — "Размышление" для скрипки соло с оркестром.

Жюль Массне написал множество произведений в самых разнообразных жанрах, но опера, конечно, была для него главным. Продолжение линии развития лирико-романтической оперы блистает в творчестве композитора мягким лиризмом, поэтичностью, изяществом мелодики, ритмической изобретательностью.

Композитор «чувствовал» оперу, понимал потребности парижской публики. В результате написал ряд произведений, сделавших его ведущим оперным французским композитором конца XIX — начала XX века. Легко и быстро работая, Массне создавал мелодичные, искусно построенные произведения, рассчитанные на вкусы современного композитору слушателя. Правда, критики не раз подмечали в операх Массне некоторую салонность, недостаточно глубокую обрисовку характеров. Эти черты особенно заметны в произведениях Массне последнего периода, как, например, в опере "Дон-Кихот" — её не могло спасти даже блестящее исполнение Ф. И. Шаляпина, создавшего величественный и трогательный образ испанского идальго. Однако эти недостатки с лихвой возмещаются привлекательными чертами оперного творчества Массне. Его оперы очень выигрышны для вокалистов, отличаются изысканной инструментовкой. В них преобладает ариозно-декламационный вокальный стиль, большим мастером которого был Массне.

Его называли "поэтом женской души": центральное место в операх композитора занимают женские образы, в которых он как бы обощал черты своих французских современниц.

В своих операх Массне отдавал дань и вагнерианству ("Эсклармонда") и даже веризму ("Наваррьянка", "Сафо"). В свою очередь оперы Массне оказали некоторое влияние на молодого Дебюсси и на раннее творчество Пуччини. Среди сочинений Массне представляют также интерес колоритные симфонические сюиты, которые он называл сценами.

Композитор ушел из жизни в зените славы 13 августа 1912 года и похоронен в Париже.

А ровно через три года после Массне появился на свет Габриель Форе — выдающийся композитор, органист, пианист, дирижер, музыкальный критик. Его называют сыном юга Франции, края солнца и песен. Его жизнь проходила в эпоху важных исторических событий. Франция Луи-Филиппа медленно приходила в себя от двух революций. Чтобы добраться из родного города музыканта Памье в Париж, требовалось, так же, как и в XVIII веке, несколько дней пути в тряском дилижансе. Но страна была на заре своего индустриального развития — когда Форе ушел из жизни, по дорогам уже ездили автомобили. Форе принял участие в последних битвах франко-прусской войны, был свидетелем событий Парижской коммуны, пережил Первую мировую войну.

И в искусстве одна эпоха сменяла другую. Еще царил романтизм, расцветало творчество Гюго, Делакруа, Мендельсона, Шумана, в Байройте проходили вагнеровские фестивали. Но в салонах уже с успехом выставлялись картины Кандинского и Пикассо; уже была написана опера Берга «Воццек», Шенберг декларировал принцип додекафонизма, создавал свои первые опусы Мессиан.

Как это обычно и бывает когда дело касается большого таланта, одаренность Габриеля была рано замечена, но проявилась она своеобразно: в робких импровизациях на фисгармонии местной церкви. Форе был отправлен в Париж, в Школу классической и религиозной музыки. Здесь будущий композитор приобрел необходимую профессиональную подготовку, изучил большое количество произведений, среди которых важное место занимала старинная музыка, начиная с григорианского хорала. Такая стилистическая ориентация отразилась в творчестве зрелого Форе, возродившего, подобно многим крупнейшим композиторам XX в., некоторые принципы музыкального мышления добаховской эпохи. Но особенно значимой для молодого музыканта стала тогда учеба у Сен-Санса. Между учителем и учеником сложились отношения полного доверия и общности интересов. Этот крупнейший композитор привил ученику любовь к творчеству немецких романтиков, мало известных тогда во Франции. Он стал для Форе другом на всю жизнь. Видя исключительную одаренность ученика, Сен-Санс не раз доверял ему заменять себя в некоторых выступлениях, позже посвятил ему свои «Бретонские впечатления» для органа, использовал тему Форе во вступлении своего Второго фортепианного концерта.

Окончив Школу с первыми премиями по композиции и фортепиано, Форе едет в Бретань, где работает церковным органистом и с большим успехом музицирует в светском обществе. Вскоре Сен-Санс помогает ему устроиться органистом в небольшой парижской церквушке. Значительную роль в судьбе Форе сыграл салон знаменитой певицы Полины Виардо. Позже композитор писал ее сыну: «Я был встречен в доме твоей матери с доброжелательностью и приветливостью, которых никогда не забуду».

Общение с Тургеневым положило начало связям с деятелями русского искусства. Позже у него завязываются знакомства с Танеевым, Чайковским, Глазуновым, в 1909 г. Форе приезжал в Россию и выступал с концертами в Петербурге и Москве.

В салоне Виардо нередко звучали новые произведения Форе. К этому времени он сочинил большое количество романсов (в т. ч. знаменитое Пробуждение, которое больше известно в переложении для скрипки или виолончели). Эти пьесы привлекают слушателей мелодической красотой, тонкостью гармонических красок, лирической мягкостью. Восторженные отклики вызвала скрипичная соната. Танеев, услышав ее во время пребывания в Париже, писал: «Я от нее в восторге. Может быть, это самое лучшее сочинение из всех тех, которые я здесь слышал… Самые оригинальные и новые гармонии, самые смелые модуляции, но при этом ничего резкого, раздражающего ухо. Красота удивительная!»

Но личная жизнь композитора сложилась неудачно. После разрыва помолвки с дочерью Виардо Форе пережил тяжелое потрясение, от последствий которого избавился лишь через 2 года, создав «Балладу» для фортепиано с оркестром, отличающуюся выразительной мелодикой, тонкостью гармонических красок — здесь Форе развивает традиции листовского пианизма. Женитьба на дочери скульптора Фремье (1883) и успокоение в семье сделало жизнь Форе более счастливой. В фортепианных произведениях и романсах этих лет композитор достигает удивительного изящества, тонкости, созерцательного удовлетворения. В это время у него уже развивается трагичная для музыканта болезнь слуха. Это приводит к тяжелой депрессии, из которой благодаря своему стойкому характеру Форе все же выходит победителем.

Форе являлся профессором Парижской консерватории, а с 1905 — ее ректором. В числе его учеников — М. Равель, Н. Буланже, Дж. Энеску, А. Казелла. Огромное значение для развития французской музыки имела общественная активность Форе. Он принимает живое участие в деятельности Национального общества, призванного пропагандировать музыкальное искусство Франции. Выступая всегда защитником нового и прогрессивного в искусстве, Форе в 1910 г. не отказывается стать президентом альтернативного Независимого музыкального общества, организованного не принятыми в Национальное общество молодыми музыкантами. Членами этого общества стал ряд учеников Форе, среди которых и Равель. В 1917 году Форе добился объединения французских музыкантов путем введения «независимых» в Национальное общество, что оздоровило атмосферу концертной жизни.

Самые крупные удачи сопутствовали излюбленным Форе камерным жанрам. Но успех был и у его немногих произведениий в крупных жанрах. Форе принял участие в открытии первого концертного сезона XX столетия, сочинив музыку к лирической драме «Прометей» (по Эсхилу). Это было колоссальное предприятие, в котором приняло участие 800 исполнителей и которое проходило во «французском Байройте» — в театре под открытым небом среди Пиренеев на юге Франции. В момент генеральной репетиции разразилась гроза. Молния упала на арену прямо в место, где Прометей должен был высекать огонь (какое символичное совпадение!), декорации оказались в плачевном состоянии. Однако погода улучшилась, и премьера имела ошеломляющий успех. В годы Первой мировой была создана опера «Пенелопа», которая звучала с особым смыслом для патриотов-французов. По словам Жозефа де Марлиава, эта опера — "безупречный шедевр и один из самых совершенных образцов театральной музыки». А последние сочинения этого мастера поражают экспрессией и внутренней энергией.

Форе — музыкант безусловно XIX столетия, но в то же время классик и XX века. И классик весьма необычный, впрочем, как и необычный представитель ушедшей эпохи романтизма и символизма.

Искусство Форе загадочно. «Французский Шуман», «поэт интимности», «мастер очарований» — так его называли современники. Критики писали о Форе: «Ум элегантный, светский, невероятно изысканный»; «он — музыкант элегий, нашептываемых исповедей и грез». Хочется привести слова Онеггера, пытавшегося еще в середине ХХ столетия объяснить тайну музыки Форе: «Как многим другим, мне казалось, что замечательная сдержанность его речи пренебрегает силой. Элегантная небрежность некоторых линий побуждала меня думать о какой-то преднамеренной легковесности. Вплоть до гибкой неопределенности гармонии, уводящей от бетховенской неуклонности, которая лежит в основе моего музыкального образования. Меньше всего магические свойства этой музыки можно объяснить словесно. Я не знаю музыки, которая была бы более чистой и только музыкой, за исключением, быть может, музыки Моцарта».

Форе было неполные 80 лет, когда в ночь с 3 на 4 ноября 1924 года он тихо скончался. Отпевание музыканта состоялось в храме Мадлен под звуки его собственного Реквиема, когда-то здесь же впервые и прозвучавшего под управлением автора — шедевра, полного мягкой и благородной скорби. Композитор завершил свой долгий жизненный и творческий путь, охвативший целую эпоху в истории музыкального искусства.

Парадоксы Эрика Сати

Как уже говорилось, май очень урожаен на годовщины французских композиторов, и все эти фигуры настолько интересны, что ни одну из них не хочется обойти вниманием. Сегодня — о фигуре весьма неоднозначной, даже в какой-то степени эпатажной. Но при этом про музыканта даровитого и очень важного для французской и, еще более, мировой музыкальной культуры.

Эта статья посвящена 157-й годовщине со дня рождения Эрика Сати — одного из самых значительных, и в то же время, вероятно, самого парадоксального и непоследовательного французского композитора конца XIX — первой половины ХХ веков. На протяжении своей относительно недолгой жизни Сати не раз поражал современников кардинальными изменениями в своих убеждениях — он сегодня рьяно выступал в своих творческих декларациях против того, что вчера не менее рьяно защищал. В нем жил какой-то беспокойный, бунтарский дух, он не признавал никаких традиций.

Сати родился 17 мая 1866 года в нормандском городе Онфлёр (департамент Кальвадос). Когда ему было четыре года, семья переехала в Париж. Затем, в 1872 году, после смерти матери, детей снова отправили в Онфлёр. Лишь когда Эрику исполнилось 12 лет, семья окончательно перебралась в Париж, и начались серьезные занятия музыкой. В 18 лет Сати поступил в Парижскую консерваторию, но после двух с половиной лет не слишком успешной учебы он был исключен. Сати уходит добровольцем в армию, в 1885 г. снова поступает в консерваторию — и снова её не заканчивает. В 1888 году Сати пишет «Три гимнопедии» (Trois gymnopédies) для фортепиано — произведение, которое основано на свободном использовании последовательностей однотипных аккордов.

В это время он зарабатывал себе на хлеб тапером в маленьких кафе на Монмартре. Одним из посетителей оказался Клод Дебюсси, которого заинтересовали оригинальные гармонии в импровизациях молодого пианиста. Знакомство перешло в длительную дружбу, и уже приобретавший известность композитор даже взялся за оркестровку цикла Сати «Гимнопедии».

А в 1892 году творчество Сати, разработавшего собственную систему композиции, суть которой заключалась в том, что для каждой пьесы Сати сочинял несколько — часто не более пяти-шести — коротких пассажей, после чего пристыковывал эти элементы друг к другу безо всякой системы, привлекает внимание молодого Мориса Равеля. Он был старшим товарищем недолго просуществовавшего дружеского объединения композиторов «Шестёрки». Четыре композитора из этого содружества были наиболее талантливы и значительны — Онеггер, Пуленк, Орик и Мийо, и вскоре они пошли каждый своим путем. Но хотя композиторы «Шестёрки» не имели никаких общих идей и даже эстетики, их объединяла общность интересов, выражавшееся в неприятии всего расплывчатого и стремлении к чёткости и простоте — как раз к тому, что было в произведениях Сати. Кроме того, Сати первому приходит в голову идея «подготовленного фортепиано», которой впоследствии широко пользовался Джон Кейдж.

В это время композитор перебирается в пригород Парижа Аркей. Он поселяется в скромной комнате на втором этаже над маленьким кафе, и никто из друзей не может проникнуть в это убежище композитора. За это Эрика прозвали «аркейским отшельником». Он живет в одиночестве, избегая встреч с издателями, уклоняясь от выгодных предложений театров, но время от времени появляясь в Париже с каким-нибудь новым сочинением. Наиболее интересны среди них «Месса бедняков» для хора и органа, «Холодные пьесы» для фортепиано.

Весь музыкальный Париж повторял остроты Сати, его меткие, иронические, часто язвительные афоризмы об искусстве, о коллегах-композиторах.

В 1905 году Сати поступает в Schola cantorum, недавно открытую композитором Венсаном д´Энди новую парижскую консерваторию. Через четыре года 43-летний Эрик Сати наконец-то получает высшее музыкальное образование. В 20-х годах он начинает публиковать сборники фортепианных пьес, необычных по форме, с экстравагантными названиями: «Три пьесы в форме груши», «В лошадиной шкуре», «Автоматические описания», «Сушеные эмбрионы». К этому же периоду относится также ряд эффектных мелодичных песенок-вальсов, быстро завоевавших популярность. В это время он уже выступал против того, что раньше с пылом защищал. Если раньше Сати возражал против слепого подражания Вагнеру, за развитие нарождающегося музыкального импрессионизма, который символизировал возрождение французского национального искусства, то теперь нападал на эпигонов импрессионизма, противопоставляя его расплывчатости и утонченности четкость, простоту, строгость письма.

До своего пятидесятилетия композитор был практически неизвестен широкой публике — саркастичный, желчный, замкнутый человек, он жил и работал отдельно от музыкального бомонда Франции. Широкой публике Сати стал более или менее известен благодаря Морису Равелю, устроившему цикл его концертов в 1911 году и познакомившим его с хорошими издателями. В 1915 году Сати сближается с поэтом, драматургом и музыкальным критиком Ж. Кокто, который предложил ему в содружестве с Пикассо написать балет для труппы Дягилева. Премьера балета «Парад» состоялась в 1917 г. под управлением Э. Ансерме. Слова из манифеста Кокто: Довольно облаков, туманов и аквариумов, водяных нимф и ароматов ночи; нам нужна музыка земная, музыка повседневности! — стали для Сати ориентиром. Нарочитый примитивизм и подчеркнутое пренебрежение к красоте звучания, введение в партитуру звуков автомобильных сирен, стрекота пишущей машинки и других шумов вызвало шумный скандал в публике и нападки критики, что не обескуражило композитора и его друзей. В музыке «Парада» Сати воссоздал дух мюзик-холла, интонации и ритмы бытовых уличных мелодий. С этого времени, во всяком случае, об Эрике Сати заговорили.

Написанная в 1918 г. музыка «Симфонических драм с пением Сократ» на текст подлинных диалогов Платона стала полной противоположностью «Параду», несмотря на то, что эти сочинения разделяет всего лишь год. Здесь музыка ясная, сдержанная, даже суровая, внешние эффекты начисто отсутствуют.

Закончив «Сократа», Сати стал проводить в жизнь идею «меблировочной музыки», представляющей как бы звуковой фон повседневной жизни. Это музыка, которую не надо специально слушать. Здесь Эрик Сати также явился первооткрывателем и предтечей минимализма. Его навязчивые, въедливые мелодии, повторяющиеся сотни раз без малейшего изменения и перерыва, звучащие в магазине или в салоне во время приёма гостей, опередили своё время на добрые полвека.

Последние годы жизни Сати провел в уединении, живя в Аркее. Он порвал всякие отношения с «Шестеркой» и собрал вокруг себя новую группу композиторов, которая получила название «Аркейская школа». Основным эстетическим принципом этого творческого союза было стремление к новому демократическому искусству. К этому времени относится весьма экстравагантный документ, написанный Сати — «Распорядок дня музыканта».

Художник должен упорядочить свою жизнь. Вот точное расписание моих занятий на день: Подъем: в 7 ч. 18 мин.; вдохновение: с 10 ч. 23 мин. до 11 ч. 47 мин. Обедаю в 12 ч. 11 мин. и встаю из-за стола в 12 ч. 14 мин. Спасительная прогулка верхом в глубине моего парка: с 13 ч. 19 мин. до 14 ч. 53 мин. Очередной приступ вдохновения: с 15 ч. 12 мин. до 16 ч. 07 мин. Различные занятия — фехтование, размышления, замирание, посещения, созерцание, разработка ловкости рук, плавание и т. д.: с 16 ч. 21 мин. до 18 ч. 47 мин. Ужин накрывается в 19 ч. 16 мин. И заканчивается в 19 ч. 20 мин. Затем следуют симфонические чтения вслух: с 20 ч. 09 мин. до 21 ч. 59 мин. Обычно мой отход ко сну происходит в 22 ч. 37 мин. Раз в неделю — внезапное пробуждение в 3 ч. 19 мин. (по вторникам). Я ем исключительно белую пищу: яйца, сахар, тертые кости; сало мертвых животных; телятину, соль, кокосовые орехи, курицу, сваренную в свинцовом сахаре; плесень фруктов, рис, репу; камфорную колбасу, лапшу, сыр (белый), ватный салат и некоторые виды рыб (без шкурки). Пью кипяченое и остуженное вино, разбавляя его соком фуксии. У меня хороший аппетит; но я никогда не разговариваю во время еды из боязни подавиться. Дышу я аккуратно (каждый раз понемногу). Танцую редко. Во время ходьбы держусь за бока и пристально смотрю назад. У меня очень серьезный вид, и если я смеюсь, то делаю это нечаянно. За что извиняюсь всегда и искренне. Сплю только одним глазком; сон мой весьма крепок. Кровать у меня круглая с дыркой для головы. Каждый час появляется слуга с градусником; он забирает мою температуру и оставляет мне чужую. Я уже давно выписываю журнал мод. Ношу белую шапку, белые чулки и белый жилет. Мой врач неизменно советует мне курить табак. После традиционной рекомендации он всякий раз добавляет: — Курите, друг мой! Иначе вместо вас закурит кто-то другой.

Сати вообще был эксцентричен, свои сочинения он писал красными чернилами и любил разыгрывать друзей, порой грубовато и желчно. В его пьесе «Досада» небольшую музыкальную тему необходимо повторить 840 раз. И, хотя он для своей «меблировочной музыки» использовал мелодии Камиля Сен-Санса, он его искренне ненавидел.

В последние годы жизни Эрик Сати уже страдал циррозом печени вследствие хронического алкоголизма. Смерть его 1 июля 1925 года прошла почти незамеченной.

Заслуги Сати в развитии музыкального искусства несомненны. Под его непосредственным влиянием сформировались такие известнейшие композиторы, как Клод Дебюсси, Морис Равель, композиторы «Шестерки». Творчество Сати оказало сильное влияние на Дмитрия Шостаковича, в частности, оно заметно в балете «Болт». Шостакович услышал произведения Сати уже после его смерти, в 1925 году, во время гастролей французской «Шестёрки» в Петрограде. В течении десятилетия, в парижский период своего творчества, одним из ярких последователей Сати был Игорь Стравинский. Испытав большое влияние Сати, в своих операх «Истории солдата» и «Мавра», он перешел от импрессионизма и постимпрессионизма русского периода к почти скелетному стилю музыки, упростив стиль письма.

Только в 50-х годах XX века творчество французского композитора стало возвращаться в активное пространство. Сегодня Эрик Сати является одним из самых часто исполняемых композиторов XX века. Особенно это относится к его фортепианным сочинениям. Но есть подвижки и в отношении других произведений Сати. 22 марта 1973 года состоялась реконструкция балета «Парад» труппой «Сити Сентер Джофри бэллей» на сцене «Сити Сентер» в Нью-Йорке. Руководили постановкой художественный директор труппы Роберт Джоффри и хореограф Леонид Мясин. В возрождении балета участвовал художник Дуглас Купер — соавтор Пикассо при премьерном показе балета. Новая постановка «Парада» состоялось весной 2016 г. в Москве (хореограф — знаменитая балерина Марианна Рыжкина).